SANGUE NO CÉU

Inglorious Basterds

2009-10-26T13:42:00.004-02:00

Pois é meus queridos, foi aqui no ODEON de Canada Water que eu assisti a essa última peraltice ANIMADÉRRIMA do Tarantino.

Fui com grandes expectativas pois já tinha lido muito sobre o filme, e sabia que não seria pouca coisa.

Muitos anos atrás, em uma galáxia distante, comprei alguma revista de cinema americana (que ainda tenho) no qual Tarantino citava como uma referencia sua o fodoso "Where Eagles Dare". Dizia: "Sempre quis fazer um guys in a mission movie! Where eagles dare é um dos melhores filmes do mundo!". Na epoca a única platarforma tecnológica para reprodução caseira e em massa de imagens audiovisuais que existia era o VHS, e aluguei tudo que pude da lista dele. Foi logo depois de Pulp Fiction sair. Lembro que essa lista me revelou "Rolling Thunder", que me entreteu bastante lá por 93 ou 94.

Inglorious Basterds é, provavelmente, o melhor filme que o Tarantino já fez. Só não é melhor do que Pulp Fiction por que este é importante demais, históricamente.

Pulp Fiction deu cara a uma geração específica dos anos 90 e marcou o mundo de posers estilosos, hipsters e frequentadores da galeria ouro-fino. Esse povo que deveria ser executado na MINHA revolução cultural. Deu luz a fãs de citações, cineminha cult, intertextualidade, surf music e poseragem heroin chic. Todo um movimento pré-internet de pessoas que passeiam pelo mundo sendo indiferentes a tudo e apegadas a índices de cultura popular que "impressionam" encontrou significado nesse filme. Ele fez deu voz ao Cool. É um marco, já entrou para a história do cinema como fundador do cinema poser, cheiro de referencinhas, meio anos 70, mas ainda no seu tempo, boca suja, violentinho, babaquinha, todo mundo blasê, inafetado por sangue. Os personagens são, afinal, descolados e seguros demais para se importarem com alguém morrendo.

Celebra valores panacas, mas marcou... Não podemos negar, não podemos negar, meninos! E criou uma geração de seguidores, estes que fazem filmes medíocres com gangsters supostamente fodões que fazem piadas e depois mergulham em violência e cenas chocantes. Como por exemplo o ex-Madonna, guy Ritchie; essencialmente um Tarantino inglês de segunda categoria.

Acima de tudo, seu cinema não é um cinema sobre a vida ou relações humanas, mas sim sobre o próprio Cinema, coisas que o Tarantino assistiu quando era um adolescente (periodo que nunca abandonou, aliás). É um Cinema para cinéfilos, repleto de cenas derivadas, violência e choque barato. Mas extremamente divertido. Tudo que liga as situações-citações de Tarantino é um dos mais primais acontecimentos testemunhados pelo homem: os eventos tomados por violência, que irão submeter seu espectador a excitação e prazer, mas raramente a empatia.

Ou seja, Tarantino, de maneira geral, celebra valores de gente egoísta e excessivamente preocupada com estetica. Filhos da puta, basicamente. Trata-se de um cinema essencialmente pós moderno; consumista, niilista, hedonista, individualista, criado por signos, onde não se é o que se é, mas sim o que se parece, o que se veste e o que se representa, o que se tenta parecer. Acima de tudo, Tarantino faz um cinema de status.

Estritamente ele é efemero e anti-intelectual, seu cinema é eminentemente voltado para a estetização e a emoção, a superficialidade. Ele não desenvolve algo genial sobre os temas que explora e não investiga os personagens que retrata e suas trajetórias com causas e consequências, qualquer que seja o tema que está explorando: a vida no crime, ser um policial, testemunhar a guerra. Nada disso importa, desde que seja pano de fundo para violência estilizada. Seus personagens não tem valores além da auto-preservação. Entropia, a destruição de valores e a confusão deles, predomina numa mistura de citações de cultura popular.

Apesar de Tarantino estar lidando com Nazistas, isso é uma mera escolha estética baseada na herança cinematográfica que ele teve como criança, assistindo filmes sobre o tema. Como ícone pós-moderno que ele é, seu cinema é eminentemente despolitizado; sua preocupação não é com a origem do Nazismo, seus efeitos, causas, consequências. Sua narrativa não se preocupa em tentar entender a mente do oficial Aldo Landa ou o trauma de Shosanna . Os Nazistas são inimigos herdados por sua infância assistindo filmes da Segunda Guerra. Sua preocupação está em explorar cenas de ação e conflito com fortes momentos emocionais e forte estilização estética. Convenientemente o Nazismo é a encarnação do mal puro no inconsciente (e no consciente) coletivo do ocidente contemporâneo, o que permite a Tarantino se dar ao luxo de alegremente torturar soldados Alemães na tela, completamente livre de qualquer sentimento de culpa, tanto para ele como artista como para o espectador. Justificado pelas atrocidades cometidas pela Alemanha Nazista, Tarantino tem sinal verde para trucidar pessoas na tela com requintes de crueldade e ódio adolescente. Seu cinema é anti-humanista, sem preocupação nenhuma com questões morais.

A escolha tampouco é patriota ou, como nos filmes de Segunda Guerra originais, voltada para a excitação da ação, da batalha. A glória de se lutar pelo país, tão bem representada por séries como "Combate" ou atores como John Wayne, não interessa a Tarantino. Estes valores se encontram abaixo de algo maior, que é a nostalgia do diretor por suas referencias cinematograficas e de uma guerra que permitia, com algum senso de justiça, crueldade com o inimigo. Seu cinema é um cinema de CENAS. Cenas que devem se tornar memoráveis, marcar a memória do espectador como sequências estéticamente bem acabadas. Pequenas momentos que importam mais do que a premissa como um todo.

É um cinema sem valores, hedonista. Não há nada importante sendo discutido, há a procura do prazer estético e da criação de cenas violentas. É um cinema narcisista, preocupado eminentemente com estilo, estilização e aparências.

De qualquer forma, Tarantino resolveu botar a cabeça pra funcionar, e superou o mediocre Kill Bill. Não que o filme escape de seus cacoetes, mas algo mudou. Filmes de caras numa missão tem uma tendência ao fodismo. Basicamente IB é uma campanha de RPG, na qual os jogadores são os Basterds e a missão deles é matar porradas de nazistas, com bonus points se eles pegarem nazis do alto escalão, claro.

Aliás, QUALQUER campanha de RPG que eu já tenha jogado é melhor do que 90%, empiricamente, dos filmes de ação que eu assistí.

A premissa já ajuda o filme a ser bom. Filme que se passa nos anos 40. Não vai dar, tanto assim, para o Tarantino fazer citações grosseiras, encher o saco com referencias a obscuros filmes asiaticos idiotas.... Tem até uma cena na qual um nazista apaga um cigarro num crepe, ou torta. E se isso nao é ser cool, desencanado e estiloso, eu nao sei o que é. Claro que ele deve inspirar dezenas de adolescentes cretinos a se comportar dessa forma, coitado dos pais deles.

Ele meio que esgotou esse lance de parodiar cinema dos outros nos Kill Bill, que são sim bons, mas convenhamos, olhem pro seus corações, examinem suas almas; são eles melhores do que assitir LOST? Não, não são. São muito melhores do que alguns episódios de Dexter? Também não. Não são nem melhores do que episódios antigos de Além da Imaginação. Com certeza não são melhor do que NADA que esta passando agora no canal Playboy.

E quando voce faz um filme-citação violentinho que é divertido, mas não é melhor do que episódios de Star Trek, você tem problemas, meus amigos. Voce esta em apuros. Mesmo que você seja um sucesso. Não quero saber. Só não percebem isso os deslumbrados. Filme do Bruce Lee e alguns animes que eu já vi são melhores, mais divertidos, corpulentos e vitaminados do que Kill Bill. Por exemplo, "Vampire Hunter D" ou "Ninja Scrool". E isso é um problema, por que eles não foram tão celebrados quanto, e mereciam muito mais.

O que nao faz um investimento em MARKETING, nao é mesmo?

Tenho um VHS do "Inglorious BASTARDS" original, "O Maldito Trem Blindado", e trata-se de um filme de ação do gênero foda, com cenas gigantescas e épicas, no qual um grupo de soldados Norte-Americanos tem que explodir um trem... Maldito. Bom filme, um "Dirty Dozen" espaguete, com baixo orçamento e bastante ação. Não tem NADA a ver com esse. Ou seja, ele comprou os direitos para ter o nome, já que nao é uma refilmagem.

O filme ja se inicia com uma cena foda, numa fazenda francesa, onde o malvado Nazi HANS LANDA interroga de forma inteligente e genial um fazendeiro leiteiro e suas filhas sensacionais. Nesse momento Tarantino faz valer sua fama de fazer diálogos fodões e a coisa atinge um clímax/conflito que irá levar de forma épica a próxima cena. Chega as raias da genialidade no CRESCENDO das falas. O diálogo é uma inquisição satânica do NONCHALANTE Landa imputada sobre o bondoso fazendeiro, com uma maldosa parabola sobre ratos e Judeus, tudo ocorrendo enquanto uma familia Judia está escondida debaixo do chão de madeira. ISSO, meus amigos, é saber fazer CONFLITO no cinema. Me mostrem cinco filmes nacionais dos últimos 30 anos que tenham uma cena assim. Não há.

Em outra LONGUÍSSIMA cena, de 20 minutos, ele faz um inocente jogo de bêbados virar uma disputa por informações e percepções sutis em um diálogo em ALEMÃO que se torna uma algo impressionante. Ele leva, leva e leva a tensão com o diálogo e finalmente ESTOURA tudo em uma erupção catartica de tiros e sangue que precisa ser vista para ser compreendida em sua totalidade total.

E depois desse clímax, OUTRO.

Em uma nota, o diretor do que (dizem, nunca vi) é o porcaria HOSTEL, Eli Roth, faz um judeu forte com taco de baseball, que passeia cometendo atrocidades. Diz a lenda que ele ganhou uns 13 kg de músculo para fazer o papel, e deve ser verdade.

Simplesmente sen-sa-cio-nal a atriz Diane Kruger que faz a Alemãnazi Bridget Von Hammersmark. E a Shosanna Dreyfuss tambem nao fica atrás. Proprietaria de uma beleza meio Natassja Kinsky, faz uma DONA DE UM CINEMA, vejam só. E é obrigada a exibir um filme Nazi da época, um filme dentro do filme, que ficou SENSACIONAL, sobre um franco atirador alemão que mandou desta para melhor umas duas centenas de aliados, em uma liberdade criativa do Tarantino que convence, entretem e enriquece tudo. Um dos Basterds inclusive é um teórico de cinema! Vive disso! Como eu! Me senti CÚMPLICE desse personagem! Eu seria ele na campanha de Basterds D20.

Michael Fassbender como o crítico de cinema Archie Hicox.

Mélanie Laurent é Shosanna Dreyfuss.

De qualquer forma, o Atirador Alemão é ao menos parcialmente inspirado no ator Audie Murphy, que, diz a lenda, mandou dessa para melhor dezenas de soldados Alemães e virou herói nacional na década de 40. Vi em DVD o filme que ele fez sobre si mesmo, "To Hell and Back", e a fita tem o mesmo principio do filme dentro do filme do Basterds. Murphy foi o soldado Norte Americano mais condecorado eczistente. Outro bom (e curto) filme com ele é "A Glória de um covarde", tambem baseado nas confissões, no caso literárias, de um soldado, desta vez um veterano da Guerra da Secessão. Vejam, saiam das trevas, deixem de ser tapados, tenho que fazer tudo? Ensinar tudo? Tem em DVD.

Audie Murphy e suas medalhas.

To Hell and Back - A maior bilheteria da história da Universal até "Tubarão" de Steven Spielber ser lançado, em 1975.

Portanto, o filme é uma campanha de RPG com você e seus amigos torturando Nazistas pela Europa, e paralelamente a historia de Shosanna e seu admiranazi, que cola nela como fungo em quiabo, exigindo que ela faça a premiére de seu filme em Paris. Belas cenas de Paris, ah, Paris... Sob ocupação Nacional-Socialista.

Percebe-se, aliás, que Tarantino escreveu e reescreveu o roteiro. Existem várias tangentes narrativas que ele poderia ter seguido para a história, os cortes foram, de certa forma, meio aleatórios, e duvido, na verdade, que o clímax do filme fosse originalmente onde é. Todos os personagens tem uma sólida historia anterior, mas ele teve que se conter, ou faria uma minissérie. TODAVIA, toda essa informação dá envergadura ao roteiro e aos personagens. Você mal vê alguns dos Basterds, mas sabe que eles tem todo um passado que poderia perfeitamente ser explorado em uma série de TV. O cinema Alemão tambem é explorado, em amplas citacões. Muito nerdismo e fanboyzismo, nesse sentido, para agradar pessoas mais informadas do que vocês.

Como eu, por exemplo.

Sempre me esqueco como Tarantino despreza qualquer morte. Nenhum dos personagens se importa com gente morrendo em seus filmes, colegas massacrados e moscas são a mesma coisa, cenas de violência extrema entram e saem como se nada tivesse acontecido, e isso é irreal, imaturo, inseguro e desrespeitoso com o tema (violência). Apesar da violenssa gratuita e do poserismo de fanboy alucinadinho, apesar de tudo isso, o filme tem guys in a fucking mission na Segunda Guerra Mundial, objetivo claro, mulheres bonitas, Nazistas sendo escalpelados, final APOCALÍPTICO com gargalhadas fantasmagoricas e, finalmente, adentrando a filmografia de Tarantino, uma cena de morte bonita e LÍRICA, emocionante, épica! Com trilha do Ennio Morriconne!

Tarantino mostra que não é apenas um californiano cínico, comedor de cheetos, que ficou vendo filme de kung fu em locadora. Mostra que tem um coração! E que entende amor, dor, traição e perdão. Ou, ao menos, consegue fazer um simulacro do que viu destes temas em outros filmes.

Excelente cena de morte. Assistam, são 3 horas que passam rápido. É uma mistura de "Where Eagles Dare" com filme do Ettore Scola e pinceladas de "Cinema Paradiso". O clímax é glorioso, épico, e é a coisa mais anti-alemã que ja vi na vida.

Preencheu minhas expectativas, e me supreendeu. Sejam fanboys e vejam.

FLIP 2008

2009-08-29T20:47:00.005-03:00

FLIP 2008

Com grande atraso, mais de um ano, venho comentar a FLIP de 2008. Encontrei alguns papéis que usei para anotar coisas que vi naqueles três dias. Foram três excelentes dias, aliás. Paraty revelou-se um lugar muito agradável, e assim também foi quando retornei lá com meu amigo germânico Manuel Rickert, no final do mesmo mês de Julho. Aparentemente ele também gostou muito.

É revigorante estar entre pessoas que lêem, estando no Brasil. Clichê dizer isso, mas a FLIP é um evento bom para se conhecer pessoas e entrar-se em contato com idéias novas, boa diversidade de autores e as mesas sempre trazem idéias instigantes.

Em uma nota completamente não-relacionada com a FLIP, estava eu lendo uma crônica utilizada por amigos para a feitura de um curta metragem, aliás muito bem fotografado, quando comecei a pensar sobre o oficio de escritor. A crônica é do Luís Fernando Veríssimo, escritor por qual tenho grande admiração (apesar de ter lido pouco, as crônicas dele me parecem muito sinceras, simples, diretas) e versa sobre um escritor dizendo algo sobre escrever. Diz ele que o verdadeiro escritor, quando já disse tudo o que tinha para dizer, se mata. Se não, não escrevia. Escreve para expurgar os livros de dentro de si. No final, ele decide não terminar a carta de suicídio/texto que estava escrevendo pois afinal, isso implicaria em que ele tivesse que cometer suicídio. Sensacional essa hein? Vocês não viram ela chegando!

Outra imagem do que é o centro histórico dessa sensacional cidade, meus amigos. Paraty!

Essa coisa de querer colocar algo gênial para os outros lerem é uma característica da literatura. "Tenho que passar uma mensagem, tenho que ser sofisticado". Um bocado chato e pedante isso, no final das contas. O Veríssimo é bom ok, tá, o cara é demais. Mas essa idéia de que "o verdadeiro escritor se mata depois de terminada a sua obras" e frases (ou idéias) de efeito do tipo são chatas e pseudo-profundas. Isso simplesmente não é verdade. Você pode achar que é verdade se tem uma profundidade emocional/intelectual televisiva, novelesca, da vida.

Está claro que em nada se equipara a complexidade de, digamos, Hardware do Richard Stanley, aí sim, uma verdadeira meditação sobre a vida.

Aqui está um trailer não oficial deste filme:

De qualquer forma, outras variações da arte, como a música, não se tornam obcecadas em querer explicar para os outros como viver a vida, apesar de poderem conter grande sofisticação. Música é assim.

Tenho ouvido muito ARISE e BENEATH THE REMAINS do Sepultura, que é uma banda óbvia, por várias razões; é uma banda Brasileira, é uma banda famosa, mas esses discos são realmente geniais e acima da média. São, em termos de música, outro tipo de manifestação artística, claro, que demanda outro tipo de leitura e tem outro tipo de resultado, mas que de qualquer forma é de uma profundidade e de uma complexidade muito maior do que Veríssimo e sua meditação sobre uma suposta carta de suicídio que ao mesmo tempo nos explica o que é a literatura e o que são os escritores, (Nada contra o Veríssimo. Sem choro, amigos) e eu lembro de ler uma entrevista com os membros da banda, Andreas Kisser e Igor Cavalera, onde um dizia que o melhor livro que ele já havia lido era "Pet Cemetery" do Stephen King (aliás, um autor soberbo, acima de Veríssimo, Machado de Assis, Guimarães Rosa e o que mais o que você enfileirar aqui) e o outro, Igor, citava "Cebolinha".

Vocês sabem quando eu vou escutar A-lex quando tenho Beneath the Remains? Nunca.

São pessoas que não lêem porra nenhuma, mas criaram arte com grande complexidade.

Uma coisa é uma coisa, amigos. Outra coisa, é outra coisa.

Retomando, Paraty é um lugar absolutamente agradável. Um pouco caro, e suponho que essa virada nos preços tenha se dado nos últimos 10 ou 15 anos, mas com restaurantes agradáveis, praias bonitas, gente interessante, de maneira geral um clima muito inspirador e prazeroso.

Com certeza é um dos meus lugares preferidos no Brasil (não são muitos). Tento pensar em algo que vá descrever algo mais específico mas não saio da obviedade... Suponho que toda atmosfera do local me tenha sido boa, ou me feito particularmente bem naquele momento. Existir lá é bom, e a interação social com pessoas de todos os tipos, procedencias e idades, é frequente. As noites são perfumadas pelo mar, o céu é escuro, as ruas são de pedras irregulares e as casas são bonitas.

É um bom lugar para se estar.

Começarei pelo dia 03 de Julho de 2008.

A mesa se chamava "Sexo, mentiras e videotape", em alusão, acredito, ao filme de Steven Soderbergh. Presentes estavam Inês Pedrosa, que já foi editora da Marie Claire Portuguesa, Zoe Heller, escritora Inglesa que fez "Anotações sobre um escândalo", filme que se tornou "Notas sobre um escândalo", com a atriz Judi Dench. Filme que eu não vi e suponho que, em relação a mim, continuará nessa situação. Ou não. Recentemente ouvir falar muito bem do filme, através de fontes confiáveis, e a terceira presença era a escritora Cíntia Moscovich, que escreveu "Por que sou gorda, mamãe?" um livro, aparentemente (segundo ela mesma) inspirado em "Carta ao Pai", que é um belo exercício de exorcismo (quantos ex) sobre má paternidade do Kafka. O título do livro de Moscovich, de acordo com meus preconceitos, apontaria para algo um tanto quanto auto-indulgente, mas ela leu um bom trecho de seu livro, e disse algumas das coisas que achei das mais interessantes na mesa.

Gosto muito do livro "Carta ao pai". Lí avidamenta alguns anos atrás e fez todo sentido para mim. Uma das funções (ou capacidades) da arte, afinal, e estabelecer essa empatia e essa conexão de experiências entre as pessoas. Isso nos faz criar amor a arte, mas também nos faz confundir-mo-nos com o autor (está certo isso? Espero que sim). Frequentemente entro em contato com pessoas que acreditam que, por que compreendem e captam algo de uma obra de arte, são "parte"dela ou são, de alguma forma "como"o artísta. Isso é uma grande mentira. Ser espectador, receptor de arte é uma coisa. Ser artista é outra, e muitas, muitas pessoas se confundem com essa linha, acreditando que perceber a genialidade de um artista equivale a tornar-se um gênio, ou de alguma forma estar perto desse artista. O trabalho criativo de um artista é muito diferente do processo de recepção que o espectador exerce, que é passivo e de decodificação e compreensão. Em suma, ser fã não é ser artista, são procedimentos muito diferentes que exigem trabalhos muito diferentes.

Zoë Heller, supostamente xavecada por Neil Gaiman durante a FLIP.

De uma forma um pouco melancólica, Cíntia definiu as pessoas como "um abismo", cada um de nós seria um, e completou de forma excelente: "O drama da existência não é tão vasto como queremos", e não é mesmo. Criamos tanta análise, tanta conjectura, tantas idéias confusas e profusas sobre estar vivo que sinto que, muitas vezes, sequer lembramos mais qual é a pergunta original. Acima de tudo raramente chegamos a algo realmente de interessante dessa fecundidade de estudos de possibilidades e de respostas para estas possibilidades. Tanta filosofia produzida sobre a vida, e no final das contas, o drama humano é o mesmo, insolúvel e irremediável, há milênios.

Nós não somos tão complexos quanto queriamos ser e estar vivo não é tão complicado. Comer, dormir, procriar, tentar manter-se vivo. Pode ser doloroso e dificil, mas toda essa montanha de arte e especulação psicológica, religiosa e cultural que criamos é muito mais desespero do que um estudo real eficiente (ou uma maneira realmente produtiva) de lidar com a dor humana, infrequentemente resulta em algo que vá apresentar resultados palpáveis.

E esse é meu desenvolvimento das idéias apresentadas pela Cíntia Moscovich, e não o que ela disse.

Ela desenvolve, dizendo que não existe nada de muito exótico em se escrever, é a soliedariedade com o leitor que faz tudo. Escrever é compaixão. Partilha pela paixão dos outros.

Há uma breve e divertida discussão sobre o que é "literatura feminina". Algo muito interessante que Heller diz é que mais ou menos qualquer coisa é visto como "Literatura Feminina" quando é escrito pelo ponto de vista de uma mulher, enquanto que quando é escrito por um homem é apenas "Literatura". Acredito que ela esteja certa e que o mesmo seja válido para outras literaturas; diremos que tal assunto é visto através da "visão homossexual" se for escrito por um gay (a despeito do assunto abordado ter uma relação direta com homossexualismo ou não). Triste isso, classificamos qualquer interesse de "minorias" de acordo com condições delas que não se relacionam necessariamente com a questão exposta.

04/07/2008

David Sedaris e Matthew Shirts.

Sedaris é um Norte-Americano, e se comporta falando de forma muito Americana. Trabalhava como um Elfo numa joja da Sears (ou Macy's, como dizem outras fontes). O quão começo-de-uma-comédia-no-HBO é isso? É gay, e me passa a impressão de ser um pouco melancólico. Sua comédia é triste, suas piadas, desencantadas com o mundo. Bom momento se dá quando ele fala que costumava viajar de carona pelos EUA, que ele pegou este último momento no qual isso ainda poderia ser feito nos EUA, antes de se tornar algo muito, muito perigoso, e recontou como foi o último dia no qual fez isso. Após pegar carona com um casal, o homem que está dirigindo virou-se para ele e disse "How would you like to eat my wife's pussy?", para o que ele, apavorado, replicou "I.. I'm GAY!".

Acredito que esse período de caronas tenha acabado no início da década de 80. Á partir daí, disse ele, as pessoas apenas lhe davam carona se pudesse conseguir algo em troca, algo de você, normalmente arranjar drogas ou sexo. E querer algo de você também é algo tipicamente Norte Americano. Por mais que isso pareça um julgamento caricato, eles são sim, viciados em consumo e muitos vêem as pessoas como oportunidades. Existe um espírito lá que exerce isso como modo de vida.

Ele diz que as vezes não gosta muito de viver. "Como assim?", é perguntado, e ele explica que não é que ele odeie a vida, exatamente, mas as vezes, durante um vôo, não se importaria se seu avião caísse.

David Sedaris

Diz que sente que não quer morrer por que perderia a oportunidade de ler livros novos de seus autores preferidos. Alguns deles: Tobias Wolff, Lorrie Moore, Alan Bennet. Vive na França mas mora metade do ano em Londres.

Fala mal (e de forma engraçada) sobre Gregos. Humor Americano, faz quase um esteriótipo do que descreve, talvez pela necessidade de alguns Americanos de rapidamente resumirem as coisas. Me impressiona como ele passa tristeza. Me lembro vagamente dele ter mencionado que sofre de depressão, talvez? E que se medicava ha anos? Não tenho certeza. Na verdade acho que sim. E finaliza "I am not a huge fan of my own writing", e todos riem. Como será que ele e sente pensando sobre isso, sozinho, depois? Deve ser uma pessoa interessante de se conversar com.

04/07/2008

Nathan Englander.

Bom o Englander. Nunca havia ouvido falar dele. Um Judeu novaiorquino, indignado e decepcionado com o mundo no qual vivemos. Jovem (38 anos) ele demonstrou ser muito sincero, disposto e triste, realmente parecia estar "procurando uma saída" para o que ele observa no mundo. Senti grande empatia com ele, provavelmente por ele ser jovem e se preocupar com a condição do lugar e do "ser" em que vivemos. Fez colocações aplaudidas sobre o governo Bush e sobre a surpresa estúpida com a crise do petróleo e o fato de que teremos problemas de energia sim nos próximos 30, 40 anos. E me pergunto como serão esses anos. Darker Days Ahead, como já dizia o finado Jesse Pintado.

Jesse Pintado que, uma vez, bêbado, tentou brigar comigo por que derrubei cerveja nele. Pelo menos você não verá a HORRENDA crise energética que tomará conta do mundo daqui uns 40 anos, não é mesmo? RIP Jesse, sem ressentimentos.

Não surpreendentemente em Setembro estourou a crise econômica mundial, causada, básicamente, pela utilização irresponsável de "crédito" que não existe.

Assim como Englander, tenho a nítida sensação de que o mundo está piorando e irá piorar. Ele cita a antiga verdade sobre a sensação que temos diante de instituições; nos sentimos impotentes diante de forças políticas que parecem muito maiores do que nós. Tão trivial e repetido, mas tão importante. Isso me lembra algum professor que tive na USP, não me lembro agora quem exatamente, talvez o Modesto Florenzano, lembro-me dele falando sobre quando nos referimos a oscilações na economia que o "mercado" quer e o "mercado" deixa de querer, personificando-o quase como uma entidade metafísica, monstruosa, uma espécie de Deus, afinal. Pode parecer óbvio, mas o ponto mais interessante que ele trouxe à tona nesse dia foi de que o "mercado" é feito por pessoas, e não é um monstro sem rosto, ingovernável, que nos leva a apatia e a sensação de impotencia. São pessoas, pessoas que acordam de manhã e vão tomar decisões, decisões essas que afetarão milhares de vidas, e é especificamente a isso que Englander se referiu, demonstrando grande tristeza.

"A população é muito maior do que o Estado", ele diz, assim como pregava o slogan da adaptação cinematografica de "V de Vingança", de Alan Moore; "As pessoas não deveriam temer seus governos. Governos deveriam temer as pessoas". Englander continua explanando sua crise "O mundo está acabando e eu saio em uma tour para promover meu livro". Esse tipo de culpa e sensação contraditória é algo que não nos escapa.

Quando eu era criança, sempre pensei que ser adulto era ter mais certezas e poder aproveitar elas, mas isso, evidentemente, não é verdade. É uma típica visão infantil, e que justamente faz falta a quem atinge a maturidade. Mesmo que tenhamos ganho outras coisas com a sabedoria dos anos, que também são muito preciosas.

Na verdade, não sei se a troca é boa.

05/07/2008

Tom Stoppard e Luis Fernando Veríssimo.

A apresentação de Veríssimo é feita com uma leitura de texto. Acho isso chato, aborrecido. Pra que? Que mania de Brasileiro de querer ser formal. A apresentação de Roberto Schwartz também foi assim (abrindo a Flip, falando sobre Dom Casmurro), lendo um enorme artigo/dissertação/texto que havia produzido, imagino, para a ocasião. O texto era, claro, muito bom, mas ele leu com uma régua, passando o texto lentamente, coisa canhestra. Consigo imaginar poucas coisas mais chatas do que simplesmente ouvir alguém lendo um texto que produziu de forma repetitiva e monocórdica. Acho que é coisa de Brasileiro isso, medo de errar ao improvisar um pouco. Se o Versíssimo tivesse apenas lido o verbete da Wikipedia 3 horas antes, (em inglês, o em Português deve ser pobre) sobre o Stoppard, já estaria preparado para fazer essa introdução.

Também não entendo direito por que escolheram ele. Marcelo Tas era mediador do Neil Gaiman sem saber quase nada sobre ele. Nada contra o Tas, que foi divertido e fez bem seu papel, mas não seria melhor colocar alguém que já leu Sandman, Deuses Americanos, Anansy Boys, Neverwhere, Stardust, etc para mediar esse encontro? Parece que socaram ele lá por que ele é uma celebridade moderna e prafrentex que vai se encaixar bem com esses escritores igualmente atuais e muito loucos que são Gaiman e Richard Price! Vai funcionar!

E funciona, mas me parece uma coisa um pouco "subdesenvolvida" e eternamente deslumbrada, de a elite, qualquer que ela seja aqui (com afinidades ou não com o que vem de fora, sempre mais interessante) de querer se associar com esses exóticos e superiores escritores internacionais.

E além disso, Veríssimo abre a apresentação dizendo "O mágico, Tom Stoppard", um pouco deslumbrado demais.

Mas divago. Apesar de que o que são essas memórias a não ser uma grande sessão de divagações?

Boa discussão, Stoppard fica de pé e faz uma apresentação como uma palestra ou aula. Começa falando que evidentemente não é muito conhecido no Brasil por ser dramaturgo, e lentamente tenta definir o que é "escrever bem". Segundo Stoppard, a essa questão podemos imputar duas variações; na primeira variação (e segundo ele, na mais comum) falamos de manipular linguagem com experiência para formular um pensamento impactante em uma sequência arquiteturalmente/intelectualmente elegante de palavras.

Concordo, mas na verdade a seqüência de palavras sequer precisa ser muito elegante, o que realmente importa é ter um pensamento impactante dentro delas. Trazer a "seqüencia elegante" tem cada vez mais tornado-se um opcional. Muitos escritores, o meu frequentemente citado Stephen King, por exemplo, não é famoso por fazer tantos "pensamentos impactantes" em frases de efeito arquitetônicas. King é excelente em criar atmosferas e narrativas bem acabadas, com continuidade rigorosa e supreendentemente lógica. Imagino que ele tenha criado notas e mais notas sobre tudo que colocou em "The Dark Tower" para dar conta da continuídade (trata-se de um livro de quase 4000 páginas escrito ao longo de mais de 20 anos, e a continuidade está preservada. Evidentemente ele tomou notas e fez tabelas para poder se orientar diante da quantidade de coisas que estava criando).

Ele é um excelente escritor e suas qualidades não estão em fazer frases de efeito que condensam idéias particularmene pungentes, impactantes e reflexivas. O que Stoppard está definindo como "boa escrita" aqui é o Oscar Wilde sendo engraçadinho ou o George Bernard Shawn sendo irônico e fazendo alguma observação sobre a hipocrisia. Um pouco limitado, mas vamos lá.

A segunda variação de "escrever bem" que Stoppard relata é a utilização de palavras simples e à principio óbvias na situação perfeita. E isso é muito mais dificil de se fazer. Palavras-comuns chavões, que, colocados em um momento em particular atingem um brilho especial e elevam toda a "cena", dando um brilho emocionante a narrativa em questão.

Os exemplos que ele usa são de diálogos/ação em ficção, e não sua utilização em colocações filosóficas, debates intelectuais, considerações abstratas e afins. Logo, essa é "boa escrita" para ficção.

E então ele se refere a uma cena de "O Terceiro Homem" onde exatamente uma frase de efeito do primeiro tipo de "boa escrita", impactante, com efeito, inteligente, é utilizada. O roteiro original é de Graham Greene, mas a frase aparentemente foi cunhada por Welles no set, ela não depende em NADA da narrativa e poderia estar em qualquer lugar de praticamente qualquer filme, e por isso mesmo não se prende a melhorar a narrativa, e diz o seguinte: "NA ITÁLIA, por 30 anos, sob os Bórgias, tiveram guerra, terror, homicídio, sangue e produziram Michelangelo, Leonardo da Vinci e o Renascimento. Na Suíça, tiveram amor fraterno, 500 anos de democracia e paz e o que produziram...? O relógio-cuco."

Também é dito que Welles credita a frase (ou a idéia da frase) a uma "velha peça Húngara". Quem sabe? Não importa.

O que Stoppard quer explorar não são estas inteligentes e intelectualmente impactantes frases de efeito, e sim as palavras-comuns colocadas em situações especiais. Ele nota, muito bem, que a construção dessa frase é feita através de aplicação, de referencias literárias, e que quem realmente lê e se dedica, se tiver o intelecto suficiente para tanto, pode acabar sim também produzindo uma frase tão boa quanto essa. Nesse sentido, ela é menos interessante do que o uso de uma frase absolutamente ordinária em uma situação perfeita, que traz a cena poesia, impacto e principalmente reverberação emocional muito grandes.

Uma observação excelente que ele faz é notar que o filme realmente precisa parar para que essa frase seja proferida pelo personagem de Welles. Ela não leva a história para frente, não a faz progredir, e portanto, e termos de diálogos cinematográficos, não é a melhor frase do mundo. É uma pausa quase exibicionista do intelecto de Welles e o quão incisivo ele pode ser.

Stoppard então lembra-se de uma boa cena de "O Fugitivo", com Harrisson Ford como homem acusado de ter matado sua esposa fugindo da polícia, tentando provar sua inocência enquanto alega que foi vítima de um "homem de um braço só".

Na cena, Harrisson está armado, mas encurralado por Jones em uma rede de túneis de água que levam a um precipício. Com o poder em mãos, Ford, apontando a arma para Jones, defende-se com a única coisa que pode dizer: "Eu não matei minha esposa", usando sua inocência, o cerne do conflito do filme, como valor de troca com o policial.

O que Ford precisa fazer, como protagonista, é persuadir seus antagonistas, deixar claro a eles, que ELE É inocente. A verdade é seu único trunfo, seu único valor, e é com essa moeda, a mais pura que ele tem, que Ford aborda Jones, estando em uma situação de superioridade e controle momentaneos, já que Ford está armado.

E então Jones retruca, com os braços rendidos: "Eu não me importo", deixando claro que o que está em logo alí não é a inocência de Ford, e sim o fato de que ele deve ser preso.

Todo o filme é levado por conceitos abstratos de lei e ordem, de certo e errado, de justiça e injustiça que criam uma sociedade civíl. E quando Tommy Lee Jones diz que não se importa se Ford é inocente ou não, todos estes valores vão por àgua abaixo e tudo o que temos é a perseguição de Ford pela pura perseguição, em um movimento mecânico e cego.

O mesmo se dá, de certa forma, com o personagem Popey Doyle, o violento e racista policial interpretado por Gene Hackman em "Operação França", quando, no final deste excelente filme do diretor William Friedkin, que depois de fazer "Operação" e "O Exorcista" jamais conseguiu realmente brilhar (apesar de eu gostar muito de um filme dos anos 80 dele chamado RAMPAGE, sobre um serial killer, mas isso não vem ao caso no momento), Doyle acaba matando um inocente, completamente obcecado por sua cruzada contra os traficantes franceses.

Em quatro palavras, "Eu não me importo", Tommy Lee Jones deixa claro que o filme se trata de uma perseguição pela própria perseguição, e nada mais. Stoppard diz que isso é um momento de perfeição, já que com uma pequena frase todos os valores da narrativa são invertidos.

Ele valoriza uma boa cena de "Indiana Jones e a última cruzada", na qual o persnagem central, após despenhar de um penhasco em uma seqüencia de perseguição com tanques nazistas, consegue subir escalando uma montanha. Seu pai e um amigo ficam observando o desfiladeiro, lamentando a morte de Indiana, enquanto com grande dificuldade ele chega a eles. Depois de se reconciliarem, uma lufada de vento trás o inconfundível chapéu de Indiana. Segundo Stoppard, essa cena é tomada por poesia e ele gostaria de ter escrito ela. E ela realmente é, fazer o chapéu voar de volta para Indiana foi uma maneira quase mítica de dar ao "man with the hat" de volta algo que lhe é simbólico como personagem e permitir a continuidade da ação.

Ele quase pede desculpas por citar Indiana Jones, aliás, o que é um pouco bobo. O público da FLIP com certeza seria preconceituoso com Steven Spielberg e citações de Indiana Jones pegariam mal, e ele sabe disso. Mas para que se desculpar, no final das contas? Stoppard faz questão de frisar que "Spielberg não é um intelectual, mas isso foi genial, pois ele transformou o problema (a ausência do chapéu) em um momento sublime", ou seja, ele consertou a narrativa com um momento de poesia imagética.

E levando a coisa mais adiante e sendo ainda mais minimalista; ele cita uma cena de Chinatown na qual temos uma "establishing shot" de uma casa, depois, longas tomadas interiores, sem que acão alguma ocorra. Subitamente; fumaça de cigarro aparece na tela, vindo de um dos cantos. E assim sabemos que o personagem de Jack Nicholson está na cena.

Todavia, depois de notar isso, Stoppard re-assistiu ao filme, com colegas, avisando antes "Ok, esperem pela cena do cigarro" e quando chega a seqüencia.... A fumaça não está lá. Portanto, nesse sentido, o sutil trabalho de se colocar um pequeno elemento que irá trazer todo um significado a cena foi feito PELO espectador, assim, a fórmula, segundo Stoppard, atinge uma espécie de ápice; o espectador é forçado a fazer uma espécie de metonímia. E isso, meus amigos, é uma espécie de MAGIA.

Pelo menos segundo o Stoppard.

Eu diria que você precisa de um público bastante perspicaz e criativo que consiga fazer isso para começo de conversa, o que é um certo desafio, mas é uma observação inteligente sobre a escrita e sobre como perceber arte e não posso desconsidera-la.

Bom o Stoppard ao vivo. Ele obviamente planejou toda a apresentação, inclusive as partes que tirariam risadas do público (como quando revela que ELE criou a fumaça de cigarro em Chinatown). Evidentemente ele leciona ou já lecionou pois sabe atingir todos os pontos de virada que criam uma narrativa de uma boa apresentação.

Artificialmente, e de forma muito bem colocada (não vejo o fato de que ele planejou cada exemplo e cada momento como algo ruim, absolutamente) ele descreve uma encenação que viu de A TEMPESTADE de Shakespeare, na qual a produção foi feita por um grupo que ele definiu como amador (mas que provavelmente no Brasil seria considerada uma produção profissional, tal a descrição).

Com o intuito de fechar sua apresentação, Stoppard fala "Muitas das coisas que lembramos de peças são coisas que não foram escritas", e que isso é muito importante, reforçando o trabalho do espectador. Elementos da encenação que não estavam no roteiro e que se prendem exclusivamente a aquela apresentação fazem muita diferença. Na encenação Shakesperiana em questão, no final da peça, o personagem de Ariel corria por um gramado ao ar livre, com o sol se pondo, finalmente atingindo um lago onde uma ponte submersa de madeira havia sido colocada, para que o ator corresse sobre a àgua. Tudo que se ouvia eram seus passos aquàticos ecoando sobre o lìquido, até que a figura desapareceu na escuridão. E então, ao fundo, um estouro de fogos de artifício se fez no ar, e escreveu-se "Ariel EXITS", finalizando tudo. E assim Stoppard finalizou seu monólogo de forma poética e impressionante, gerando aplausos e apreciação geral.

E tudo isso acima ficou muito mais uma descrição do que uma análise do que aconteceu.

Uma boa frase, muito verdadeira e pouco acatada por estudantes de Cinema e cineastas em geral desse nosso Brasil Varonil, dita por ele foi "Eu prefiro um grande western a um filme de arte medíocre", o que é a verdade absoluta da arte, mesmo por que é muito mais fácil fazer um filme "de arte" pedante, pseudo-enigmático e entediante do que um western clássico bem acabado. "A criação é auto suficiente, o que é necessário é você, papel e caneta" ele diz, e isso ilustra bem a oposição entre Cinema como uma forma de arte e a literatura.

Os obstáculos, entraves, burocracia e desgraças entre a concepção de algo para o Cinema e seu resultado final, são enormes, e o mesmo não é verdade na literatura. A criação para o Cinema exige a construção laborosa e burocrática de um universo a ser colocado diante das câmeras. Qualquer idéia ou emoção que o artista (ou cineasta) queira transmitir deve ser transmitida minuciosamente através de todo trabalho, feito primordialmente por obstáculos físicos, que são fazer Cinema, uma disciplina extremamente dependente da matéria. A literatura e mesmo a pintura, escultura, música e outras formas de arte dependem muito menos da técnica do que o Cinema, e por isso a chegada em resultados mais rápidos.

Por outro lado, o poder impactante e imersivo do Cinema provavelmente é inigualável, desde que o espectador esteja disposto a realmente submerger nas imagens e sons.

Stoppard é claro e sincero, diz que escreveu sua última peça a quatro anos (será essa Rock and Roll? Não vou parar para pesquisar agora). Ele é, ou tenta ser, complexo, profundo e grandioso, o que gosto. Frisa que ter uma opinião é não é ter uma narrativa, e muitas vezes vejo pessoas com idéias vagas que realmente não são por si histórias, apenas conceitos. A maioria das coisas que inspiram escritores vem de idéias abstratas, sem personagens, narrativas, nada. Cabe ao escritor criar uma narrativa para ilustrar pontos interessantes e conceitos a serem discutidos, e isso é muito mais dificil de se fazer do que se observar coisas curiosas sobre a vida, o universo e tudo mais.

E, para escrever, ele usa uma fountain pen e lined paper.

É acho que é isso. Não consigo pensar em nada mais para relatar ou refletir sobre a FLIP do ano passado.

Joaquim EXITS!

Hoje eu me apaixonei por seis minutos

2009-06-24T03:36:00.007-03:00

22/11/2007

Estava eu caminhando em um poético e bonito pôr-do-sol alaranjado de fim de tarde quando atingi meu destino: a prosaica festa de livros da USP.

Os pores-do-sol da USP são bonitos. Lá o terreno é mais plano do que na maior parte de São Paulo, e dá para ver o horizonte. Algo que sempre me emociona e me espanta quando saio dessa cidade, onde quase sempre vivi.

Solitário, começo a ver os livros. Aquela coisa sensacional, milhares deles, tudo, tudo tão interessante que dá vontade de ler pra sempre.

Estava me amaldiçoando por não ter pego uma blusa (já que tenho sentido cada vez mais frio ultimamente; eu era bem resistente quando criança e adolescente) já que a brisa de fim de tarde arrepiava meus braços, quando adentrei aquele enorme vão do saudoso prédio da História e da Geografia, lugar de profunda sabedoria e conhecimento! Ah sim! Muito! Lugar onde, afinal, passei quatro anos e meio da minha vida.

Lugar que me deu o diploma que ostento orgulhosamente no escuro da minha gaveta de escrivaninha, lugar onde assinei um documento me comprometendo apenas fazer pesquisa histórica em nome da justiça e do progresso humano! Um lugar cheio de curvas, sombras e memórias que jamais irão fugir de minha mente de de meu coração! Lugar onde aprendi, amei, chorei, transei e ri.

Quase uma novela.

Solitário, começo a ver os livros. Aquela coisa sensacional, milhares deles, tudo, tudo tão interessante que dá vontade de ler pra sempre.

Também sou possuído por uma vontade de fazer uma magia que fizesse com que aquela montanha de gente desaparecesse para que eu possa alcançar os livros com maior facilidade.

Ao mesmo tempo ondas nostálgicas de ter ido em todas as festas do livro, desde a primeira, no ano em que entrei na USP, e de tudo que vivi naquele prédio, se apossam de mim.

São muitas emoções, gente!

Caminhando entre estudantes hippies, um gordo metaleiro com uma camiseta do DIO e professores, vou direto ao stand da Conrad, onde preciso pegar alguns volumes para completar coleções de livros e quadrinhos.

Ah! GordecamisetadoDio! Membros dessa espécie, normalmente jogadores de RPG, são comunmente vistos na USP e são espéciemes belos da fauna da Universidade. Devem ser preservados. Habitualmente virgens, são bons de papo e entendem de mitologias Européias e sabem muito sobre torrents pornôs em evidência.

Uma senhora pergunta a um vendedor: "O senhor tem livros de arte?" e ele responde: "É que aqui nós consideramos quadrinhos arte". Ela diz "Ah, tá" e vai embora.

O vendedor tem tatuagens de símbolos que eu vejo em academias de Yoga nos dois antebraços.

Que prazer tenho ao ver a figura de Conan estampada na capa das edições dos volumes I e II das sagas do cimério que, eu não sabia, foram lançadas aqui!

Acredito que o perfil de toda minha fonte de prazer na vida determinou-se até meus 15, 16 anos.
Ou seja, sou um nerd infantil.

Mas isso não vem ao caso.

O que vem ao caso é que....

Estou lá, desavisado, com os olhos passando por imagens de Mangás, desenhos de Robert Crumb e figuras do Sandman... Quando vejo a loirinha.

A loirinha é "inha" na medida em que esse diminutivo proporciona as mais delicadas qualidades a moça. É meio brega, beirando o babaca falar isso. Mas ela não era uma loira.

Ela era uma loirinha.

A primeira coisa que sinto é vontade de abraçar e proteger ela.

Estava usando um moleton azul marinho antigo e puído, calça jeans e tênis All Star. O cabelo estava preso pra trás com fivelas bonitas e escuras, mas escorria pelos ombros, em ondas de amarelo e castanho claro. Seu olho é de um castanho muito claro.

Ela está folheando o livro do Lester Bangs, "Reações Psicóticas".

Me apaixonei.

Durou uns seis minutos.

Decidi que deveria dilatar aquele momento o máximo possível, e fiquei folheando um livro de ficção científica ao lado dela, bebendo sua beleza com os meus olhos. Sua beleza intimidadora nunca escapando de minha visão periférica.

Quando ela se decidiu, parou de ler.

Fechou o livro, colocou a mão na bolsa e de dentro dela tirou uma carteirinha de plástico transparente, antiga,, com dinheiro; umas poucas notas visíveis através do plástico translúcido.

Fiquei imaginando onde ela arranjou aquela carteirinha, se ela ganhou de uma amiga, se comprou numa loja de 1,99, e há quanto tempo tinha ela.

Imaginei onde ela deixa a carteira quando chega em casa. Talvez em cima da mesa? Do lado da cama? Pensei que queria estar com ela quando ela escolheu comprar a carteira.

A carteira era um pedacinho de plástico que parecia frágil e pequenininho, assim como ela é loirinha. Não era uma carteira grande da Louis Vuitton, um objeto arrogante, ostentador, deselegante, inseguro, vulgar.

Era um saquinho de plástico que combinava com ela ser loirinha e gostar de algo simples.
Desejei que a mente dela fosse transparente como o plástico da carteira, para que eu pudesse saber de tudo que ela gosta e fazer pra ela.

De relance, olhei o lado do seu rosto, ela estava olhando para algo a direita e com parte da nuca virada pra mim, seu rosto fazia uma curva bonita escondendo seu nariz, enfim, eu via só sua bochecha. Era macia e fofinha. Dava para ver os pelinhos no rosto dela, transparentes. Como a carteira.

E tinha uma pintinha pequena, clara.

Ela esticou a mão para a esquerda e pegou outro livro, algo sobre um fumador de ópio, mas não era o do DeQuincey, que vejo pra vender em bancas, em edição da L&PM.

Com uma voz muito, muito baixinha, ela perguntou o preço dos livros ao vendedor. Ele consultou uma tabela e disse, e ao invés de responder, ela apenas assentiu com a cabeça e deu os livro a ele. Começou a separar o dinheiro.

As unhas dela eram pequenas e curtinhas, sem pintura, transparentes como a carteira. Os dedos eram finos e delicados, como de uma criança.

Eu deveria ter chegado junto, e na melhor tradição do xaveco instantâneo falado: "O Bangs falando sobre Van Morrisson nesse livro é demais"

Ou ainda, dito: "Adorei sua carteirinha de plástico, seu moletom antigo e seu All Star, você é tão simples e bonita quanto uma flor, dá vontade de te abraçar e sentir seu aroma e beijar sua bochecha. Posso?"

Mas decidi não fazer nada.

Ela pagou, deu as costas a mim saiu pela saída ao lado da antiga biblioteca, sendo consumida pelas sombras do fim-da-tarde. O sol não estava mais lá.

Vi seu All Star e sua calça jeans - no tamanho exato para o corpo dela - desaparecendo e fiquei triste.

Para ela, foi só mais um dia, mas para mim, ela está imortalizada aqui.

Provavelmente ela é, e sempre vai ser, muito mais bonita na minha memória do que na verdade.

Mas é assim que eu quero que seja.

Virada Cultural

2009-05-03T20:20:00.013-03:00

Hoje fui ao centro prestigiar a Virada Cultural, evento anual já bem sedimentado no calendário de São Paulo, onde o centro da cidade fecha e dezenas (centenas?) de atividades culturais tomam conta das ruas. Alguém teve o bom-gosto de programar uma sessão de 24hs de exibições de filmes com mortos vivos e zumbis, no cine Dom José. Agradeço ao prefeito Kassab por ter apoiado e endossado essa proposta.

Fui no cinema com uma amiga e vi de uma vez só Noite, Manhã e Dia dos Mortos, a trilogia completa do George A. Romero sobre mortos vivos, que iniciou a avalanche de filmes sobre esse tema na história do cinema. Estes filmes simplesmente criaram um novo gênero dentro do horror e são clássicos absolutos. Assistimos tudo na sequência, com apenas pequenos intervalos entre um filme e outro. Como estava muito cansado, dormi um pouco durante Manhã e Dia.

Foi incrível, e fazia tempo que não via uma sessão de cinema assim. Sala totalmente lotada, não via isso há anos; pessoas sentadas no chão, e todos aplaudindo tanto a cada zumbi morto como a cada personagem protagonista que morria também, com o público indeciso, aparentemente, sobre quem gostaria de apoiar, ou simplesmente feliz demais em ver cenas de violência que não podem ser levadas à sério, todos embebidos na bruma intoxicante da Jornada Cultural, onde as ruas não tem carros e estão tomadas por pessoas... Muito como uma cidade tomada por mortos-vivos, aliás!

A primeira sessão, de Noite, começou as duas da manhã, com barulho absoluto do público. Algumas pessoas tentaram pedir silêncio, mas foi impossível. Toda sessão foi comentada e discutida pela platéia, permeada por gargalhadas, risadas, assovios e gritos. Enquanto a personagem Barbara fugia entre as lápides do cemiterio, e seu irmão caçoa de seu medo falando "Barbara eles estão vindo pega-la", pessoas na sala sugeriam a Barbara alternativas e saídas, em voz alta, conversando com o personagem, convidando Barbara a desde agredir o irmão a praticar atos libidinosos com ele. "Foge Barbara", "Soca esse palhaço Barbara", "Tu é babaca, Barbara", foram apenas alguns das dezenas de comentários que escutei.

Quando acabou Manhã saímos e fui na lanchonete da frente comprar um suco de Melancia.

Estava de dia já, céu azulado frio de manhã entrecortando os prédios antigos do centro, da rua Dom José de Barros, e já vi que para Dia dos Mortos havia uma fila gigantesca de pessoas, começava no meio da Dom José e ia até a Avenida São João, muita gente.

Re-entramos na fila, cercados de góticos, punks, bêbados e metaleiros e assistimos o Dia.

O filme é tomado por cenas claustrofóbicas, com um grupo de pessoas preso dentro de um abrigo militar, submetidos as ordens ditatoriais do Capitão Rhodes, que gradualmente tortura mais e mais, tanto fisicamente quanto psicológicamente, as pessoas que o cercam, levando o filme e os protagonistas a novos níveis de tensão e desespero confinado...

Cochilei.

Acordei com o cinema inteiro entrando em erupção de aplausos quando Rhodes (interpretado com excelente canastrice por Joseph Pilato) é despedaçado por Zumbis, tem suas entranhas e membros arrancados por um exército de mortos vivos, que se alimentam de sua carne em cenas que embalaram a geração GORE oitentista, a qual pertenço, e que ilustrou tantas edições da revista Fangoria.

Essa sequência é uma verdadeira pausa na narrativa para que os Zumbis façam seu lanche antropofágico. Ao nosso redor, gente gritando, assobiando e correndo pelos corredores em celebração gore-nefasta-profana.

Toda a projeção parecia com gente assistindo as famosas sessões do cult Rocky Horror Picture Show em Nova Iorque nos anos 70 e 80; pessoas comentando o a trama, dialogando com os personagens, tirando uma porrada de fotos dentro do cinema. Os flashes não paravam de embranquecer a tela, e teria sido proveitoso se tivessemos uma câmera para poder ilustrar melhor essa postagem. Quando o personagem do Duane Jones dava um golpe em algum zumbi, durante Noite, ouvi um grito: "Olha o Obama distribuindo sopapo!".

Uma cena de pessoas participando de Rocky Horror Picture Show.

Obama? OBAMA?

Outro momento no qual o cinema emergiu em gritos, apitos e aplausos foi quando, em Noite, Barbara (Judith O'Dea, aliás, muito bonita e recentemente de volta as telas em filmes depois de muitos e muitos anos sem fazer nada) está dando chilique e Jones da um tapa na cara dela para que ela se controle. O machista Brasileiro não se conteve e o Cinema inteiro virou um show de rock, com assobios, risadas, apitos e gritos histéricos.

É curioso como os filmes são diferentes: Noite é claramente um filme B, feito com poucos recursos, alguns "jump cuts" que quebram continuidade, cenários relativamente pobres, efeitos simples. Mesmo assim, é um filme visceral e extremamente atmosférico, que jamais perde tensão e sempre apresenta novos conflitos. Extremamente violento para a época na qual foi feito, ele deixa muito clara a arquitetura que seria utilizada dalí em diante para centenas de filmes com mortos vivos que o copiam até hoje.

Romero criou na verdade um formato muito simples que provou poder ser super utilizado, a perspectiva básica é: "um grupo de pessoas cercados por mortos vivos canibais". E isso funciona para tantos filmes há tanto tempo que transformou-se em um subgênero. Essa prova apenas endossa minha teoria de que formatos simples se prestam para se explorar, com criatividade, qualquer tema, desde que você respeite as regras básicas do que está fazendo.

Manhã é um filme melancólico e mais pausado. Muito diferente da refilmagem de Zack Snyder, que, me parece, só apreveitou mesmo a premissa de um grupo de pessoas confinado num shopping center cercados de zumbis. Toda a dinâmica entre os personagens é alterada aqui. É um filme sem esperança e sem conclusão, que tenta entender a solidão e o horror dos personagens. Gostei particularmente do final, não via esse filme há muitos e muitos anos, e não me lembrava que ele ia, em seu clímax, de um niilismo total para um rastro de esperança, em um bem colocado ponto de virada. Funciona muito bem, e a tomada final chega a ser poética.

Em termos estéticos, o que pior envelheceu foi Dia dos Mortos. A trilha sonora é feita de um eletrônico cafona oitentista que tira um pouco atenção da trama, e prejudica a "suspensão da descrença", hoje em dia. Tive o mesmo problema com Expresso para o Inferno, que revi recentemente, devido também a sua trilha. É um filme um pouco histérico (os personagens gritam desesperados uns com os outros o tempo todo, suponho, para manter a tensão da trama) e possivelmente pessimista. Temos os personagens mais odiosos da trilogia original nesse filme. Egoísmo, maldade e traição são os temas explorados, enquanto um grupo de militares tenta sobreviver em uma espécie de bunker subterrâneo. Também é o mais violento dos três filmes da trilogia, e de certa forma o mais arrastado. Explora boas idéias em relação a como o cientista, uma figura que não aparece nos outros dois (a voz da ciência) se relaciona com e vê os zumbis, que acabam tendo seu comporamento alterado por essa relação.

O público se emocionou de forma tocante com esta cena de singular poesia e sensibilidade, na qual o Capitão Rhodes (Joe Pilato) tem a si apresentada uma nova perspectiva de sua existência.

Queria ficar pra ver mais, mas não aguentava. A sessão de filmes de zumbi corria 24hs, até as 18 de hoje, com a exibição do filme Extermínio de Danny Boyle, aliás ganhador do último Oscar de melhor filme com seu Quem quer ser um milionário?, que ainda não vi. Saímos da sala as oito da manhã, uma sensação estranha sair do cinema, novamente, de manhã, e tomei mais um suco. Olhei pra nova fila que se formava para ver A volta dos mortos vivos – Parte 2 (um filme em nada relacionado com Romero, apenas com o conceito de mortos vivos) e comentei "pô, bem que diminuiu".

Daí percebi que dessa vez a fila descia para a 24 de Maio, fazia a curva lá embaixo e continuava indo pra galeria.

Esse povo não tem o que fazer?

Foi muito legal, não ia numa sessão de cinema tão legal desde o começo dos anos 90.

Parabéns aos organizadores da virada cultural e aos donos do Cine Dom José, que cederam o espaço para o evento. Aliás andei lendo sobre o Dom José é trata-se de uma sala antiga (com um belo balcão superior, fechado atualmente) fundada no anos 50 sob a alcunha de "Cine Jussara". Parece que foi o primeiro cinema a passar filmes da Nouvelle Vague em São Paulo, justamente trazendo a vanguarda Francesa para São Paulo.

Em matérias on line vi que os próprietarios do cinema consideraram a noite de Sábado um sucesso, e gostariam muito de trazer para a sala novos eventos parecidos. Seria muito proveitoso. A sala é bonita, antiga e lembra a São Paulo de velhos tempos, e ter um cinema voltado para ciclos específicos no centro seria algo muito bem vindo ao mapa da cidade.

A técnica cinematográfica de “O triunfo da vontade”

2008-11-15T03:00:00.010-02:00

A técnica cinematográfica de “O triunfo da vontade”
Por Joaquim C. Ghirotti

O cinema alemão sempre foi pioneiro, tanto no que diz respeito ao desenvolvimento de técnicas de produção cinematográfica como nas áreas de criação de uma narrativa própria, estética e identidade visual. Todo o movimento Expressionista, iniciado no cinema alemão na primeira metade do século vinte, produziu uma gama enorme de trabalhos extremamente criativos e influentes. Autores como Murnau, Fritz Lang e Robert Wiene imprimiram sua marca na história do cinema através de suas obras, dessa forma influenciando a maneira como a arte se desenvolveu através dos anos. Com a ascensão do Nazismo, a indústria cinematográfica alemã é englobada pelos ideais e necessidades do partido. Toda a técnica desenvolvida pelo cinema germânico até então será utilizada na produção dos radicalmente diferentes filmes nazistas, filmes que se prestavam a realizar não uma revolução de cunho estético, mas sim de uma afirmação conservadora de caráter político e social, empregando em suas imagens a ostentação grandiosa exigida por um cinema que deseja criar a comoção nacional em massa.

Ciente de que o cinema, uma arte em expansão e constante aperfeiçoamento, é uma ferramenta extremamente eficaz, Goebbels, o ministro da propaganda, faz com que a sétima arte torne-se a vanguarda da propaganda nazista. Recursos, fundos e exigências não são poupados para que as idéias do Reich alemão se concretizem na tela. Leni Riefesntahl, a principal realizadora de filmes dentro do movimento cinematográfico Nazi, teve acesso a equipamentos de primeira ordem e recursos ilimitados para filmar “O Triunfo da vontade”, a obra máxima da propaganda nacional-socialista.

Todas as comitivas, assim como a organização impecável em que se encontra a disposição dos elementos de cena se dão de acordo com a câmera. O congresso, portanto, se articula diante das necessidades da câmera. A direção do filme contou com auxílio de Albert Speer, arquiteto célebre que organizou as tropas de acordo com a filmagem. O uso de caríssimos guindastes e gruas para criação de movimentos fluidos de fotografia é corrente. Leni se utilizou de um arsenal de dezenas de câmeras e operadores (trinta e seis), teve uma equipe com cerca de 150 pessoas, nove cinegrafistas apenas para a seqüência em que utilizaram um dirigível e um avião de combate. Seus recursos eram muito maiores do que o padrão para o cinema alemão, ou mesmo internacional, da época. A equipe filmava simultaneamente um mesmo evento, para poder captar um maior número de ângulos da mesma cena. Assim, durante a edição em Movieola (equipamento criado para que se realize a montagem de um filme a partir do primeiro copião positivo) ela teve uma infinidade de opções disponíveis para criar a narrativa. Dezenas de rolos de filme 35 milímetros, uma película de alta qualidade e extremamente cara, foram usados para que se fotografasse a mesma cena, simultaneamente, em alguns casos repetidas vezes. Rudolph Hess construiu elevadores capazes de levantar as câmeras por 30 metros de altura, a mesma medida de um pequeno prédio de apartamentos, para fotografar uma multidão de um milhão de pessoas. Toda a iluminação criada para os discursos dos membros do partido nazista é feita em função das câmeras. Em determinado momento, Speer arquitetou uma “catedral de luzes” com 130 holofotes anti-aéreos. O uso correto de estandartes, a ambientação e disposição das luzes e horários em que os discursos foram filmados foram feitos de maneira a fazer com que o melhor resultado possível pudesse ser atingido na tela de cinema. O objetivo era preencher a tela da forma mais eficiente possível. Quando disposta a luz do sol, Leni procura filmar os protagonistas a contra luz, criando assim longas sombras, captadas pelas sempre eficientes objetivas Alemãs. Leni utiliza predominantemente à objetiva “normal” de 50 milímetros. Assim mesmo estando submetida as intempéries características da produção de um documentário, sua imagem não perde o foco, ganhando sempre nitidez e realismo. A proporção dos corpos dispostos é mantida de forma a não despertar suspeitas de verossimilhança, pois o filme quer mostrar que o que ele fotografa É realidade.

Riefennstahl utiliza-se em muito, também, de primeiros planos e planos de detalhe. As mãos dos soldados tomam a tela por completo, tornam-se enormes, as feições, estáticas, monolíticas. A luz faz com que os rostos dos oficiais e soldados alemães sejam blocos de granito, lisos, polidos, intimidantes e sem falhas. Isso se deve, particularmente, a iluminação extremamente forte que Leni usa. Enormes refletores com milhares de watts de potência, voltados para a cena que se desenvolve em sua frente. Assim ela cria tomadas aonde o preto e branco, brilho e sombra, são usados em alto contraste, um recurso estilístico que marca muitas cenas do filme. O som é extremamente irregular. Leni faz uso de música de estúdio assim como capta o som direto, ou seja, o som do momento que se desenrola em sua frente, e manipula os volumes assim como a entrada dos mesmos de forma fluida e sincrônica durante a mixagem. O objetivo é fazer com que música, discurso e ruídos formem um amalgama que faça sentido em sua totalidade e que sejam encarados como realidade. Durante a narrativa, discursos do Fuher são interrompidos e iniciados dada a necessidade de se realizar aquele ou esse corte. O som incidental, o clamor do público, os ruídos de motores a movimentação humana, se dão de acordo com a atenção central da câmera. Novamente disposta de sofisticados equipamentos de captação sonora, Leni pode captar separadamente ruídos, o som da multidão, músicas e o próprio discurso de Hitler. A combinação destes elementos captados separadamente é criada quando todos são mixados e o resultado é adicionado, nos volumes corretos, sobre a imagem já montada. Assim música e aplausos, ovação e palavras de ordem são orquestradas de maneira a invadir a tela de forma aparentemente natural. O cenário audiovisual criado por Leni Hiefesntahl é completo quando os cortes de som e imagem são sobrepostos e atingem simetria total. Toda a movimentação e enquadramentos usados no filme também levam em consideração os cenários e locações utilizados ao longo do filme.

Segundo o próprio Fritz Lang, um dos principais cineastas europeus, que abandona a Alemanha logo após a ascensão do nazismo (mas deixa sua influência marcante no cinema germânico, tanto que o próprio Hitler o convidou a ser o cineasta oficial do Reich após assistir “Metropolis”, filme de ficção científica do consagrado diretor) a arte do cameraman implica em um híbrido de sensibilidade humanista e conhecimento lógico, prático e empírico. Em suas próprias palavras: “Ele se empenha na plástica do filme por intermédio da matemática”. Desprovidos de cores, os filmes do chamado “cinema nazista” trabalham exclusivamente com um jogo de luzes e sombras. As texturas conseguidas por Leni e sua imensa equipe de filmagem são resultado de fotometria calculada, de atenção total tomada em relação ao filme utilizado, as luzes disponíveis, ao ângulo e foco escolhidos, a distância do objeto sendo fotografado, a lente posta. A equipe de “O Triunfo da vontade” também inova no cinema alemão ao escolher novas posições de câmera para realizar os filmes. A diretora torna-se uma pioneira e especialista em realizar tomadas aéreas (a chegada clássica do Füher a cidade, literalmente vindo dos céus de avião, foi fotografada de maneira espetacular) e a utilizar locações. Até então a produção cinematográfica mundial, e em especial a alemã, usava predominantemente cenários e estúdios para realizar suas filmagens, recorrendo as locações apenas quando realmente necessário. A segurança dos estúdios e todo o arsenal de recursos (incluindo ai os cenários) que eles ofereciam eram o trunfo maior que o cinema tinha. A partir do momento que Riefenstahl tem de fotografar e retratar a “realidade” o seu campo é por excelência a locação, e ela usa isso em sua vantagem.

O cinema alemão estava tomado pelos ângulos obtusos, curiosos e inquietantes da escola expressionista. Os autores procuravam fugir da realidade e mergulhar no espaço onírico e fantástico do mundo de sombras e pesadelos proporcionado pela imaginação humana. O cine nazi vai diretamente contra essa tendência e procura a retratar o grandioso, o sublime, o perfeito, o organizado. Vão se os experimentalismos, consagra-se e sedimenta-se a imagem clássica, bem enquadrada, criando impacto subretudo emocional e não, como se dava nos filmes expressionistas, intelectual.

Com o advento do cinema nazista temos agora a câmera colocada de forma a captar eventos grandiosos, sua posição de “mergulho” e “contra mergulho” (com variações que podem ir, dentro do eixo vertical, de 0 a 180 graus), assim temos o engrandecimento das figuras. Multidões são orquestradas para serem vistas de cima para baixo, personalidades, de baixo para cima, tendo assim ampliadas a sua magnitude e potência. O cinema político nazista não vem para romper barreiras estéticas e narrativas, como toda propaganda, ele vem já calcado em o que é clássico, para reafirmar o que foi dito. As imagens colossais utilizadas nos filmes remetem a grandiosidade da arte greco-romana. Todo o ideal estético contido no imaginário alemão é reutilizado de forma a caber dentro de um padrão clássico facilmente reconhecível e absorvível. Ao dar voltas de 360 graus ao redor de Hitler durante um discurso Leni faz um uso pioneiro da câmera fixada em trilhos para criar a dinâmica de cena. A câmera retrata o ditador em sua potência máxima, sendo observado como uma figura articulada e em movimento. A ação não parte do objeto fotografado mas sim da própria máquina que o fotografa. Hitler é uma figura onipresente, captado em constante ação por todos os ângulos possíveis. A fluidez de movimento, foco e profundidade de campo, dadas as limitações técnicas impostas pela época, é impressionante. O fato é que Leni consegue criar uma estabilidade extraordinária, o que ressalta ainda mais aos olhos se levarmos em conta o aspecto documental do discurso, o evento histórico que se desenrolava em frente a equipe de produção sem permitir refilmagens.

Leni Riefenstahl é uma precursora do cinema grandioso, do cinema maniqueísta. Dessa forma, a mensagem moral que seus filmes passam se assemelha assustadoramente a utilizada e progressivamente sofisticada até os dias de hoje por Hollywood. Um dos maiores filmes de propaganda já feitos, “O triunfo da vontade” acaba sendo uma das marcas iniciais pela qual se consagra o épico, o perfeito, o sublime e o grandioso. Sua obra influência gerações, e seus extravagantes recursos técnicos são copiados e utilizados até hoje, para que se atinjam os mesmos efeitos visuais sobre os espectadores. Tão verdadeiro quanto assustador.

Irreversível

2008-10-06T01:09:00.007-03:00

Algo que é notório e me chama à atenção é a apreciação do filme "Irreversível" por jovens. Em debates culturais é comum ouvir esse filme sendo colocado como um dos "favoritos" entre amantes de Cinema contestador, contravensor e dito "ousado".

Todos os anos milhões de jovens entram na adolescência em nossa sociedade Ocidental. Atualmente, eles se encontram viciados em uma droga que permeia todas nossas produções audiovisuais: o choque. Deslumbrados com seu poder, eles são o mercado perfeito para obras de arte que se ocupam em tentar "violentar" seu espectador.

A experiência cinematográfica não precisa ser positiva, nenhuma experiência precisa, e a arte não deve se ater a apenas discutir um tipo de experiência, e nesse sentido Irreversível cumpre bem o papel audio visual de trazer choque e desconforto. No que diz respeito a incomodar, desagradar e criar um ambiente insalubre e violento, o filme é muito bem feito e consegue fazer isso com grande eficácia.

Mas qual é, afinal, o interesse nisso?

Irreversivel mergulha nesse desconforto, nessa violência, extasiado com a experiência. Revela sua preocupação adolescente, apaixonada com o poder do impacto daquelas imagens por razões infantis, que se ocupam quase que exclusivamente de poder olhar para os outros e falar: “Eu consigo deixar seus nervos à flor-da-pele, eu consigo lhe incomodar, estou lhe chocando”, limitando-se a explorar apenas este ponto.

Gaspar Noé, o diretor, vem de uma tradição de cineastas bad boys cujo maior trunfo artístico é dizer “eu consigo fazer com que as pessoas olhem para longe da tela, olha só quantas pessoas saem dos meus filmes”.

Tentando contextualizar o filme e lhe dar alguma validade além da exploração da violência e da degradação humana, ele se esconde atrás de diversas justificativas que, em uma análise mais bem acabada, se mostram não verdadeiras.

A mais proeminente dessas supostas virtudes do filme é a idéia da denúncia, “eu mostrei a eles a verdade, algo que eles se negam a ver”. Uma mentira, que considera a "realidade", um todo que deveria ser apreciado através da sua variedade complexa e multifacetada, como algo reduzivel a uma única percepção do mundo: a ausência da possibilidade de vida. Os próprios assuntos escolhidos por Noé já denunciam sua imaturidade: o sentido da “vida” visto através de amor, raiva e culpa. Emoções passionais, tão importantes durante a puberdade, colocadas como cerne da vida.

Em termos de narrativa e linguagem, Noé brilhantemente tira toda liberdade de seus espectadores. A idéia é de que você deve se submeter a o que ele quer infligir a você, ficando imobilizado e não tendo nenhuma oportunidade de observar a narrativa atrvés de outros pontos de vista. Por isso os planos sequência, por isso o som e as batidas feitas para induzir náusea e desorientação. Tudo pelo choque. “Eu sou capaz de criar mal estar!” Noé grita a plenos pulmões.

Adolescencia é uma palavra chave para a apreciação desse filme, pois é através dessas lentes jovens, raivosas e desencantadas que se dará o verdadeiro deleite com a fita. Uma análie madura do filme fatalmente leva a uma nítida percepcão de sua fraqueza.

É um filme que se orgulha de ser feio e adolescente, como muitos adolescentes o são e fazem.

Se Irreversível fosse uma pessoa seria um adolescente desagradável e calado, que se veste de preto e fuma muito, considera seus colegas estúpidos e vazios, sem profundidade. Escuta “chamber music”. Lê Nietsche e Schoppenhauer. Quando resolve se manifestar, em sala de aula, levanta a mão com medido desdém e “nonchalance” por todos ao redor de si, ajusta sua boina e começa a chocar seus colegas, dizendo ao mundo todo que nada vale à pena, que elas são estúpidos por quererem viver a vida, que ele viu a verdade, e a verdade é que tudo morre, e todos devem se desesperar e sofrer diante dessa constatação, que ele, observador visceral, iconoclasta, ousadamente joga diante deles.

Ao final de seu discurso ele dá uma risada sarcástica observando a todos à seu redor com os olhos semi serrados, acariciando seu cavanhaque.

O diretor de Irreversível se coloca na posição de ter visto “mais longe” do que esse bando de “velhinhas ingênuas, que se enganam” que acreditam que a vida é boa.

O filme propaga essa visão muito em voga, que confunde pessimismo e tristeza com realidade e complexidade. Dor é sofisticação. Se uma obra de arte não tem uma mensagem, uma conclusão, um fechamento desesperançoso e terrivel, algo que choque o espectador médio, essa obra óbviamente é irreal e sonhadora, alienante e estúpida.

Isso não está claro hoje em dia? Vejam que mundo terrível no qual vivemos, claro que amor, esperança e fraternidade são conceitos estúpidos de pessoas ingênuas que querem se enganar.

É isso que grita a plenos pulmões o adolescente ousado, o adolescente artista.

Uma maneira limitada, ingênua de ver a vida, a arte e suas possibilidades.

Irreversível é um filme sádico e niilista feito para incomodar e torturar o espectador, e quer se promover como ‘caústico’, ‘polêmico’, ‘ousado’.

Mas vejamos o filme em seus aspectos. Vamos observa-lo de perto.

Ousado em o que?

Sua "mensagem" é óbvia (o tempo destrói tudo). Essas palavras são colocadas em letras garrafais no final do flme, em um recurso de baixa sofisticação narrativa. É um filme que promove uma visão de mundo destrutiva, niilista e negativa, e deleita-se com isso, dando a Noé, é claro, muito prazer e alegria (que ele diz não existir) enquanto ele nos choca.

O filme preocupa-se muito com edição e mise-en-scéne. Os movimentos de câmera são espetaculares, o som é incrível, of efeitos especiais, impecáveis, a montagem, brilhante. O roteiro é mínimo: um casal moderno françês briga, ela é estuprada e ele se vinga.

O trunfo do filme está realmente na fotografia, na montagem, na criação de um universo sensorial que faz o espectador mergulhar no ambiente insalubre, sujo, violento e brutal do clube noturno Rectum, aliás um nome que já declara a natureza da exploração do filme.

Noé provou que consegue fazer isso, e muito, muito bem. Técnicamente o filme é excelente, e tem um acabamento e um tratamento de primeiríssima linha.

A narrativa satisfaz aqueles que se deleitam com efeitos visuais e com o cinema “vérite”. A descida ao Rectum com muita escuridão, flashes de sexo extremo gritos e sons agoniantes são uma criação deliberada para passar claustrofobia, medo e desconforto. Saber fazer isso muito bem é um valor interessante que o filme tem, e poderia se desenvolver dentro de uma história verdadeiramente bem pensada.

Porém, da maneira como foi realizado, Irreversível não passa de um parque de diversões do horror que se pretende a chocar adultos, que acreditam que são “profundos”, “cerebrais” e “impactante”. A idéia é "Quebrar a moral burguesa" (o que quer que seja isso, hoje em dia) e trazer desconforto.

Noé realmente não provoca ninguém. Ele prova que pode ser escatológico. Atmosféricamente escatológico, escatológico com movimentos de câmera de primeira linha, escatológico com CGI. Mas não oferece mais do que escatologia e choque barato da arte. Trata-se de um cinema exibicionista e compulsivo. Dessa forma, o filme passa a ser um exercício de o quão bem Noé consegue submeter sua audiência a dor e a imagens de degradação humana e violência.

Nisso não há nada de novo, chama-se sadismo.

A escolha de imagens e temas prima pela degradação: sequências na qual travestis se desnudam sob ameaças, o protagonista grita impropérios racistas a um motorista de táxi, as pessoas são drogadas, violentas, agressivas e assim por diante. Tudo no filme é calculado milimétricamente para ser horrível, sujo, doentio, desagradável. Noé está para o choque, a sujeira, a degradação e a ausência de decência humana como Disney está para a “bondade”, o “amor”, a “esperança” e os valores positivo retratados pelo estúdio do camundongo Mickey, ainda que Disney seja igualmente superficial.

Tão ingênuo quanto a mais superficial valorização de valores positivos, mas negativado, e apenas por isso considerado “arte” e não exploitation barata.

Noé cria um parque de diversões do lado negro da vida urbana no século XXI, apenas por que sim, apenas por que ele quer e pode. E isso cria euforia e deslumbre em legiões de jovens apreciadores de cinema, que acham todo esse circo vazio muito profundo, ousado e contraventor.

A posição de Noé é de que ele está expondo nós, ingênuos burgueses moralistas e falsos, a dura e fria realidade impiedosa do “mundo como ele é”.

Noé coloca-se no papel de professor, de filósofo perversor, de subversivo, e nós devemos ser seus alunos, a ser tutelados nas dores da vida por seu cinema extremo. É claro que os defensores do seu cinema já partem para a idéia de que quem não gosta de seus filmes evidentemente não “entende” que na verdade somos ignorantes superprotegidos, amedrontados e temororos, que não queremos admitir que a vida é, no final das contas, apenas horror e sofrimento. Mas eles, ousados, estão aqui para disciplinar nas verdadeiras dores da vida, não é mesmo?

Monica Bellucci aparece vestida de forma provocadora e sensual, dando a entender que no nosso mundo uma mulher que se veste daquele jeito DEVE ser punida. Mais uma colocação e uma contextualização previsível do jovem cineasta franco-argentino. Um clichê de uma série de clichês. Por nove minutos você deve assistir a ela sendo sodomizada pelo cafetão “Tênia”. Se você sair do cinema, você agrada a Noé, que considerá isso uma vitória. Você não passa de “um fresco de classe média”, claramente.

Se você ficar, se submete a ser voyeur da horrível violação de uma mulher.

É admirável que o filme consiga criar algo tão atmosferico e sensorial, é interessante, e o frenesi desorientador ao qual ele submete o espectador sem dúvida é um trunfo do cinema e das capacidades deste, do poder do audiovisual. O que nos resta é perguntar: E agora? Para que serve isso? O quão longe você pode ir com isso que não seja a conclusão adolescente “O tempo destrói tudo” ou a verdadeira intenção do cineasta, “eu consigo fazer muita gente se sentir mal”?

Sim, consegue.

E daí? E agora? E além disso?

Noé claramente faz um Nietzsche-para-cretinos, e vê a si mesmo como um “visionário”. Seus seguidores valorizam seu cinema por que acham ele “ousado” e “provocador” sem sequer compreender direito o que é realmente atingido pelo filme e o simplismo do que está sendo feito, que em profunidade se encontra em termos de atmosfera e técnica, tudo realizado com um fim duvidoso e infantil (chocar, chocar e chocar).

Noé consegue mostrar que ele tem grande controle sob a sua platéia, uma capacidade notável de usar a câmera, e decide que vai começar a chocar essa platéia antes mesmo de começar a tentar contar uma história.

Depois de oferecer uma montanha russa de choque, o filme se presta a escrever na tela uma conclusão banal, óbvia. Ele não usa a força e o poder do que fez para discutir algo interessante, usa o choque como um fim, e nesse percurso agrega fãs joviais e impressionáveis, sedentos por choque barato que não precisa (e nem deve) conter alguma reflexão mais profunda. O brilho deste choque é tão bem feito que, para essas pessoas, se basta.

Soma-se a isso o fato de que ele não e assume como “exploitation” mas é pretensioso e tenta se por como um filme denso e questionador, a ser debatido entre cafés. Enfim, se põe como um filme importante, superior.

O uso de um clube gay clichê sadomasoquista, homossexual, como a encarnação das profundezas mais imundas da maldade humana é uma caricatura patética e simplista da realidade, que tira todo o poder da inquestionável capacidade do filme em criar movimentos de câmera e explorar o cinema em termos de linguagem. Com esse clube clichê o filme é na melhor das hipóteses, infantil e previsível, e na pior, homofóbico.

Em determinado momento o único personagem aparentemente equilibrado, e que iria atrair a atenção do espectador como um protagonista a se identificar, se revela mais uma pessoa violenta, que cede ao ódio: o ex namorado de Alex, um professor de filosofia que encara com naturalidade o casal formado por sua ex namorada e um amigo, usa da violência extrema e mata um homem dentro do clube com pancadas detalhadas de um extintor de incêndio.

A mensagem é clara: até o mais sóbrio dos homens, um “professor de filosofia”, irá se tornar um animal quando confrontado com a imundice do mundo em que vivemos.

Cassell usa cocaína e álcool na festa na qual está com Bellucci; se torna desagradável, machista, infiel. A idéia é repetida: o mundo é um lugar sórdido, ninguém presta, muito menos você, espectador, que é como essa vítima. Talvez a única personagem "moral" durante todo o filme, Monica Bellucci é estuprada e destruída. E ela estava grávida, ó, vejam só, era pior ainda do que você esperava.

Não há futuro, não há espaço para a bondade no mundo. Desespere-se, espectador.

O filme finge ser uma denúncia anti-entretenimento, mas na verdade é um deleite sádico que não vai além disso, e acaba se tornando um espetáculo perverso por si só.

Com suas conclusões limítrofes, mas de grande apelo juvenil, escritas na tela, Irreversível nos avisa que “A vingança é um direito humano” e ” O tempo destrói tudo”, sem tentar discutir realmente nenhuma dessas idéias ou indo além do choque pelo choque, conseguindo dessa forma não nos falar nada sobre relações humanas no século XXI, ou sobre nossa sociedade ou sobre violência em nossa sociedade.

Tudo caricatural, tudo exagerado e “forte”, aquele filme que você irá levar para chocar o seu pai, por que você, jovem rebelde, vê mais do que ele. Você é um “artista” de “cabeça aberta”, você é avant garde, você foi mais longe em suas pesquisas pelo mundo artistico. Você, que é corajoso, não virou o rosto da tela. Você, que é culto e interado, antenado, discute Irreversível como discute Bergman. Você é um bad boy sem fronteiras, um artista. Você não tem limites, você se refere a qualquer tabu sem pestanejar, não é mesmo?

Os personagens e diálogos são vagos (assim como são suas relações), quem se importa com eles? Eles não tem história, razões de ser ou contexto, o que vem à frente do filme, o que salta aos olhos, é sua inegável violência, que é o único elemento com o qual Noé realmente se ocupa. O que ele quer fazer é um filme que irá perturbar 90% das pessoas que vão ao cinema, e isso, claro, ele consegue. Ele demonstra que, como uma criança, consegue quebrar, destruir e retorcer coisas de forma espetacular. Ele é o “valentão” dos diretores e bate em todos na hora do recreio. Resta saber quem se encanta com isso o suficiente para “apreciar” o filme e achar ele mais interessante do que um exercício vazio em violência e estilização cinematográfica.

A idéia final, e que Noé quer que cause o maior impacto no espectador incauto e pouco preparado, é de que “O tempo destrói tudo”, uma colocação que indicaria que o tempo marcha trazendo horror e beleza (principalmente horror, como quer frisar Noé, tentando “estuprar” essa idéia para dentro do espectador) conforme, e se, ele quiser, e o que nós podemos fazer é apenas vive-lo. Somos suas vítimas.

Profundo, não?

Não.

Analisemos essa idéia.

Todos os eventos humanos são baseados em decisões, inclusive, claro, os que são demonstrados em Irreversível. O ataque de Tênia, a vingança de Cassell, essas ações são decisões que implicam em consequências. E apenas fazer essa observações sobre responsabilidade individual já ensaiaria um mundo muito mais complexo, e verdadeiro, do que a resposta adolescente que esse filme da a tragédias da vida, a violência urbana, a inutilidade da vingança ou o que quer que seja que ele está fingindo tentar discutir.

O espirito real do filme não é discutir nenhuma dessas idéias, mas sim violentar o espectador e colocar ele psicológicamente, até fisiológicamente, à prova. Fazer isso pode ser interessante? Pode. Pode ser uma função da arte? Pode. Mas como é feito em Irreversível torna-se imaturo, é uma preocupação, uma ocupação de um caráter ético questionável, mas pode ser feito.

E funciona.

Adolescentes por definição supervalorizam o choque. Todavia poder chocar não é algo tão importante ou interessante assim. Crianças supervalorizam todos os seus sentidos e exigem a repetição contínua, já que qualquer estímulo é uma novidade e tudo os enfeitiça tanto. “De novo” elas pedem, depois de qualquer brincadeira.

Adolescentes supervalorizam o choque. “De novo”, eles pedem a Noé.

Filmes de horror não tem a intenção de celebrar o mal e a destruição. Pelo contrario, eles celebram a vida ao nos confrontar com a finitude e o proibido, mostrando que há algo a mais. Que existe além. O objetivo do horror é passar pelo choque e sobreviver a ele. Mostrar que existe vida além da deformidade e da dor. Mostram que é possível olhar o lado obscuro da vida dentro de seu coração negro, compreende-lo e continuar caminhando. "Faz escuro, mas eu continuo". É isso que o verdadeiro horror diz.

O que existe de interessante nesse filme que não é uma exploração doentia da violência e de aspectos negativos do ser humano nas suas formas mais sensacionalistas, primárias e infantis?

O filme escreve sua idéia central em um enorme letreiro ao final da fita, com um texto na imagem. Sente que tem que estampar o que ele quer dizer por que é ineficiente através da sua narrativa. Esse recurso é de uma pobreza gritante e auto-explicativa.

Essa mensagem ainda é um texto niilista adolescente que é intelectualmente medíocre, redundante e pseudo-chocante.

‘Choque’ e violência são vistos como sofisticação. Não são. Se assim fosse, os morros Brasileiros seriam os lugares mais sofisticados do mundo.

A cena inicial/final trata de zombar do espectador: ela estava grávida, crianças correm pelo gramado verde, inocentes e inconscientes de perceberem que estão em um mundo que na verdade é um lugar destruidor e terrível. “Seus idiotas, seus estúpidos estupidamente felizes”, é o que grita o filme.

Grande parte das resenhas do filme defendem sua habilidade em criar essa atmosfera de violência, e em criar em nós o horror a violência.

E qual a finalidade disso? Por que celebrar algo cujo objetivo é o sadismo, e nada além? Aonde estão as celebrações de OLYMPIA e O TRIUNFO DA VONTADE em retratar o povo Alemão como superior, escolhido por deuses para esmagar e dominar outras raças? Esses filmes não eram igualmente eficientes ao colocar o orgulho do povo Alemão nas alturas? Aonde está a celebração do poder destes filmes em fazer um povo se sentir superior a todos os que os cercam? É uma habilidade destes filmes, sem dúvida.

Por que deve-se justificar o filme dizendo que sua notavel capacidade técnica de criar violência e choque por si só o qualificam como uma obra artística interessante, e não mostrar ele pelo que ele é: um exercício em violência extrema?

Para emplacar ainda mais seu verniz de “alta arte”, Irreversível altera gratuitamente a ordem dos acontecimentos que retrata. Se os acontecimentos se dessem em ordem cronológica, teriamos apenas mais um filme de exploitation normal. Bem filmado, com acabamento técnico de primeira linha, mas um exploitation. Colocado em ordem reversa, sua idéia é de tentar ser um exercício narrativo “ousado” em sua forma como é com sua violência, devidamente temperado com esse recurso do trás-para-frente para fazer quem não quer admitir que está assistindo o filme pela violência descontrolada fingir que ele é um inovador exercício narrativo.

Os outros adoradores do filme se enganam pela superficial discussão ética que o filme finge trazer.

Irreversível vem se juntar ao gênero da ultra-violência fantasiada de arthouse cinema.

No que diz respeito a seu posicionamento o filme defende NIILISMO e SADISMO como visões de mundo, de vida, de encarar tudo, e escreve isso de forma barata no seu final, na tela, como se o mais simplório dos filmes românticos tivesse que (por contraste) escrever “E o amor SEMPRE VENCE” em seu final.

Uma importante ressalva: respeito sim quem diz que gosta desse filme por que tem prazer masturbatório em sadismo, estupro e violência extrema como algo a ser glorificado, valorizado e praticado.

Isso se chama honestidade. Aí sim, o gosto pelo filme se justifica, faz sentido e está embasado. O filme quer violentar o espectador, e quem gosta do filme, é claro, gosta dessa relação sadomasoquista com a obra.

Em programas como eMule se encontra a cena de estupro isolada para download, mostrando que quem gosta já editou o video para seu real uso.

Realmente, encontrando alguém que me diga “Sou niilista, acredito que o tempo destrói tudo, nada vale de nada e acredito que a degradação e a feiúra, a mutilação e a destruição são a coroa da existência humana”, respeito essa pessoa por ter a coragem de admitir o real sentido desse filme e de toda a obra de Gaspar Noé.

Inclusive, conheço pessoas que pensam assim, vivem a vida como se não houvesse amanhã, sofrem de depressão clínica profunda, se drogam e se destroem de maneira desenfreada, alguns cometem auto-mutilação.

São pessoas auto-destrutivas que passam por momentos solitários de grande, grande sofrimento. Sem nada do romantismo ou do "frisson" dessa violência "excitante" de Noé.

Eles PAGAM o preço de acreditarem numa vida e em uma existência que é a que o filme propõe. Dizer que se leva à sério o que o fime apresenta e depois acordar cedo, beijar a namorada e ir produzir o que quer que seja é hipocrisia, se você quer defender o filme, compre o pacote completo.

Caso contrário você está vivendo uma coisa e dizendo que respeita outra.

Com esse tipo de idéia, não há meio termo. Esse filme exige que você tome uma posição, o que é um trunfo para ele. Ele tem esse poder, e isso eu aplaudo. Ele representa algo muito triste sobre o ser humano, a misantropia, que é visto com frisson e “descolamento”, como "complexidade" por análises superficiais.

Vejo duas maneiras de se apreciar esse filme:

1. Enganação. Maquiar essa narrativa previsível tentando inserir nela é uma denúncia sobre o ‘poder da arte’, ‘a fragilidade da consciência humana, ‘uma crítica contundente da violência na sociedade atual’, ‘uma análise do túnel negro no qual se fecha a humanidade’, enfim, mensagens genéricas, vagas, frívolas, sem embasamento, vazias e que PROJETAM o que se gostaria que esse filme tivesse para ser levado á sério como obra de arte. Ou seja, típicas mensagens que ‘dizem tudo mas não dizem nada’, que se adoram colocar em filmes de arte, ou filmes polêmicos, chocantes, abrasivos, etc. A saída rápida e fácil do crítico incompetente.

2. Honestidade. Admitem que esse filme é uma celebração do niilismo, do mal estar, da violência, da finitude, do prazer sádico, e que isso lhes causa prazer.

Gosto é gosto, mas coerência ainda é coerencia.

Noé, por mais mal intencionado que seja, é coerente dentro de sua propósta sádica e doentia com seus filmes. Está claro que seu objetivo é explorar niilismo e sadismo, em uma pesquisa da violência e da sexualidade de sua forma mais baixa e com intuito desgradável.

Não há nada de salvação pela arte, denúncia, investigação da psique humana e afins, nesse filme. É curioso como a crítica Brasileira em muito ‘caiu nesse conto’ (é comum isso aliás), e como ele foi claramente percebido por uma análise mais bem acabada. Vale conferir resenhas de fora que fazem isso muito bem.

Enslaved - Vertebrae

2008-09-04T02:22:00.009-03:00

Let's get to business: the tracks are made to represent what the word "majestic" was coined to do for, or maybe they made the tracks and then the word "majesty" and its variations came by, and it's just an illusion of ours that the word existed, at all, before this record was made.

I feel it's more mellow than the previous Enslaved albums. I pity the fool that say that Isa is a bad album (ok, alright, it's NOT as good as the three before that, specially before BELOW THE LIGHTS which is a god amongst albums). "As fire swept clean the earth" should be elected as the new national anthem of Norway, and we should use it's lyrics to reflect on the evil of the world and how it should be punished and vaporized before the powers of this Viking Metal act.

The distortion is not that brutal and the guitars are quite clean. The beautiful King Crimson like parts are there, it's basically a very good progressive album with brutal vocals. I am sure Jon Anderson, Chris Squire, the whole of ELOY and Robert Fripp could listen to and enjoy this music, although Fripp would boast about how he could play faster than the guitarists. Maybe he could do the solos faster, but not the (killer) metal riffs. I am sure that if someone gives REIGN IN BLOOD or VICTIMS OF A BOMB RAID to Fripp he won't be able to play it correctly.

I doubt this man can play one song from that record.

I know that non-versed-in-Enslaved mortals cringe when they see the words "progressive" and "metal" put together, that brings to their minds albums by pretentious bands with photos of band members who use Pantene Pro V shampoo and conditioning with leaf extracts on the inner sleeve of their records, and maybe covers with laughing jesters and a gigantic chessboard floating in space, which probably translates as "look, we are wild and experimental, we don't fear going into technical prowess show off territory!" and usually is about sub Dream Theater metal like bands, in other words, musical Camembert and Gorgonzola.

No, No, and once more, I will write it: No. This is not the case. Here we have a band that is as testosterone fulled as RAMBO IV. This album is beautiful and sweet, but also heavy and powerful. It is a homage to heterosexuality, but with sentiment, with love in it's dark, black heart.

The whole record can be summarized in the image of John Rambo pausing the slaughtering of hundreds of evil vietcongs, using his M60 General Purpose Machine gun to send the 'congs straight to Buddhas's lap, to pick up a beautiful flower in a southeast asian forest. A moment of bliss and poetic beauty amongst pure fucking carnageddon. I just love it when metal musicians combine both things. I remember some dork saying that Isis makes him feel "more human" in the comments of Isis's singer's blog.

Well, this record makes me feel like I am a galaxy at peace with the cosmos and at the same time I have a carving serrated knife and I will fucking rip to shreds posers who listen to Isis and try to intellectualize music that was created to worship Satan and drink beer to, and offer their dripping, warm guts to the members of Enslaved.

I think you get the picture. It's way better than Isa, also more melodic, loads of clean vocals and 70s progressive moments. Rides through the Andromeda in a horse made of fire with a sword in one hand and wine in the other are powerful images that come to my mind whilst listening to this modern classic.

Maybe a joint in one hand, or a jester puppet, or a chessboard instead of the sword, but I think you get the picture.

Overall, best metal record of the year (I haven't listened to any other metal records of this year, or of the last several years, I'm tired of any metal made in 00, except Genghis Tron, Vader and Enslaved and Morbid Angel, honestly) and best record of the year period.

Radiohead only wished they had the power of Enslaved to create music which is fucking devastating and takes over and shows who's the boss and who takes things forward. Listening to this album is better than reading "The Dark Tower", or than having lunch while watching "Everybody Hates Chris". Or than reading "The Dark Tower" while having lunch with "Everybody Hates Chris" playing on the background. Metallic textures and progressive black metal.

The best tracks are, in this order, TO THE COAST and REFLECTION. If you disagree you are wrong and doomed to be in the incorrect path for all eternity. I pity you, lost soul in a forest of darkness. Go listen to some old Riistetyt. It's the first step towards light.

Enslaved, I bow to thee.

This Blog Could be Your Life

2008-08-10T02:39:00.033-03:00

The Ratos de Porão record of demo tapes and rarities. This is one of the oldest and longest standing Punk Hardcore bands in Brazil, and even in the world. They never broke up. (Notice the date of the recordings)

I came across this blog, METAL INQUISITION, which basically deals with extreme metal, and by reading them I quickly realized that this was my life from 1990-95, with the exception that the guys at M.I. know very little about Punk and Hardcore (they can't tell the difference between Sore Throat and Intense Degree while listening to the Grindcrusher compilation) and they listen to, apparently, no other types of music.

The Grindcrusher compilation had everything one needed, at the time, to be "at the top of his game" regarding the most interesting intense music being made.

Ah, Sore Throat. I would never mix them up with the incredible INTENSE DEGREE. These are bands, my friends, that marked my life! I remember they (Intense Degree that is) even had a song called "Headache"in the 7" "Released" (as in "Released from Earache"?) about how bad they felt it was working with Earache. Sad. Why Can't We Be Friends? I actually asked Dig about this once and he said it would probably all be ok with them nowadays, and I believe it... Time does heal some things and regarding silly, meaningless grudges, it does put love in people's hearts.

A pity one of the only other really straight up punk-hardcore releases Earache made was the split of Heresy and Concrete Sox.

Beginnings:

My musical background started with Pink Floyd in 1987. Basically I think I randomly decided that I would listen to Pink Floyd's THE WALL from my father's vinyl collection, a lot. He used to listen to it when I was really small, and when I was about nine or ten I decided I should have a musical taste and listen to this band over and over. This led me to go through the other Floyd albums he had: Atom Heart Mother, The Dark Side of The Moon, Ummagumma, Relics and Meddle. It was pretty much a conscious decision that I made, to like the band. Bear in mind I was very, very young and I was very much impressed by THE WALL, specially because the film version of it had come out not many years before and was available as imported and bootleg VHS tapes here and there.

It's strange that such a young kid was attracted to such a painful, depressing wall of anguish that is that album, and that film. But I was, and that, I suppose, also marked my artistic choices and sensibilities.

While I wrote this post I drank tea from this skull-adorned mug my mother gave me, not that long ago. When I asked her "why did you gave me a mug with a skull drawn on it?" she smiled and said "what else could I give you?". On hindsight ("hindsight can be a terrible thing", said a friend of H.P. Lovecraft in a letter to him, and the mere fact I am quoting something related to Lovecraft tells something about my formation, interests and readings) yes, I am very much a byproduct of my cultural tastes and my environment. My mother gave me a skull-mug because, through time and my references, I built up myself to be a person that likes... skulls. It sounds obvious, but when I analyzed the process that made me like this researching my memory, it also seemed fascinating.

Like many simple things are.

I think I am over-analyzing things here. But this is fun.

Before that my musical inspiration was briefly liking Kiss around 1983 when they played in Brazil for the first time. This was the "Creatures of the Night" tour and the band was really impressive. I think a lot of my colleagues who were born in the 70s were drawn to Heavy music because of that remarkable, memorable Kiss gig. I remember buying "Creatures of the Night" at a place called Shopping Center Morumbi, which still exists, sometime in 1983. This was the same year Return of the Jedi was show in theaters and we still were under military dictatorship. Before Kiss came, I believe the only major "rock" concerts by foreign bands we had were Queen and Alice Cooper, who played in the mid 70s. Van Halen also came around the time Kiss came, but I remember that Kiss, with rumors about satanism ("Kiss stands for 'Killers in Satan's Service!' kids at school would say) and their trademark make-up (which also made them look like comic book villains or super heroes) were more attractive.

I had an older friend who became a punk in 87, and in 1988 he started recording me punk tapes. So these were my foundations in rock music. I remember when he suddenly cut his hair into a Mohawk and wrote ANARCHY on the back of his denim jacket. He also constantly wore a BLACK FLAG - NERVOUS BREAKDOWN T-shirt. His name is Danilo Beyruth. Nowadays he is a successful designer and illustrator, who founded his own studio a few years ago (www.macacolandia.com.br). Unfortunately I lost touch with him, but the memories of some of the things we found out together about art and music at that time still live in my heart.

We got things kind of late here in São Paulo, and writing ANARCHY with a black marker on your jacket in 1988 was, I suppose, as groundbreaking as it was doing it in London in 76. It still seemed aggressive, kind of dangerous and definitely very rebellious and shocking. Nowadays I can only see it as silly and infantile.

Horror and Fantasy.

At the time I was reading, partially because of him as well, partially because of finding about it myself, a lot of comics and horror books. Danilo is a very, very good illustrator and artist and already was at the time (check out the above link if interested). Because of him I got in touch with Heavy Metal Magazine, Metal Hurlant, Moebius, Druillet and more.

His mother, an interesting hippie-biologist lady, used to buy Metal Hurlant, mainly because of the art I suppose, and I was fascinated with the sex and violence, and the artistry in the magazine.

Parallel to that, due to my interest in horror movies I quickly found out about horror writers and books, and read loads of Stephen King and Lovecraft. Clive Barker was being published at the time and Hellraiser had come out as a film. It was very exciting.

Métal Hurlant, Stephen King, Clive Barker, Lovecraft and Elektra: Assassin. Amongst many other pulp literature like the original book in which RAMBO I: FIRST BLOOD was based this was what I was reading in the lat 80s. Looking back, I decided to study film, and History, in University, because of these influences. It's no accident that my M.A. degree is on Horror screenplays. I have, here, marked myself for life. Can't stop noticing that.

Little did I know that over 20 years later I would be interviewing Druillet about the foundation of Metal Hurlant/Heavy Metal magazine at his very own studio, while he poured me wine, or that I would interview Alan Moore and Neil Gaiman.

I don't think I ever felt again as excited about art as I did during these years, late 80s and early 90s, and I doubt I ever will. Although I am at peace with this thought. It's just harder, for me, to build up that excitement and that will to do things and see possibilities in everything. Most of all, it's harder to enjoy things free of any residual feelings, so to speak. The cliché that adult life makes one worry so much seems, to me, nowadays, violently true.

The Punk rock scene in Brazil was very violent. Much more than I have seen and read about in other parts of the world. It was an interesting period of my life and an interesting time for a lot of underground music here, plus the whole acceptance of this violence was never truly studied as an interesting case of madness, for it was. There is a documentary, made about the scene, called BOTINADA. Here is a torrent file for it, and it shouldn't be hard for you to find subtitles for it, dear reader. However the documentary almost forgets about the extreme violence of that time.

Brazillian punks, early 80s.

Some of the most important people in the first generation (early 80s) of Brazilian/São Paulo punks. Most of these people had bands at the time. It must be remembered that there was also a punk scene in Brasília, another Brazilian City, as well, although with different characteristics.

I wouldn't have wanted to be a part of this first generation punks, if offered. I was too young to be there, but, if given the chance, I would pass it. All these movements are just too close minded. That's why I loved Earache records so much, in the early 90s. It seemed there was no boundaries to what Dig Pearson would release. Everything on the Earache catalog from MOSH 1-100 is interesting. At its very worst the band is trying to do something relevant. In the best cases, it's a classic, a groundbreaking work of art that will live forever.

I was so young at the time, and music and art affects you during your early years in a way, in my opinion, that will never do again in later life. It brands you in a way that will live forever within you.

Earache Records.

Earache had a wider and wiser scope at the time. Digby Pearson, its founder, was at, I suppose, very excited about what the bands were making. There was no internet to check every new band, so getting music was always such a special and precious, unique thing. You had to actually get home to take the LP/CD off the case to listen to it.

I remember when Nocturnus released "Thresholds", 1992 or so. I was so, so excited, coming back home in the bus with the CD, looking forward to like this band, because it was after all an Earache band, and it had to be good.... And it was. A strange, weird technological death metal from hell with keyboards and lyrics that seemed like stories taken from Metal Hurlant magazine.

Also, these bands were really trying to create something, each band had its own unique sound. Heresy, Bolt Thrower, Scorn, Napalm Death, Cathedral, Godflesh, Nocturnus. No two bands were exactly alike, they were like people in a family, and what linked them was the fact that they were the most extreme, intense, powerful and violent music done in a popular format, ever, in history. From ultra-slow to hyper-fast, amongst other characteristics.

The original artwork designed by Jeff Walker for the cover of the now classic SCUM, with, as it is told, his cat in front of it. I bet that Jeff didn't know the crusty-thrash-grind-core noise album he was designing the cover for with a very fine pen, sometime probably during 1986 or early 87, was going to be a "classic". This is going to be worth thousands someday. Mark my words.

I miss labels that you know will release a new record that will just blow you away, labels that had an identity. I don't think we have that, for metal and punk, anymore, and neither I think we will. Even for Jazz records, which had such a tradition with this kind of approach. ECM, Impulse, Blue Note and so on. We were witnessing a cultural revolution that happened in England because of Punk and Metal music. I think the ten years of Earache at its peak are comparable to any great cultural movement, something like German Expressionism that went from roughly 1913 to 1926. I will never forget getting the new Earache records all the time and being absolutely surprised by them, and learning about music with them. They just started so many sub-genres, it's impressive.

Pretty much all the music I ever made, as unimportant as that is, was influenced by Earache. Certainly my outlook on art, and in my professional work, was also chiseled by the music I listened to in my teenage years. It was and will always be.

Back to Brazil, 1989...

In the late 80s and early 90s, in Brazil, If you were into underground music and had any information, you were looked up by everyone else. At least by the newer generation of punks, who were into hardcore, not the ones who listened to 77 punk. If you bumped into someone with a SORE THROAT T-Shirt in São Paulo, Brasil, in 1989, 90, 91, 92... This guy knew about extreme music. He possibly was in touch with punks in Europe, he was trading tapes and letters with European Punks, or something like that. Where did he get the shirt in the first place? I remember being inside a bus once, in 1990 or perhaps 91, and seeing someone with an "Unhindered by Talent" ST shirt at the bus stop. I just felt like getting out of the bus to talk to him.

If you saw someone with a Extreme Noise Terror shirt, you would cross the street to talk to him for a while. It usually meant he might speak some English. Maybe he had a zine or something, and knew a lot about extreme music and punk and hardcore. It meant you really had the same interests. Perhaps he read some vulgar underground comix as well. It usually meant he did. People who like comics, horror and sci-fi were always a plus for me.

Another nice Brazilian punk, early 80s. The album cover is for one of Olho Seco's best albuns "Botas, fuzis e capacetes" (Boots, rifles and helmets).

My friend Ulisses bought one of the first copies of Napalm Death's SCUM to get in Brazil. Apparently out of his copy the owner of a shop called RAINBOW RECORDS, which exists to this day, made a bootleg of the album. I have a copy of the bootleg, and Ulisses also gave me the original he had, autographed by Mick and the others when Napalm Death came here in 1990.

I remember this guy, HUGO. He had really short hair, was really well built, obviously was very much into sports and weight lifting. He always wore sportswear and a cap. His name was on the thanks list for "From Enslavement to Obliteration" from Napalm Death and in Carcass's very first record, "Reek of Putrefaction". This was a Brazilian sending letters to England before "Reek" was released, and that was very impressive. I always saw him at the rock mall in the early and mid 90s, I can't even remember the first time I saw him, but I remember the last. This was the late 90s and he was into electronic music, gabba I think, the faster the better, was what he apparently thought, and he loved the ultra-fast beats of new electronic bands.

Since he was in touch with so many people as early as to get his name on the first Carcass album, I was very impressed with him. Hugo brought news on editions of rare records and he would tell stories of his collection. I remember he disliked Black Metal because "those bands curse Jesus, and I have asked Jesus for lots of good things, and he gave them to me". At first he didn't seem to be very religious at all, but suddenly there was that.

Once he also had just come back from England, and was trying to sell some of the stuff he brought from there to a goth shop we had at the rock mall called DEADLINE. I remember one of the things he was selling was a strange gothic pulse watch with huge bat wings adorning it. It seemed to be uncomfortable to wear, and as spooky as something someone from the Addams Family would wear, which is not much, but he was trying to sell it to this shop which was taken by ALCHEMY (the British esoteric jewels manufacturer) products, so it seemed to make sense. He seemed to mention he worked as a physical education teacher, or at least was in college because of it.

A pity I never saw him again. He was a nice guy.

The "Rock Mall", in the center of São Paulo, Brasil. This photo makes it look light, illuminated and safe. But it wasn't always like that. This building is from 1963 apparently, and by the late 70s it was already going down, getting old and abandoned. By 1980 it already was a hang out for Punk and rockers in general. From then on it became a surreal place. They had loads of silk screening shops, T-Shirts and record shops and that was it. Other spaces were abandoned, the escalators were broken and there was graffiti on the walls. I was robbed here twice in the early 90s. Not a safe place. People have had fights there, and I remember at least two girls killed themselves jumping from the balcony. I also heard about people being thrown, but I am unsure of the accuracy, although it is probably true. Cronos from Venom was spat on by a skinhead when going down the escalator, in 1986, and just punched the guy in the face. This event became legendary. Another common thing was walking in this place wearing a band's t-shirt and being intimidated by a group of punks or headbangers that would ask you to tell them details about the band. Usually the band's discography. "Fala o nome dos play", (tell us the names of the albuns) was a common phrase. In the end, if you were outnumbered, you would probably lose the shirt anyway, of course, regardless of your knowledge of the band's history, music and recordings.

Nowadays, it seems like Hot Topic. Loads of clothes shops, stickers and posters being sold, metal chains, these kind of things, accessories, but mainly t-shirts and "rock" and "goth" clothes. Money started pouring in in the 90s and the owners completely refurbished it. It's very safe and all nice. I miss some of it. Of course, some of the "mystique", not of the violence, I don't miss that at all, but the adventure of meeting special people, is gone. It seems people who really wanted information were there all the time. You would bump into them and they would become your friends, or just be interesting figures you knew from afar, like Hugo was to me.

The Internet killed that, as well as it killed buying music, apparently.

Another Brazilian guy in the thanks of REEK is someone called FERNANDO. I never knew who that guy was. Why wasn't he in our scene? Maybe he is not from São Paulo? I guess I will never know.

Olho Seco Live in 2004. Not that long ago, but still quite ferocious.

Ratos de Porão, equally fierce.

Imported fanzines were bought and traded, and people who could read english were almost like commanders of the punk hardcore scene. The old punks were basically gangs of hooligans, drunks and idiots listening to Sham 69, Pistols, Ramones, Buzzcocks etc, stabbing people. New guys, like my friends, listened to hardcore, usually European hardcore, and Californian hardcore, but rarely to East Coast North American bands like SSD and Dischord in general.

Sensationalist newspaper article from the 80s, in Brazil, commenting on punk "Horror"

More Brazilian Punks, early 80s.

I remember Minor Threat was known, but for East Coast all we really knew was NY hardcore. occasional bands like Bad Brains come to mind, but bands like Siege and the such, Deep Wound, Jerry's Kids, Government Issue, Reagan Youth and others, I found out about them later, through grindcore. What people listened to was loads of Riistetyt, Terveet Kadet, Chaos UK, Anti Cimex, Lama, Crude SS and the such. Fabio from Olho Seco, through his contact and tastes, shaped much of our musical profile. Friends of mine still remember fondly of the seminal compilation of Euro-core he released, "Afflicted cries in the darkness of war", which featured bands like Anti Cimex, Rovsvett and Crude SS.

From the USA, well known and liked bands were the Dead Kennedys, Black Flag, Circle Jerks. But they were introduced into the country, mostly, through the skate scene. Skate kids listened to these bands a lot. Bad Religion as well, slightly later on.

I remember once in a Brazilian punk zine, in the late 80s, a guy was interviewed just because he went to London, and he was a Brazilian punk. That's how scarce information was. Equipment was expensive and bands were horrible.

Having an original Discharge record in your collection meant you knew what that band was, it usually meant you had gone out of your way to get it. The same thing, of course, applied to metal. The scenes here began intersecting a lot in the late 80s. Specially because of Sepultura and Max Cavalera's will to make clear he liked Punk and Hardcore. He quickly became friends with Ratos de Porão, which was, at the time, basically a metal band. They would spend the late 80s and almost all of the 90s playing for metal audiences, opening for metal shows, etc.

I just got the end of that, the very end of that first era, as people much older that me were the real "founders" of the punk scene. I got the last years. 88, 89 really, and from then on. And to be honest, I never wanted to be a part of that scene, at least not for real. Looking back, it was what it always is in third world countries: a bunch of kids see something from outside, it seems to be surreal, exotic, interesting and wild, and they want to copy it. And so they do it, even if it is in the most inadequate way. I have nothing against that; foreign influences. I am basically a foreigner, culturally, regarding the unique culture that Brazil has developed here and can't be found anywhere else (Samba, Bossa Nova and so on). It has nothing to do with me. But some copies are just a little bit too much, I also dislike the idea of pretending I don't live here and that this is not my physical reality, and it it is too much for me just discussing and thinking about, and having the values of, what is thousands and thousands of kilometers away from me, all the time.

A healthy thing of the early Brazilian punk, and I suppose that of it's incipient metal scene as well, was that if in one hand information about the cradle of these movements was scarce (USA and Europe), the creativity to make our own versions of it was flourishing.

People would invent costumes and clothes, albeit ridiculous, and ideas and music that crossed references which probably "shouldn't" have been crossed, according to the matrix, were produced. They just "didn't know" it wasn't supposed to be made that way. I also suppose this happened everywhere, before the Internet.

The Internet has set standards and made everything very homogeneous. You only have differences when you have (at least some sort of) isolation. Total communication brings patronization. When different cultures meet, they will eventually merge. It may be a long process, but it will happen.

I can see that now with the Thrash Metal revival thing. These people try to go into a time tunnel and dress as perfect replicas of the old bands. The need to be "there", in 1986, is that bad. My take on this is that this is very sad, self-castration and it's about copying something, a will to have and feel nostalgia for something which is not even your past, it's someone else's.

It's exactly like cosplay or people thinking/dressing up/reenacting old Westerns. Finding a little set of old rules within which you think are safe, and trying to live with them. Forever. I see that as the death of intelligence. "I don't want to create anymore, I just want to copy. From the minute detail of the clothes I wear, to the lyrics I write to the riffs I play, I want to be in these older guy's past. I know where I can go, I know what I can and cannot do. It's all set and figured out". This is the death of thinking, the death of creativity and the death of art.

Violence and youth culture.

The scene was also taken up by violence. Punks and Skinheads. These were environments where total sociopaths, crooks, criminals and petty gang thieves, violent crazy, people, gravitated to.

They basically realized these "youth cults" were a place where they could behave in the most anti-social way possible. It was perceived they could "fit in" and behave like criminals and violent bullies, and be the people they really were, without having to deal with the consequences of normal society. They didn't care at all about the music, the art, the political debates, nothing. They behaved like psychopaths and that was seen as part of the behavior, as a "protest" towards society and as the way something so underground and anti-social should be. It was accepted.

I am sure that these people had to deal with consequences, and eventually the law, way sooner in the 40s and 30s, when you just couldn't escape into some youth sub-group that would embrace you like a daring outlaw if you stabbed people.

We knew that when we got into it. It came with the package. I suppose it was also exciting to enter this world of "violence". It really was a parallel world.

The singer of the punk band PASSEATAS, Pádua, who lost his right arm due to an explosion while throwing a bomb fighting a rival gang. Nowadays he functions with the aid of a hook, as it can be seen.

I was just re-reading an edition of the oldest Brazilian Rock magazine around, "Rock Brigade", named after the Def Leppard song. The edition is from 1990, when Morbid Angel came here for the first time. The magazine had a "No more violence in Rock gigs" campaign going on, being mentioned over and over on it's pages. It was really, really violent.

Brazillian punks in the 80s, celebrating the freedom and life as brothers who care for each other and really have got a plan on how to lead a productive, interesting, happy, fulfilled life.

For some years the punk bands couldn't have gigs at all. It would always end in someone getting stabbed. No bands would play. This ended up happening in metal shows as well, where skinheads would show up to stab and hit people. Punks and long haired guys, metal guys, were the main targets.

I went to a Ramones gig where a person was murdered in 1991. He was a factory worker I think, a very young kid, and he was stabbed, and people still know who stabbed him, to this day. The murderer never went to jail. I remember reading an interview with the kid's father n the newspaper the next day.

In the same year Sepultura played an open gig at a place called "Praça Charles Muller" and a kid got shot in the face.

TV and news covered some of the violence, but nobody outside of this youth-culture ghettos cared. These were poor kids, which got involved with music movements seeking a social circle and meaning in life, they had no relevance.

One particular gruesome case was of a punk who was murdered by other punks and people in the underground. Pictures of the killing, and of the corpse, were taken, and shown around after the murder. Apparently a microphone stand was used in the killing. This is how heavy the atmosphere got, at the height of violence.

I remember now, these things were seen as normal in that time. As "part of it". I remember after the Sepultura concert, a picture of the young man's body, wearing a white Sepultura shirt covered in dark blood. The picture was published in a paper in black and white the next day, I saw this in the news stand where I always bought my Marvel and DC comics just outside school.

The cover of the album of one of the first punk rock festivals which took place in Brazil: "The beginning of the end of the world". So many horrible bands at the same time, in such a small place. But there is historical significance here, I suppose. It may sound too cynical, but the music is so bad, and the people were so violent. From the here and now I respect the courage of the people who started this because of the music, but it ended up being an artistic mess, with horrible records being released by crappy bands, and legions of thugs using the excuse of "punk" to be violent and beat up, steal and even murder others.

Since punk was such a "new" thing, and associated with art schools in England, with fashion and politics, it was not seen as something completely "stupid", like Metal was (and is) seen as the soundtrack to drunken, mindless and alienated people who like to think about fantastic realms, Tolkien and singing about the Devil. Therefore, a part of the local "intellectuals" were interested in it. That's why this festival was allowed to happen. Antonio Bivar, an important play writer, supported the Brazilian Punk movement, and even wrote the first book about punk rock published in Brazil. This book would become a guide on punk history for us to know about bands, zines, books, the roots of the movement, everything. It's a pity that it was so little read by the punks pictured here.

It was very common to be stolen, or have your shirt or records taken from you if you went to the center of the city and were wearing metal/punk/underground rock clothes. Specially violent were the skinheads, as they are always and everywhere. Maybe they were worse here than in England. More ignorant, even if that might be hard to top. I don't know. I remember that if they were around, people might die. Also, we had some "Nazi" skinheads who definitely were not white enough to be listening to Skrewdriver, Brutal Attack, No Remorse and the Rock-o-rama catalog, which shows how diminutive their intellectual capacity was.

No news from skinheads in that sense.

I never saw anything interesting in this youth culture. Not even in the original reggae Skins, so obsessed with clothes and again, violence. I find it curious and interesting from the point of view of studying violence, but that's it. Besides that, the music seems to come strictly after the violence and the clothes, very poser, very narrow minded, very concerned with being "stylish" and a thug. I'm sure I am not giving consideration to some interesting people here, but this is about my overall impression, and I make no apologies for it.

A considerable amount of people were killed/stabbed wounded at the time. One of my best friends - unfortunately he lives far away from me now - he was one of the upper middle class kids who spoke english and wrote zines etc. He's a bit older than I am and I remember once I saw scars in his arms and asked about it. He mentioned it was a knife fight with skinheads, but wouldn't get into details. Nowadays he is a PhD and a history teacher in an university. Come to think of it I am also a teacher in a university and I think we made wise choices of not letting our lives go JUST to this underground thing, even if the music, the artistic aspect, is good.

We could have easily hidden behind the whole set of "political" excuses of this youth culture to avoid growing up, avoid going forward and letting new things and ideas get into our lives, I have seen that happen.

I have seen people putting themselves trapped into ideological corners due to the fact that they decided that they have to believe whatever "ism" it is. Due to the fact that they are so insecure, they decided to believe a single thing so deeply they would die if they tried to question that very questionable idea. They built-up their whole mindset around it, and desperation takes over if you criticize it.

I see lots of the others, not my colleagues exactly, but people from that late 80s generation, five, six years older than me or so, and they just spent their lives with this. Did nothing else with it. Nowadays some work at tattoo shops, some have record shops. Most have dead end jobs, it seems.

Virus 27, a important Brazilian skinhead band. Their name, in a burst of creativity, was taken from Dead Kennedys's Alternative Tentacles's catalog number 27, "Plastic Surgery Disasters". Another example of typical Brazilian inadequacy, tackiness when trying to be foreign... (someone should make a band called MOSH 003).

One of the favorite musical acts amongst Brazilian skinheads, here the band proudly shows that they are patriotic, as I think it can be noticed.

If they were upper middle class people like I am, and were not really involved with anything gang-wise, they are mostly ok, with some sort of other things going on in their lives. This was just the way they spent their youth, when they decided they had to choose things to like, and ha to get a cultural path in life.

It's so easy to get stuck in this and shut yourself to all that is around you, judging everything from a throne of punk-rock righteousness. I'm so glad I have always been very open minded to know this always was based in youth, and that there is so much more out there.

Getting your Rock and Roll in the Third World.

When someone bought a record, an imported record, it was so expensive. EVERYONE would record it from you, and we would swap tapes. Not of demos, but of early Earache/Peaceville records and so forth. This was the early 90s. Later, when death metal got big, we would get a lot of Roadrunner and Relativity, and so on. Soon I left punk behind and went for extreme metal. By 94 or so "Punk" was Green Day and Offspring, not Discharge, Stupids, Bad Brains and Subhumans anymore. I gave up on hardcore and punk rock completely. I would only listen to my old 80s punk records.

Only later, in the late 90s, I found out about labels like Ebullition, which were doing something worth checking out.

Thinking back, those first Brazilian punk bands were so bad. Like Armagedom (Brazilian spelling of the word) which was obviously inspired by Finnish core, Scandinavian core actually. They still sound horrible, but the record is worth so much money now. I remember when the shops at the rock mall, a four floor decrypt (at the time) building in the center of São Paulo, had stacks and stacks of those records, SUB, Cólera and Ratos de Porão, Brigada do Ódio (one of the first grind bands in the world!) Olho Seco, Lixomania, Inocentes... In one way or another you could find all of these there. Easily, and cheap.

Brigada do Ódio (Hate Brigade). One of the first "noise" bands ever. This LP was so extreme for it's time, and it's from 1985, before "Scum", Napalm Death and even Repulsion had "Horrified" out. The music is very unfocused and raw, the blast beats are not blasts, but walls of noise. It still is an important and often neglected album featuring very, very extreme, heavy and fast music with punk lyrics and aesthetics. A landmark of extreme music, it's forgotten by historians of the genre. Another example of naivety making something creative.

By the mid 90s the scene was safe. Violence was gone forever, it was a thing of the late 80s/early 90s. CDs were the rule and vinyl was nothing. They were just garbage. Nobody wanted any vinyl. Nobody had turntables anymore. By the end of the 90s, however, collectors began buying these horrible records and selling them through the internet. Suddenly, that which was seen as old worthless crap was worth gold!

They are sold by ridiculous prices on eBay nowadays.

Much of the Brazilian formation of hardcore and punk happened that way due to the fact that a member of OLHO SECO, one of Brazil's most famous bands, started corresponding with European punks. He embraced the DIY thing with his heart and released loads of albums through his label, NEW FACE RECORDS. He ended up releasing several European bands here and this releases shaped Brazilian punk and our taste; English Dogs, Terveet Kadet, Rattus, Crude SS, "The Vikings are Coming" compilation, Varukers. Some releases, like Rattus's metal album "Stolen Life" and "Afflicted Cries in the Darkness of War" were exclusive releases to his label. I believe "Stolen Life" was released in France as well later, though.

Fabião, leader and singer of OLHO SECO, one of the most important Brazilian punk bands. he self-produced and released the very first punk albums even made in Brasil, including GRITO SUBURBANO, a collection with three of the main bands of São Paulo, his own OLHO SECO, CÓLERA and INOCENTES.

The recording is poor and the songs, very, very simple. But it became history.

But I digress... As if this was not a huge musical digression. I can write more about this period of Brazilian underground later, if it interests anyone.

Into the electronic and Avant Garde realm.

Basically because of Art of Noise, which I began listening to in the late 80s, and then Nick Bullen and Mick Harris during the mid 90s on, I started listening to a lot of electronic and experimental music. I would just search for more things. OLD and James Plotkin helped fuel the need for stranger sounds as well. As I followed the mutations of OLD I needed to be weirded-out, I needed not heavier music, but stranger music.

I think it's typical of extreme music enthusiasts to look for more. I have met several people, through grindcore and death metal, mainly through grindcore, that had a very wide taste in music. Metal and Punk Rock people can be very, very narrow minded, close minded and simplistic. It's also very common to meet people who will listen only to bands that appeal to the most objective aspects of this art form; power, energy and a youthful passion for teenager dreams and the adolescent mindset. Basically they want adrenalin as music. That's all that music is supposed to be for them. Music is not something sophisticated that they like to think about, it doesn't bring them ideas, concepts, information, it can't be a formal experiment. They don't think of music as a whole art form in which you can analyze the use of the instruments, the form the artist has used them, in which he has changed them according to the song. They don't think it is like a painting in which one can notice the type of canvas, brushes and paints that were used, and why they were used that way.

They don't ponder if the choice of those elements say something about the form of the painting, about an abstract idea, about a political idea through the brushstrokes or through the experimentation of the chords. No, it all has to be about "having fun"; instant emotional impact.

Maybe grindcore crosses that because it's so noisy and it is a formal experiment, atonal and several times non-rhythmic and spaced-out, messy. Which comes back on why A.C. wrote a song called "I'm glad jazz faggot's don't like us anymore", which is a brilliant, vulgar criticism of the over-hype that John Zorn brought to the whole "noise" scene. I can't even bear "Japanoise" or whatever that is called, and all the sheer snob excitement around it.

John Zorn and me.

In 1989 John Zorn arrived in Brazil and came out of the airplane wearing a Napalm Death "Life?" T-shirt. Journalists photographed him, and the photo was published in a newspaper. He came to play on the then yearly, now extinct, "Free Jazz Festival". I was interested in Zorn because my father told me he made interesting music. I saw that picture and memorized the name, "Napalm Death", and wouldn't forget it until I found out a recording of the band a couple of years later. It was the second Peel Sessions album, and i found it at a shop called Devil Discos, at the Rock Mall. This would be my first aural contact with the band.

After Zorn came to Brazil I immediately became interested in his work and soon, due to that, around the mid nineties I knew a considerable amount about experimental avant-garde, specially New York stuff. I just went after anything Napalm Death members quoted, mentioned or played with ravenously. And then anything John Zorn quoted and then..... It never ended.

Because of my father, who is a musician, I knew and listened to a lot of other types of music. From classic to loads of jazz (which is what my father plays) and 70s fusion. But I actually got into extreme music by listening to Led Zeppelin and then the Sex Pistols, in the late 80s when I was 11, 12, 13. Led Zeppelin still is the music I like the most, probably.

Animal magazine, published in Brazil in the late 80s and early 90s. This impressive magazine republished European Comics and had a profound impact in my generation, a generation of young kids who were reading comics in Brazil in the 80s. I was constantly looking for underground and strange things at the time. Some of the best stuff I had found in the Comic Book world was the french Métal Hurlant magazine, which was republished in the USA as Heavy Metal.

ANIMAL was inspired in the revolution that Métal Hurlant started, but also by magazines like L'echo de Savannes and Zulu. One of the most important things about this magazine is that it contained a magazine WITHIN the magazine, a so-called "fanzine" named MAU, which had information about gore films, rock bands and even a short but inspiring piece, written by Ratos De Porão's singer João Gordo, concerning "Earache Records", which, according to him, was a strange label started by an "unemployed punk called Dig", and which was committed to only releasing "grindcore, fast hardcore and pure noise".

This intimidated and fascinated me. The article followed with Gordo's reviews of Napalm Death, Intense Degree, O.L.D., Spazztic Blurr... Basically the first Earache releases. This was another pearl of information I collected before the Internet, and it seemed so valuable to read it, re-read it and imagine what this band "Godflesh," - he described as "the strangest thing I ever heard" - sounded like exactly.

Back to the early days.

All I listened to before that was Pink Floyd and Neil Young, again, because of my father. Neil Young is the artist I have the most records of, still, more than 30 albums just by him, which is a lot to me. I should do another post just about Neil Young and listening to Neil Young when you are 11-13 years old whilst discovering grindcore, pretty much at the same time. Well, hardcore and punk rock really. I just completely delivered my soul to extreme metal later, in mid 1991 when I was already 14. I remember exactly the day; it was my fourteenth birthday and I bought shitloads of records. Venom's AT WAR WITH SATAN and THE EXPLOITED's DEATH BEFORE DISHONOUR amongst them. Good albums.

Anyway, from 1991 on I found out about extreme metal and Earache.... And my life, music-wise, became very much like the memories of these guys from the blog below.

I can't stop reading it, if you lived the time I lived and were into the same type of music, I am sure you will love it and identify as well.

http://metalinquisition.blogspot.com

Oh well, so much said. So much to do. I don't know how to close all this writing, it feels like it deserves to have something good, so it will be wrapped up neatly, but since I don't know how to do it, I will just stop typing.

O Cavaleiro das Trevas

2008-08-01T01:11:00.002-03:00

Pra começar, esse filme é propaganda enganosa. Não tem nada de ser "O Cavaleiro das Trevas", a história do Frank Miller escrita nos anos 80.

Ok, o original é "The Dark Knight Returns", mas mesmo assim... pilantragem.

Steve Gerber, falecido esse ano aliás, já ensaiava essa desconstrução dos super heróis (aí, adoro essa palavra gente!) desde os anos 70, na verdade. Se você for mais elástico, no mundo dos quadrinhos mainstream, o filho do Duende Verde se tornando drogueiro/ganguista no Homem Aranha do final dos anos 60 já é relativamente barra pesada e "adulto", ao menos ensaia ir nesse sentido.

E isso são quarenta anos atrás.

Não acho que o filme tenha exagerado nessa coisa de ser "realista". Não foi um Asilo Arkhan, aí sim um tratado sobre a psique de personagens, ou o Piada Mortal, ou o Cavaleiro das Tevas (HQ) que é sobre memórias do Wayne, nóias, envelhecer, cheio de Flashbacks, voice overs, e enfim, reflexões sobre a identidade dele e sobre seu passado, sobre como esse o moldou, sobre tempo perdido, sobre se sentir fora de tempo e de lugar e ter construído uma identidade assim.

Não acho que explorou nada de profundamente psicológico dos personagens. O Coringa faz uns discursos-chave empolgantes e pontuais sobre caos que fazem a molecada falar "ai meu deus, como ele versa bem sobre o caos, nossa, me senti questionada gente! Chocou! Aí que louco, essa coisa né? O mundo é super caótico mesmo né turminha? Uma coisa assim imprevisível, sei lá, achei super louco! Vou até comentar com a fêssora de psicologia na aula de quarta!" mas não se aprofunda nada nos aspectos psicológicos pessoais dos personagens. Nem achei que o Wayne é muito explorado nesse sentido. Talvez o Harvey Dent... Mas achei a conversão dele para o lado negro relativamente simplista. Aceitável, ok, funciona, mas não é uma puta exploração psicológica da perda que leva ao comportamento anti social/desilusão/niilismo.

Não diria que o filme é simplório. Eu acho que ele simplesmente desconsidera qualquer discussão psicológica "realista" mais profunda e trata-se sim de uma porrada de cenas de acão com cliffhangers no final que te levam para outra, e para outra, e para outra, com quaisquer motivações como pano de fundo bem, bem em segundo plano. A cena da barca por exemplo tem um puta ponto de virada de expectativas legal, com o negão fazendo o inesperado. Mas eu sequer LEMBRO por que eles estão nos barcos em primeiro lugar!

Como eu disse, o que temos de mais desenvolvido sobre isso é o Coringa. Mas na minha percepcão o que ele faz de mais sofisticado é um discurso curto, pontual, sintético, bem articulado e inteligente para impressionar o público médio, sobre a natureza devoradora do caos que todo mundo quer negar - bu! - o que pra mim é apenas um ensaio, uma introdução a uma maneira de ver o mundo que conta muito menos do que a verdadeira preocupação do filme, que é fazer um caminhão virar de ponta cabeça de forma gloriosa.

Esse tipo e idéia impressiona o espectador médio que acha o que o Coringa disse super rebelde, chocrível, revelador. "KARAS, VOU SFREGAR NA FUÇA DO MEW PAI! O MUNDO É MAIOR CAOWS MEWWWW!!!".

Honestamente houve momentos nos quais eu pensava "POR QUE essas pessoas todas estão brigando? Why can't we be friends? Eu nem LEMBRO por que começou essa sequência de ação".

História, personagens e suas razões, de ser, viver e querer totalmente em segundo plano.

Interview with Alan Moore

2007-12-02T02:12:00.011-02:00

This is an interview I made with author Alan Moore on the 28th, February 2007. It was published in Portuguese at the website Omelete, but most of Moore's readers, who speak English, couldn't read it. So, finally, here it is.

It goes deeply into Lost Girls, his most recent major work, and I hope you will enjoy it. So much has been written about Moore's work that I doubt it is needed to introduce him much. Therefore I will attempt to put on a personal view as well as particular comments on how I see his work and persona.

To normal people, or non-comic book readers, Alan Moore must seem strange.

Well, even to comic book readers he seems strange. Alan Moore has got long hair, strange mystical rings, practices "magic" and says he worships a snake. Far from being stupid, he knows that this all creates a facade that impresses and also, to an extent, disappoints people. Some critics and readers won't take him seriously because of this, I suppose. The "official art world" (whatever that may be), for whom there are very limited ways to see, feel and behave about life.

It's brave, in a sense, of Moore to do that. Comic books and fantasy writing in general are victims of prejudice, and the fact he portraits himself, at least physically, pretty much as a weirdo is a bold statement that he does not care at all about these prejudiced views, and will go further into creating an unorthodox image, not minding if that displeases people who would otherwise take his work seriously and see how much he has to offer, how complex, sophisticated and rewarding his work is.

Alan obviously knows he has created a very curious image. And he likes it that people see him as a strange sort of crazy, weird genius.

It is a great image to create, a great image to live by, and a great image to be thought about, isn't it? Should be very fun, I think.

I mean, how many writers put on suits and glasses and pose looking to the horizon in photos made for the back cover of their books? Usually these are really "deep" books, written by an author said to have created a narrative that "untangles the intangible mysteries of the human soul"... or something like that.

Books that are, for the most part, really, really dull, pretentious crap.

In fact, cultural prejudices are stronger, I believe, in people not interested in horror, science fiction and different types of genre narratives in general. I was thinking the other day that most comic book readers - at least in my experience - are very much into these more extreme genres of fiction, probably because so many comics have been written within them.

Being into comics and fantasy probably also makes you more tolerant regarding strangeness and differences in general. You will get, of course, people like H.P. Lovecraft, who had great pleasure in reading and writing about the forbidden, the strange and the profane, and which had a fantastic imagination and curious mind, but who was a right wing racist. But I would say that they are more the exception than the rule. I think the comic book universe tends to be very liberal.

I also think Alan has got one of the most cunning, perceptive and clear perceptions of reality I have ever come across. The man has a profoundly interesting mind.

What does Alan Moore does that makes so many people take so much from his work? Why is he so important and influential? Why do bookshops have have shelves just for him?

I would suggest it is a combination of reasons. Amongst them; great, well written narratives with a excellent classic, three-act structure, gripping plots, interesting and impressive research about the subjects he addresses, very pertinent, intelligent observations about humanity and the world we inhabit, all mixed with moving, poetic moments.

Although he has created this strange and fantastic figure of himself, he constantly makes interesting, provoking, objective, sometime crystalline observations that perhaps invite the reader to read and think "Hmmm, how come I never saw it that way?”. It's because of his excellent powers of observation that he is able to create characters like Dr. William Gull, Nite Owl and Ozymandias. So different, so unlike and most of all, so believable. He probably feels such wonder for the world, because after all he can see it in such different and creative ways. Voice of the fire, his first novel, is also very much like that. A novel written showing several perspectives of Northampton, with perspectives from completely different characters in a progression through time, perspectives he portraits with great fidelity and understanding for their reasons, feelings, points of view and conditions.

In what is perhaps his masterpiece, Watchmen, the character Rorschach sees the world in terms of moral absolutes. There is black and there is white. There is right and there is wrong. And evil

Must

Punished.

Rorschach. A man who has seen the world in very basic, simple terms, and who has enough confidence in what he saw and felt to do what has to be done, to do what is "right" and pay the price.

And there is pretty much nothing in between. But within that logic, Rorschach is a good man. He is, after all, what Batman would be if he existed at all. He fights evil with what evil is needed to be fought with; extreme violence and no compromise. Actually, these are some of his last words. No compromise.

And he pays the price for that. He eats out of tin cans, he suffers with a world that is not guided by “vague metaphysics”, gods and the such. He lives in a world that is evil because we are evil. People rape children, mutilate women and slaughter the innocent. Just people. Just ordinary humans.

The Comedian; a nihilistic figure, sent from hell, to show us that life makes no sense, and there is no god, or any redeeming value that humanity can create which will make this a world worth living. The only thing he seems to be after is hedonism; instant gratification, instant pleasure. To top that, the character has a complete disrespect for any belief of any kind on anything that may be related to hope, kindness and goodness.

The Comedian. Hating the world he lives in. His answer to all the pain and suffering we produce and witness? Bitter and cynical sarcasm.

Kindness? Goodness? Vague, insipid human creations, developed to fool us of the cold reality of the grey, dark, horrible life that awaits us. Being nihilistic is being lucid. Being negative is seeing reality for what it really is. That’s the Comedian.

Ozymandias, or Adrian Veidt. The most intelligent man on earth. He sees the world as a blank page to be written on, and people and situations as things to be moved around, like strategic pieces, in this gigantic chessboard that is life, with it’s feeble and fragile rules we humans have developed. But, he is striving for the good of mankind; to bring world peace, he commits genocide.

Adrian Veidt or Ozymandias. A god-like figure that
decides human fate for the rest of us. Can one event control
the whole of human actions?
Who does he think he is?

His mixture of intelligence and a sense of leadership, combined wth arrogance leads the
world to peace, through genocide...
But, for how long?

But that’s just a strategic decision which will, in the end, benefit mankind as a whole in a scale never seen before.

I have my own ideas on how much Ozymandias’ plan would work, in a realistic scenario. I think it’s naive to assume that an alien invasion would bring world peace, even through the tensions of cold war. Look at the Tsunami in Asia, look at Darfur, look at hurricane Kathrina. It all goes down and nobody cares. World peace won’t be brought up by a cataclysm.

World peace will probably never happen. Maybe war is the natural state of the human species.

Dr. Manhattan. The human incarnation of the very concept of science. Determinism. Everything works according to natural laws, and not only that, natural laws and mechanical observations of the universe are the only things that matter. He possesses certainty. Perfect knowledge. And one of my criticisms of Watchmen is that no such certainty is possible. However, Dr. Manhattan is, to a degree, shown as flawless and never really questioned within the narrative. And I dislike that. I dislike that idea.

A lot.

However, all these worldviews, all these perceptions, feelings and annotations of the world are show in such depth, and with such profound detail, that we learn to love them, respect them, dislike them and care about them and how they turn out in the story. And that’s the magic that Alan Moore gives storytelling. A rare, rare thing.

I wish the Watchmen film was not being made. It will not only be, obviously (read the interview for details on the impossibility of completely faithful adaptations of Moore's work) a flawed version of the book. It will get the attention of people who do not DESERVE to read Watchmen, to the book. People who have despised comic books.

Maybe it will LOOK good. After all, Hollywood is good with that, isn't it? Art direction. Yes, it will be a pretty and esthetically pleasing film. No doubt. The actors are much more good looking and fit than the characters were.

*sigh*

I am getting old. This is not just an expression. I really am.

Sometimes I think Alan Moore has figured out humanity and I should just wait to read his work over and over again, waiting for any new releases, so I can read his comments to understand what life is all about after all.

At least I will figure out what he thinks about it, and that's more interesting than most ways of looking at the world.

Above all, what I get from Moore is this extreme sense of honesty. He strikes me as someone who has real aversion to falseness, lies, pedantism, poses. He exposes himself as someone who has nothing to lose (and I believe he doesn't, not by now) and he is constantly frank about his political beliefs, his ethical views, his moral views, his life, his love, his hate, his habits and the meaning of his works.

I believe Alan Moore is a good person. I don't know how important that is regarding his work, but I very much believe he is a good person. I believe that when he shook my hand, and thanked me for reading his work, he was being sincere and not making a mechanical gesture to please someone who buys his books. He transmitted me the same warmth I felt when I read the most emotional moments of his works, the moments in which he is trying to elevate his characters and bring
redemption to the story.

When he decided to write pornography, with Lost Girls, I think it was the same blunt and warm honesty that moved him towards this goal. It was with great openness that he decided to write about such an intimate thing, sex. And of course, these being his personal views of sex. His views of what is arousing, of what is not, of how people behave regarding sex and how it can be depicted. How it can be shown as something sexy, as something ugly, as something forbidden, as something perverse, as a something fantastic, as a dream. How it can be shown in several human situations.

And as always he did it with something I love about his work: a positive, hopeful and optimistic view of how art should take us to better places, even when we have seen so much darkness.

As usual, Moore mixes up several elements in this work: sex, social life in the XIX century, politics, war, fantasy, social conditions and a lot of art, the art that was around at the time of the protagonists. And I love comments about art, within a story. That's another frequent characteristic of Alan Moore's work; a mix up of comments regarding several aspects, several facets, of the universes he is exploring.

In the same way, From Hell was not just a novel about murders, but actually a huge, black, bold, piece of work about Victorian society, dissecting it in many, many levels. Lost Girls is not just a book about sex, but an exploration of people in a context, a context that is shown in all its complexity and richness. People are not fucking against a blank, meaningless background. They are fucking within a world. Alan Moore always does that in his work. He uses the places, times, situations and people he is depicting in order to understand them.

That's what I think of Alan Moore and this work. I hope the interview and the questions I have chosen help you understand his work, I hope they inform and entertain you.

In another note...

I learned yesterday that Steve Gerber, the writer who created Howard the Duck amongst several other characters, has died.

I used to visit Steve's blog almost every day, and I think all the times I made a comment on his writings, he did reply. Once I wrote him explaining that I considered quite unique to have grown up in the '80s, reading the works he wrote in the '70s and '80s, the things he and many others from his generation wrote.

Some names related to this period: Len Wein, Mark Evanier, Frank Miller, Neil Gaiman, Roy Thomas, Chris Claremont and so many, some I don't even remember the name of, for they are lost in that fog of fantasy and reality that we call "childhood". The fact remains that all of them helped shape my view of the world. I think these writers from the '70s and '80s created a whole generation with particular worldviews.

He commented, briefly, that he thought that there was something to what I was saying, and that he would like to actually write a complete blog post about that, "next week".

He never did. There was no time.

His health deteriorated rapidly on the last few months, and he died of pulmonary fibrosis. I was very sad for this loss, I think that without Steve's social commentary and introspective, avant-garde stories, maybe writers like Alan Moore wouldn't exist. His stories with Howard the Duck, The Man-Thing and even Marvel's Zombie were very personal, emotional, touching, sarcastic, funny, adventurous and groundbreaking. He brought the underground to mainstream, and played freely with the medium.

And when I asked him what he thought of Alan Moore, he said he found Moore's work great. He was complimentary of his peer.

How many people can write a story entitled "Where do you go? What do you do? The NIGHT YOU SAVED THE UNIVERSE!"? That's just so grandiose, so epic and beautifully poetic... And at the same time, lonely.

So Steve, thanks for all the stories you gave us. Rest easy, and in peace. You have achieved so much.

And now I leave you readers with Alan Moore.

--

Alan Moore: So how can I help you Joaquim?

Joaquim Ghirotti: I got the American edition of Lost Girls for this interview, and a lot of the book seems to have nostalgia associated with it, it has a lot of art noveau, the dawn of last century and even the title Lost Girls, is that related to something you think has been lost to modern sexuality?

Alan: I think that’s probably true. We were trying to capture a moment in European culture, before the First World War had happened and had pretty much changed that culture, perhaps forever. I don’t know if we are even over the First World War by 2007. It was cataclysmic and devastating. There was such a rich culture that existed before that point, and something about the sheer mechanical ugliness of the first world war seemed to bring in a new age of savage modernism, which while it had a load of things to recommend it, has displaced something. A perhaps more innocent period of culture had been displaced. And the idea of something lost, both on a national level and on a personal level, with the three girls having become distanced from the people that they were when they were younger. How a certain kind of innocent personality had perhaps been lost. I don’t mean innocent in a non sexual sense I mean how a certain innocent approach to sexuality had inevitable been lost with the passing of time and maturity. So yes there is an element of nostalgia but… not so much nostalgia, but… not so much nostalgia but a sense of trying to underline the loss.

The battlefield of Somme during World War One. Never had the world seen so much destruction in such large scale in so little time.

Nostalgia is generally, I mean it IS properly regarded as an illness, as a kind of a parking back to a possibly imaginary rosy past, while ignoring the present, whereas what we were wanted to do with Lost Girls was to underline certain things that had been lost by culture, or by us as individuals as a way of talking about the present. It’s not an entirely retroactive piece of work. It’s talking about the present and… I mean like, in that respect it is very fortunate that Lost Girls has finally emerged during the current George Bush administration.

Nostalgia, the name of a brand of
perfume sold by Adrian Veidt in the
immortal saga, Watchmen

Joaquim: That’s something I wanted to ask you, do you tried to make a comparison between the violence of the First World War and the violence we are witnessing right now?

Alan: The thing is those considerations weren’t entirely intentional because we started doing Lost Girls in 1989, when I think that George Bushes’s father was still in the Whitehouse. And so we had no idea of when we were gonna finish this work, and I guess we could have finished it, say, during a Clinton administration when things would have been a lot more liberal but I think a lot of the political point of the book would have been lost, whereas coming out today in the midst of George W. Bush trying to turn America into a medieval theocracy with gameboys then it achieved a starker contrast.

George W. Bush Sr.

I can’t think of a better time for it to come out. When you have most of the world pretty thoroughly immersed in a potentially ongoing war and worse it’s an war against an abstract quality: terror, which cannot of course never be beaten, it's like the war on drugs, you know? You can only wage war upon nations; you cannot wage it upon abstract concepts as I think that the current American administration and the British administration are probably learning, seven years too late to do anybody any good. But certainly we were aware that with Lost Girls coming out into the current landscape it would be specially poignant because it would be during a time in when as I said, there is prevalent war seemingly gripping most of the planet and there is also this very moralistic backlash from the Christian conservative right in American which are seemingly very anti sex, certainly anti pornography and so Lost Girls is challenging the current world view in a number of different ways and I think that it is important that it happens to have come out at just this time.

Joaquim: That’s something I would like to ask you about as well because Lost Girls is a work that doesn’t seem to fit with current times because you don’t really have so to speak thoughtful pornography like the Story of O or the Marquis the Sade or whatever coming out right now and suddenly you bring out this work that took 16 years to be finished and it has references to Stravinsky and the War and Freud’s psychology and so on. Where would you fit Lost Girls in the history of the exploration of erotica and pornography?

Alan: Well I mean like, Lost Girls is I think, certainly the first erotic book with this degree of ambition and with this kind of scale and attention to narrative and everything else, I think it’s the first erotic book which has been imagined upon such a grandiose scale. (laughs) It's also probably one of the first erotic books that has emerged to a mass market actually proudly declaring itself to be pornography, so it’s a very modern phenomenon I doubt that Lost Girls could have been produced before 2007, I mean simply we haven’t had the technology in terms of printing to reproduce Melinda’s artwork until very, very recently and if we had let go for much longer on the other hand we wouldn’t ‘have had the drums at the print photographers, because most artists work on a computer this days, they are being phased out so we wouldn’t have been able to physically photograph Melinda’s artwork so it’s a very modern thing but also is something that is very retrospective in certain degrees, it's looking back at a golden age of pornography. I mean in the white book sections of Lost Girls we look back at people like Franz von Bayros Pierre Louis, there are passing references to the Marquis de Sade because he is very important in the evolution of erotic literature but I’ve always found his work a bit boring (laughs) I can see the point of it, I can see the point of all this sadistic and scatological material to outrage the authorities of his times, but to modern eyes I find it a bit boring, repetitious and unpleasant. We refer to him but we actually focus on people like Colette, Oscar Wilde, some well known painters and illustrators like Egon Schiele and some lesser ones such as Aubrey Beardsley and that was our way of actually pastiching what we thought were some of the better elements from the golden age of Victorian pornography. So we were trying to do something which was very contemporary in the way it was conceived by having a comic book upon such a grand scale, but something which acknowledged the history of erotica and kinda of made a case for the continued existence of erotica and pornography free of sanction or kinda of the scorn of the official art world.

The girls, lost in delirium

Artwork by Egon Schiele

Joaquim: So that’s one of the reasons why the book wasn’t’ made with computers, the coloring and everything else?

Adam and Melinda, now happily married!

Alan: Oh yeah because (Alan starts lighting a cigarette) I mean it was Melinda’s hand drawn artwork and particularly her multilayered coloring that first suggested to me a perfect quality that we could bring to this proposed pornographic work, and I know that around about halfway through the book, I know that Melinda became a little bit worried because she was laboring away doing this twenty different layers of colors just to get a flesh tone and a lot of her friends were getting very excited and enthusiastic about computer coloring and she was wondering wether she would be left behind.
But I assured her that it seemed to me likely that as computer coloring became more ubiquitous, then people would come to value the human touch present in that obviously hand drawn, hand crafted work that they would come to value that a lot more highly, and I think that’s also true of the packaging of Lost Girls itself, I think that far from a future in which everything is on a screen, I think the beautiful artifact that you can hold in your hands will become much more highly prized. And I think that seems to have paid off with Lost Girls, I mean, Chris (Staros, editor of Top Shelf publishing) almost bankrupted himself actually carrying out our most delirious whims regarding the Lost Girls packaging, but it’s all paid off. I think everybody appreciates having a marvelous little artifact that they can hold in their hands. So, yeah it’s a sort of ah, it’s a modern piece of work in its thinking and its execution. But I don’t really see a modern outlook being completely synonymous with being obsessed with computers or other similar fruits of technology. I tend to think that, as somebody was remarking to me the other day, that in the future computers will be handy crafts, you will go to handy craft fairs and there will be people with these antique looking computers as a reminder of this phase that we went through and I think that even in that far future there will still be print media, because people, I think, at the end of the day human beings enjoying having a beautifully made object that they can hold in their hands.
Melinda Gebbie's artwork in "Lost Girls"
has got an incredible range of colors
and styles.

Joaquim: Still about the colors, as you said they have a quality that can’t be achieved unless a human is doing it. I think the colors are very bright and vivid and jolly, it’s like a candy shop…

Alan: Well, in some of the sequences yeah that’s true, in other sequences the colors schemes have been altered or mutated to give the particular effect that we wanted. Like the yellowish light before the thunderstorm, the grey and yellow light before the tornado in the first Dorothy flashback, and various other places. I mean one of the things we wanted to do, was to give that kind of golden warmth to all of the scenes we were depicting, that you might find in say beautiful children’s book illustrations, because having that kind of human, warm light in everything, it made even the most questionable scenes… They could be made to appear completely beautiful and enticing, you know? Like a confectionary you know? Some of the women, the flesh tones, it is like beautiful pink confections. This was also partly to do with the psychology of the audience we that we wanted to reach because yes, we wanted to reach men and women but frankly you don’t have to put a lot of thought into how to make men sexually aroused, you know? Men will… Men are largely undiscriminating and will respond to just about anything. Women are the problem and traditionally pornography has been approached, has been something which women haven’t really have a great deal of reason to want to check out, it's always been from a fairly strictly heterosexual male point of view, it’s always uninviting to anything that…It has a kind of very brutish male sensibility in that the rooms are ugly, the women look cold, vulnerable and a bit miserable, the men look ugly, the lighting is always as if a brain surgery is happening so you can see every pore and every wrinkle in it, it seems intent upon making sex look as ugly as possible, and maybe sex does look ugly if you film it under sort of harsh street lighting, but that is not the way most of us perceive sex, most of us when we are involved in intimate moments such as sexual union we are seeing the world through very soft, warm romantic lights, and that was what we wanted to capture in the drawings in Lost Girls, in the colors, we wanted to make an environment that was beautiful and inviting particularly for women readers who might have not found environments like that in erotic stories before.

Joaquim: Have you got responses from women in that sense? Because usually women are not the active protagonists of pornographic stories and you decided to take three girls to put in this situation right now, as protagonists, which is very unusual, and you are working with a woman as well.

Alan: Well yeah, I mean like women often are the protagonists of erotic stories but they are women written by men. You don’t have to go very far to find an example, Fanny Hill, Moll Flanders. These are women written by men as well but I like to think that I am quite good at writing believable women. In my other comic work this was something I always prided myself upon, to a certain degree, I’m not saying that they are completely authentic but I think I make a better stab at it than a lot of my contemporaries.
One of the very first editions of Fanny Hill.
With Lost Girls, obviously if it hadn’t for the fact that Melinda was working with me on it, this was as you pointed out a collaboration between a man and a woman, I don’t think it could have worked, in a million years I don’t think it could have worked, because otherwise if it was two women doing the erotica it would be purely a woman’s eye view of erotic, the same if it were two men, whereas this kind of collaboration allows both of us to express our sensibilities and to come up with something in the art work and the words which is pleasing and exciting to both of us, which was the kind of criteria that we were using as we spent sixteen years working our way through the book, you know? That was a very important part it in the making of Lost Girls. It was almost an alchemical process. I know that a lot of the original alchemists used to work in male/female partnerships because that does something to express some of the actual nature of alchemy, that it is, on a creative or mystical level it is very much a sexual combination of elements and I think that we were going for that in Lost Girls, trying to combine both sides of the sexual equation into the sensibilities in Lost Girls, in the hope of coming up with some kind of new fusion.

Joaquim: And have you gotten any good responses from women?

Alan: From women we’ve had fantastic responses. I know that when Melinda was in the San Diego show, she said that at least half of the people buying the book were women, and there was a particularly lovely little story that she told me about how some woman had come and bought the book on the first day of the convention and said that she intended to take it away and read it, and she came back the next day, having sat up all night and read the whole thing through from cover to cover, and she had just come back to thank Melinda for actually doing it and she had tears in her eyes.
The response has been incredibly warm and we’ve… I think more women have found themselves surprised to like it. There have been women that just because they have heard that it is a work of pornography have perhaps assumed that it will be like every other work of pornography that they have seen and it will be boring to them, if not actually offensive, but we have had some very nice responses from women which was the most important I think to us. I think in general the responses we’ve had got across the board from Lost Girls has been incredibly surprising and kind of inspiring, we really didn’t know wether we might be rode out of town after Lost Girls was published particularly because of the current religious climate in America, but we’ve had no trouble at all, in fact we’ve had the complete opposite, we’ve had the Canadian government, initially having seized Lost Girls on the borders, they received this dossier that Chris Staros had put together, which included reviews from prestigious American journals, of Lost Girls, and it also got a kind of statement of intent, put together by me and Melinda, and we got the most glowing letter back from the Canadian government, saying that yes, it did include scenes of child sex and bestiality, but it could no way be considered child pornography nor could it be considered to be obscene, that it was a work of tremendous artistic and social benefit and it went on and on like this, we could have used the letter as a blurb on the back of a future edition of the book with just “The Canadian Government” underneath it, it was perfect.
I mean the response has been so good that we wondered wether this is all some kind of strange and marvelous dream and we are both going to wake up and find that we are actually in prison (laughs) awaiting execution or something (more laughs). No, really, the response has been kind of marvelous; it seems as if the sheer physical beauty of Lost Girls which is at least, at a first glance 99% down to Melinda’s artwork and to the wonderful production values that Top Shelf has wrapped the book in, I think the sheer physical beauty of the thing has tended to pre empts an awful lot of the possible negative comments.
The cover for the boxed edition of Lost Girls.
A very luxurious edition indeed.
The one negative response I heard about was from the Comics Journal, who have a little bit of a... Well because I said I was not interested in doing any more interviews with them they tend to have a bit of a beef with me anyway, but they got Melinda to do an interview with them, which she did because she was genuinely thinking the best of everybody involved and the young girl sent to interview her seemed very nice, and she had done this interview and then in the issue before the interview the Comics Journal printed one really terrible review of Lost Girls and then two other even worse reviews, for balance, and another one on the website, just in case anybody had missed the three bad reviews on the magazine (laughs) and then in the next issue apparently the new editor apologized and wrote an editorial in defense of Lost Girls, when in fact the only thing we needed defending from was the Comics Journal (laughs) but other than that it’s been pretty good, and like I said we’ve been very heart warmed and to a degree astonished by the response since it’s been so good.

Joaquim: I was thinking of the scripts for Lost Girls and I saw Melinda speaking about it and she said that initially working with your scripts was difficult for her because they are so detailed and so massive and you had to come up with a different approach for this project.

Alan: Yes I did, I mean initially Melinda had always been writing and drawing her own work, she worked completely on her own, she worked completely on her own as a writer and as an artist and so this was the first time, in these early days of Lost Girls this was the first time that she ever actually worked from a comic book script, and let alone one of my comic book scripts which are immense things that are sort of the size of a phone book and that swamped her with lots of tight information, and she found it very difficult to actually work from the scripts because she thought that little details would get missed out so after a few issues, a few episodes, of Lost Girls Mel asked me if I could maybe do some thumbnails, so from that point on I began what for me was a practically new way of working in that, previously my other collaborators have lived far too far away for me to actually sit down and explain to them what this scribbled little thumbnails are actually drawings of, but with Melinda who would be living up here about half the week or so then we could sit down and we could do the thumbnails.
One of the very creative and interesting displays of narrative in Lost Girls
I wouldn’t actually do the dialog, unlike my normal practice. I would wait until Melinda had finished the art and then if there were any little bits that she would come up with and worked into it of her own such as the expression on a character’s face or some little detail of the furnishings or something like that I could work any kind of editions of hers seamlessly into the dialog and so as a result I think Lost Girls has probably ended up being one of the most seamless collaborations I have ever had, I think that this is the most closely I have worked with an artist, upon any of my books, and yes I mean I have always had input in the art with the thumbnail sketches but at the same time Melinda was having input into the writing, like every scene would be talked about in excruciating detail and if there were bits of it Melinda wasn’t certain about or that seemed to strike the wrong note, then they would be abandoned and they would be re-thought, until we got something which both of us were a hundred percent pleased with.
It seemed to be a good process, I’m not sure if it would ever be repeatable because I can't imagine working with anybody quite as close as I have worked with Melinda on Lost Girls. It was an interesting experience, quite an education.

Joaquim: Did you enjoy it as much as your regular process?

Alan: Yes I did, it was different and of course although I can compose a panel pretty well using my thumbnails I would always be relying upon Melinda to actually make my thumbnails work., using her own sensibilities, and if she had visual ideas that were better than mine, then I would always go with them. So yeah it was completely different from the way I previously worked so I enjoyed it for just that reason. I mean, all collaborations are slightly different depending on who you are collaborating with, but this one with Melinda was very different, so it was very, very refreshing.

Joaquim: There is something which is always very present in your work I think which is a way of dealing with the narrative in a way which is linked to the way that comic books are and I don’t think they would translate very well to any other media. For instance when Wendy and Alice have their sexual encounter and you juxtapose the seven sins against them or when they are in the ballet watching Stravinsky and you have them on the bottom of the page and the ballet up. You always are doing this exploration of the possibilities of narratives of comics. Do you think this playing with the format is as important as the drama you are depicting?

Alan: Well, for me anyway they both have got to be equally important. Yeah I am something of a formalist; I really like experimenting with the form. Because if I’m gonna be working in the comics medium, then I wanna be sure that I’m pushing that as far as it will go, I’m constantly trying to come up with new ideas for actually telling a comic book story, and I think that at the same time you have got to have a strong narrative that is about something you believe in quite passionately. You gotta have some substance to the story as well as an elegant form, one of them is not going to work without the other, or it wouldn’t have made Lost Girls into the book Melinda and I wanted it to be. We wanted something that was incredibly elegant but it was, as we said, retrospective in certain areas but in terms of storytelling often very forward looking. We wanted something that had got emotional substance and intellectual substance and moral substance, and we wanted to deliver that message in the most elegant and compelling way that we could think of. So yeah I really do love formal tricks, and I have done it in a lot of my work that’s true. Some of the things in Promethea…

The enourmous, experimental poster that took up the entire last issue of promethea: Alan Moore and his formal experiments have created unique ways of making comics.

Joaquim: Oh yeah, the poster.

Alan: I love all that stuff. However I really try to make it so the actual form doesn’t overwhelm the content and vice versa so they are both equally important.

Joaquim: Do you ever get an idea for a story out of an aesthetic trick? Like “I’m gonna make a poster as a story and I need something to fill this concept”?

Alan: Yeah that was the way in which both of those particularly outstanding and clever Promethea issues, the tarot card issue, that came out of thinking whether it would be possible to make an issue (door bell rings) Oh just a second, I’m gonna answer the door.

Joaquim: No problem.

Alan: Yeah so, thinking if it was possible to make an issue as a long freeze that included all these elements like a progression of Tarot cards, a pocket history of the human race, this anagrams of the name Promethea. That’s something that came from an abstract idea, “would that be possible?” I think that came from reading an old issue of the British underground magazine Oz, which instead of having articles produced as five pages for an article and then one page for a comic strip then six pages for another article and so on had got bits of every article in all of the pages.
The groundbreaking Oz magazine, this issue
brought up a lawsuit upon its publishers and creators

So the comic strip would have one panel per page throughout the magazine and there would be a running figure with word balloons giving a different though of narrative that ran all the way through the magazine, and I was thinking “This is interesting, I wonder if there is a more formal way that you could do this anarchic experiment?” And the thing with the poster, that was in the midst of a magical psychedelic vision I suddenly was overcome with a sort of an arrogant sense of my own omnipotence and suddenly decided I was going to make Promethea 32 the last one, and that it would be a wonderful psychedelic narrative that somehow magically transformed into a double sided psychedelic poster, and I just thought “Right, that’s that” and a couple of days later when I was striking out a bit I realized ‘This is going to be really, really difficult” (laughs) and I sat down with a friend of mine and we made a little paper dummy with a sheet of paper and folded it into a 32 page booklet, we numbered the pages, and we realized that in fact that it was almost impossible, that you couldn’t do a line drawing that wouldn’t be broken up into fragments in different sides of the poster. And that was when I suddenly thought of using impressionistic dots, because if you didn’t use lines, if you are just using impressionism, the it would give a lovely psychedelic color field as the background of every page where you could have your golden line drawing like a filigree so if you are reading it as a comic, the line drawing would be the most visible thing, if you are looking at it as a poster, the line drawing would vanish in a golden filigree And you would be able to see the bigger image behind, so once I came up with that it was a matter of thinking it through in stages, and eventually coming up with a narrative that seemed to fit that thing, but whichever one you think of first, it’s important they should carry their own weight.

Joaquim: Usually do you fit the form to a narrative or the other way around?

Alan: I suppose I usually tend to fit the form to the narrative. I have narrative ideas more often than I have startling formal ideas. But it can really happen any way. Usually I come up with what I want the narrative to do and accomplish and all the things I want to hint, and then I'll come up with some sort of structure that will fit it. But it can occasionally happen the other way round as well.

Joaquim: There is a very strong scene of male homosexual sex in Lost Girls and that took me by surprise to an extent. I mean, I know it’s Alan Moore so I shouldn’t take anything for granted, but it was surprising to be in the middle of the book, inside it, and suddenly it comes.

Alan: Yeah that was partly included for one thing because we wanted to make this not just a piece of pornography for heterosexual males. We wanted to make this for women and for people of other sexualities, and also because I am a great admirer of Victorian pornography, of the late 1800 when considering how corseted Victorian society was both figuratively and literally it’s surprisingly liberal in its pornography. You do seem to have much more, whereas these days it’s obligatory for every woman in a porn film to be bisexual, whereas the men are rigidly heterosexual and that wasn’t true in the Victorian era, everybody seemed to be gloriously polymorphous, and it kind of spoke of an actually healthier attitude towards sex than the very specialized kind of pornography that we get at present. So that was how the Howard and Rob scene particularly and some of the other pieces in there got there. We wanted to include that to underline our sympathies with an earlier golden age of pornography and also to find a …. That pornography owned to people of all persuasions.

Joaquim: There’s a certain roughness to that scene, and to several other scenes of sex in the book. Did you want to keep that edge?

Alan: The thing is that sex has all sorts of facets to it. We didn’t want to say that sex is always a thing of tasteful gentility because that’s not all of sex, it's not even all of sex’s appeal, you know? Sometimes a certain roughness might be very arousing. We were very conscious of not making this a kind of a one note symphony. We wanted to play notes of all ends of the emotional spectrum in terms of the way sex was presented. Sometimes it can be stark and sudden, sometimes it can be quite humorous, sometimes it can be very serious and poetic and romantic, sometimes it can be rough, and we wanted to vary the pallet of it, because one of the big problems with pornography is the monotony that will ensue after a few repeatable couplings that kind of all happen at the same level. I mean we did try to actually have Lost Girls build up, in terms of sexual intensity, towards the climax, rather than just starting with the usual orgy and continuing in that way for 240 pages. We thought very much of the pacing and the timing and the structure of the whole thing.

Joaquim: Looking at the girls and the depiction of their very personal journeys, I think your work is filled with very moving little scenes of intimate emotions. Not only in Lost Girls but in Voice of the Fire you’ve got the first chapter with the boy who loses his mom, another story is about a character that comes back to his village and there is nobody else there anymore, on the other hand it seems you are always putting them in this great landscape of either the Great War or there’s Victorian England in From Hell for instance, or when we have the cold war raging and the personal stories of Rorschach, Nite Owl, Dr. Manhattan etc, behind them.

What do you think it’s harder, to debate those big subjects and to put them in this framework or to move the reader with the personal journeys of your characters? What do you prefer to do?

Alan: Well again if you are doing the usual landscape painting it’s not a bad idea to have some sort of sense of human scale, to actually put a tiny figure upon the beach to give you a sense of the scale of the landscape and how it relates to the human beings in it, so to me, again, it’s two parts of any narrative which really have got to be as important as each other. The landscape and the people in it have both to carry their own weight. You have to pay attention to the world in which you characters are moving so that every detail of it is perfectly realized and creates the right kind of background atmosphere, and at the same time that landscape will be meaningless unless the people that you set into it are interesting in their own way. Well, both kinds of narrative interest me. I’m interested in the narrative of place. I’m interested in how landscapes change, in how towns change like in Voice of the fire, and as important as that I’m interested in the individual voices of the figures moving through that landscape and I think that… I mean that’s what reality is by and large isn’t it? It’s a series of landscapes with human beings moving through it.

Joaquim: Little stories moving.
In Watchmen the life stories of very different people with one thing in common - the fact that they are vigilantes - cross over, all with the 80's cold war as the background.

Alan: Yeah with little stories. And by paying attention to both of those elements enables me to come up with a much fuller and fully rounded sense of reality, which I suppose is what any writer or artist is trying to simulate in their own terms.

Joaquim: From your characters I get, sometimes, not all, but some, a sense of loneliness and a bit of melancholy. Rorschach is a guy you don’t agree with in the least but we do end up having sympathy for him.

Alan: What you have to do with all these characters is to… my theory of human personality is that everybody has got a kind of gigantic million faceted gem somewhere inside them. And when we are constructing our own personality, we simply polish four or five of those million facets.
There is the voice of the personality with which we talk to our colleagues, there is the voice of the personality with which we talk to our parents, to our loved ones, and so on, but that’s still only four or five facets. We could have polished any of those facets, so I think that we’ve all got a potential full cast of characters inside us. We are just the ones that we focus on. So that’s the approach I have always taken for characterization.
With a character like Rorschach I simply have to put myself into that mindset and yes I have black horrible revenge fantasies or have had, the same as anybody does. And I suppose that I was thinking “Well, what if that was all there was to me?, just this drive to punish the guilty?” And you start to create the character out of that. With Dr. Manhattan, yes, because I have got a very, very good memory I have somehow, sometimes, had the sensation of “Yes all time is happening at once, I can remember exactly what it was like five years ago when I was having a conversation with this person, and now we are having a different conversation with different people and these two events juxtapose and they are quite poignant". And as you get older you start to notice more of that and so Dr. Manhattan was an expression of that.
Dr. Manhattan. Cold, distant, pure logic in human shape.

Nite Owl was an expression of the kind of school boy romantic who never quite grows up, which yeah I’ve got that in me somewhere as well, and Dr. Gull, when I was writing Dr. Gull Melinda said that had got a kind of a cloak of Victorian fiendish-ness sort of more or less wrapped around me when I was just talking normally, there would be this very heavy gravity, that I associated with Dr. Gull. You get into the characters you know? And at the same time all of the characters, the most joyous and exuberant characters yeah they are all part of me as well. Yeah the miserable, melancholic lonely characters, the psychotic characters, they are all part of me. I’m acknowledging that.
Joaquim: What I get overall from that, from the boy in Voice of the fire, Rorschach, Gull, who’s not a particularly likable person, is almost an understanding of them and a love for them as well. Is that the way you feel about humanity?

Alan: I have to love the characters. That’s something I found when I was writing V for Vendetta. When I came to write the Nazis I found out that I was writing them as almost caricature Nazis. They more or less all got monocles and a university of Heidelberg…. I though “This is not what real Nazis are like, real Nazis are ordinary people. That’s where they came from. They were street sweepers and bakers and butchers who just put on a uniform when they were asked to”. So I tried to come up with credible human beings who had chosen fascism for whatever reason. And I found that yeah, some of them were still unlikable characters but probably in order to understand the character you have to… you have to love them in a way because you have to look at them non judgmentally, and feel a bit sorry for them. And I think that greatly enriched the characters in V for vendetta, it made them much more three dimensional, it made it into a three dimensional struggle rather than a two dimensional bit of moralizing with a glamorous anarchist romantic hero against a bunch of cardboard cutout fascists. That was a lesson I took with me into all my work, that you’ve got to feel sympathy for everybody.
In Lost Girls in the final scene, when you’ve got those soldiers smashing up the room saying lots of unpleasant things about women, just having casual conversation, it's not that they are hateful figures, they are men who are cold and lonely and wish they were somewhere else and they are probably going to die in a conflict that they did not have explained to them properly and they I’d rather be home in bed with their wives. You have got to have sympathy. I mean, I’m convinced that if you look into everybody’s heart in the planet, it’s very likely that you would find something in there that you could love, something you could respect. There might be a huge bunch of things that are absolutely horrifying, but I’m convinced that in everybody there is some fragment of something you could feel sympathy for. That you could look at someone who grew into a monster and you could look back at some point in their childhood and think “Well yeah you didn’t have much of a chance did you? You made some bad decisions, they were looking around you to give you the right clues, and you ended up as an unforgivable monster”. I think that’s important. You have to be able to find sympathy with the worst of creatures if you are going to be a really successful writer.

Hey incidentally Joaquim, I’ve had a friend turn up, could we make this the last couple of questions? Would that be alright to you?

Joaquim: Sure, no problem. So, about the actual creative process. I know different projects demand different approaches, but how do you usually start to outline your work?

Alan: Well let me see… the most current piece of big work I’ve started is Jerusalem, that emerged out of a growing awareness of just how fantastic the community I actually emerged from was, and I found that I was preying upon my mind I was thinking about my family, I was thinking about the area where we all grew up, and I started to realize that there was an incredible treasure of stories that could be told. And I started to think of a way in which they could be drawn together. This is a massive project. And I sat down and I wrote a list of things that I wanted to talk about and I kind of broke them down into thirty five really smart ass chapter titles, that I was really pleased with.
Then I kind of looked at those thirty five chapter titles and thought “Well all right that’s a prolog and epilog, and three eleven chapter sections”. So a structure is starting to emerge. Then I divided up the thirty five chapter titles with brief notes about what each one would possibly be about, into three piles; beginning of the book, middle of the book and end of the book, and then I put them into order, and then I just started with the prologue, wrote that, moved on to chapter one, part one, and I’m just progressing through the book like that. I kind of got myself a big sturdy structure, and it’s just a matter of working through it now. This will probably take me a couple of years and it's probably be going to be half a million words long, when it’s finished. That’s is a way no matter the size of the project you are attempting, get all of your information, all the stuff you wanna talk about just down on paper in a big, sprawling mess, then start to impose some sort of structure. It can be an arbitrary structure upon the mess, and I'll find that a couple of stages along in the process of actually creating a finished work.
That’s a pretty good example of how I work. You only have to change that a little bit to talk about how I came up with From Hell or Lost Girls you know? The structure can be different, it changes with each instant, but that’s pretty much how I do it, I kind of get the idea of the whole feel of what I’m talking about, what I want to talk about, and then I'll try and divide that into usable chunks, and then I'll try to put those chunks into some sort of rough order, often according to a three part structure, because that is a very durable one.

Joaquim: Do you ever make sheets with character profiles?

Alan: I’ve only done that once and that was with Big Numbers, where I’ve got a great big piece of graph paper…
A page of Big Numbers, Alan's never finished, bold work about chaos, mathematics, coincidence and quantum reality.

Joaquim: The A1 paper.

Alan: … A1 paper that I divided into forty names or something into the side and the 12 issues across the top, so there was something like 500 tiny squares in which I’ve got what every character was doing on every issue, and that was mainly done just to frighten other writers (laughs) but it was an useful experiment, and as far as Big Numbers progressed it was working. I think mainly I tend to do that in my head now, or just in brief notes rather than go out to produce something to make Neil Gaiman feel anxious (laughs). But it’s the same process
The poster for The Mindscape of Alan Moore, an excellent documentary on Moore directed by the very talented director Dez Vylenz. One of the most creative and interesting documentaries about an artist I have ever seen. You can check out more about it at Shadowsnake.

Joaquim: Final question Alan. I was talking with Dez Vylenz who made the movie “The Mindscape of Alan Moore” with you and we were thinking if you with your performance pieces and quite a number of CDs out for someone who’s not a professional, so to speak, musician, so do you feel like working with other media? Making short films or something?

Alan: It may very well happen. I mean, I don’t know where or when at the moment I’ve got a full schedule with all of the various writing projects that I embarked upon, the Bumper Book of Magic, the League Three and all the rest of it and Jerusalem, but I have been talking, I mean, there is a local guy, Barry Hale, who runs a film work shop which has done some fantastic work, he was asking me if I would be interested in making a short magical film.
So yeah I would be, time permitting, if I have an idea that’s good enough. And we were talking the other night of the possibility of Cabaret performances I haven’t been in touch been in touch with Tim Perkins for a while because he has moved to Oxford where he is raising babies, against all of my better advice he went ahead and… (laughs) but we are supposed to get in touch soon and I know that Tim is getting a studio together in his garage, so we’ve got such a lot of facilities between us and the people we know, that In the coming years I’m sure that I'll see me doing all sorts of things, but I couldn’t tell you what or when they will be at the moment but I’m always looking for new ways that I feel excited about expressing myself in, so yeah I’m not going to be sticking to comics by any means, in fact, quite the opposite. Comics are just going to be part of my work, in the future.
The cover of Angel Passage, the album Alan
recorded with Tim Perkins, who, against Alan's
recommendations, had babies! Not following
Alan Moore's recommendations seems like a bad idea.

Joaquim: You are not making any more comics after the league?

Alan: Well, I don’t know. I probably will do but they will not be by any means all of my work. I mean the activities of DC and Wildstorm have done an awful lot to sell on me upon the idea of working with any mainstream comic company ever again. And as for what I want to do, I think I feel quite happy with just having… (Alan Pauses to talk to someone) .... Well, The book of magic for example has got comic strips in it and it’s also got a lot of other things in it which are by no means comics.
Even the Black Dossier when that comes out, whenever DC and Wildstorm finally decide to bring that out, I think people will see the kind of range that I am hoping to cover in the future. There is quite a lot of comic strip in it and there’s quite a lot of stuff which is not comic strip at all, text pieces and a lot of other surprising features. That’s the kind of playful area that I like to work in the future, where you can get serious about being playful.

Joaquim: Alan, thanks very, very much for your time.

Alan: My pleasure Joaquim, and do give my regards and very best wishes to everybody reading the website!

Joaquim: Sure, this is absolute generous and people will love it. No words to express how thankful I am to you Alan.

Alan: My pleasure mate. We will do it again sometime.

Joaquim. Thanks! Just one thing. I met you quickly in the Lost Girls event in London. And I gave you a CD I made

Alan: Oooh yes, to tell you the truth I haven’t played it yet because I have got a stack of stuff I’m going through, I shall get to it eventually and I’m sorry that I haven’t got around to it yet, just been a bit busy

Joaquim: Don’t worry,

Alan: Thanks so much for giving it to me Joaquim and rest assured that when I get to it I shall enjoy listening to it.
The cover of my CD, Tetragrammaton recorded by O Anjo Exterminador, my band. Alan Moore, Alejandro Jodorowsky, Kenneth Anger, Philippe Druillet and Richard Stanley among some very important people all have copies. How come you don't have one? Listen to us by clicking here.
Joaquim: I hope you’ll enjoy it; there is a song about John Dee so you might!

Alan: I’m looking forward for that.

Joaquim: Thank you very, very much, send my congratulations to Melinda

Alan: I will do and you take care of yourself Joaquim and I shall hopefully be talking to you again sometime

Joaquim: I hope so Alan.

Alan: Me too mate.

Joaquim: Thank you very much from the heart

Alan: You are very welcome.
--

Joaquim Ghirotti © 2008

2007-11-20T23:09:00.000-02:00

Um lagarto verde, bacana e gigante.

Dracula

2007-08-23T01:11:00.004-03:00

Drácula de Todd Browning foi lançado nas telas norte-americanas em 1931. Desde suas primeiras exibições já foi considerado um clássico inovador do gênero Horror, assim como estabeleceu a carreira de Bela Lugosi como importante ator de gênero (gênero esse que o marcou tão fortemente que ele jamais conseguiu se livrar do estigma de ator de filmes de horror). A versão adaptada por Browning é baseada em uma peça de teatro muito popular na época, e não foi exatamente fiel ao romance original de Bram Stoker. Isso, entretanto, não impediu o filme de ser um grande sucesso. Anunciado como “A mais estranha história de amor”, o filme também deu início a uma série de obras de horror da distribuidora Universal, que marcaram os anos trinta, e caracterizou a maneira como vampiros, e filmes de vampiros seriam mostrados no cinema.

Todd, um dos maiores diretores de Horror do século XX.

O filme inicia-se na Transilvânia, um lugar onde hoje temos a Romênia. Renfield (Dwight Frye) é um jovem corretor de imóveis que vai visitar um importante cliente local, o Conde Drácula, que demonstrara interesse em adquirir uma propriedade na Inglaterra. Ao chegar na pequena vila próxima ao castelo de Dracula, o sol se poe no céu enegrecido, e entra a escuridão. Os moradores do pequeno e pré-medieval vilarejo fecham as portas de suas casas e guardam os animais. Um estalajadeiro logo adverte Renfield para que tome cuidado ao cruzar o passo borgo, parte do caminho que leva ao castelo do Conde.

Renfield tome um coche e dirige-se para o passo. Lá, entre a bruma noturna, é encontrado por uma carruagem mandada por Drácula, que lhe aguarda. Ele não ve quem esta a frente da carruagem, mas entra assim mesmo. A carruagem finalmente sobe e para na frente do castelo de Drácula, passando por um caminho tenebroso, uma floresta semi morta e deserta. Renfield desce da carruagem e descobre que não há ninguém na frente. Entre a bruma e os morcegos ele caminha para porta. É recebido pelo próprio conde, de roupão, que o convida para entrar e beber. Quando Renfield lhe pergunta se ele também não vai beber, Drácula responde: “Eu nunca bebo... vinho”.

Renfield logo torna-se o escravo do vampiro, levado lentamente a loucura hipnótica de Drácula. Drácula tem um plano, e Renfield não passa de um peão em seu jogo. Ele aprisiona o homem e transforma ele em seu escravo. Renfield, enlouquecido, colabora com Drácula, levando seu caixão para o porto e embarcando com ele em um navio com destino a Inglaterra. Finalmente o navio atinge o seu destino, o porto de Londres. Mas todos os passageiros a bordo estão mortos, brancos, com a impressão do terror congelada na face, e marcas de mordidas no pescoço. Renfield havia libertado Drácula de seu sono profundo durante a viagem, aberto o caixão, e deixado o principe das trevas se alimentar do sangue dos tripulantes. O navio fantasma então chega em Londres, trazendo a sua maldição. Renfield é encontrado pela polícia, rindo loucamente, e é imediatamente preso. Passa então a comer insetos na prisão, totalmente tomado pela loucura causada pelo Conde.

Drácula sai aterrorizando Londres, causando vítimas nas ruas. Logo ele encontra duas belas jovens, Mina (Helen Chandler) e Lucy (Frances Dade), numa peça de teatro. A mansão da família delas é próxima do lar de Drácula, e ele passa a visita-las sob várias formas: um lobo, um morcego, névoa e até a sua própria forma profana. Ele suga o seu sangue e lentamente as suas vidas. Lucy perece, mas Mina insiste em se juntar a Drácula. Essa idéia traz obriga o pai de Mina, o Dr.Seward (Herbert Buston) e o noivo de Mina John (David Manners) a contatar um especialista.

O cientista e matador de vampiros Van Helsing (Edward Van Sloan) entra em cena. Ele consegue convencer Drácula a ficar de frente a um espelho, o teste para se detectar o “vampirismo”, e a imagem de Drácula, naturalmente, não se reflete. Infurecido, o principe das trevas quebra o espelho, e ataca Van Helsing, que mostra ao demonio da noite uma cruz. Este, horrorizado, foge. John e Val Helsing seguem Drácula e encontram ele fugindo com Mina (hipnotizada) e entrando nas catacumbas em que ele mora. Drácula se tranca em seu caixão, mas Van Helsing perfura-o com uma estaca, e seu corpo treme, transforma-se em um esqueleto, então pó. Mina sai do feitiço de Drácula e agradece aos seus salvadores, terminando por abraçar seu amado John.

Drácula foi uma das primeiras produções de horror do estúdio universal (que depois iria lançar uma série de filmes no gênero, além de continuações) foi logo seguido de “Frankenstein”de James Whale, com Boris Karloff. O filme foi um gigantesco sucesso comercial, e a Universal não pestanejou ao aplicar propagando pesada para promover o filme. Escreveram cartas para hospitais e médicos perguntado se vampiros realmente existiam, colocaram enfermeiras e prontos-socorros em cinemas que exibiam o filme para atender pessoas que ficassem muito chocadas de medo no filme, novelizaram o livro Drácula no radio, etc. Deu certo.

O filme é muito mais inspirado na peça teatral de Hamilton Deane (amigo de Stoker que adaptou a obra em 1925) do que no livro em si, mesmo assim é razoavelmente fiel a história de Stoker. Algumas mudanças mais “radicais” podem, e devem, entretanto serem comentadas: Renfield é um personagem que, tanto no livro como em outras adaptações cinematográficas já fazia parte da corte de escravos dominados por Drácula. Quem é o corretor imobiliário que vai a Transilvânia naquela noite é o próprio Jonathan Harker, namorado de Mina. Ele não é enlouquecido pelo vampiro, mas sim preso por ele. Assim como o Dr. Seward, que no livro é pretendente de Lucy, mas no filme é mostrado como pai de Mina.

A importância de Drácula esta no fato de que ele delimitou muito de como os filmes de horror deveriam ser feitos, e são feitos, até hoje em dia. Toda cenografia, direção de fotografia e direção de arte de Drácula deram o tom gótico e macabro do horror clássico. Temos uma Inglaterra vitoriana contrastando com as roupas e modelitos anos trinta sendo ostentados por alguns figurantes, a própria visão do conde com seu cabelo negro para trás e a capa preta definiu o que se espera de uma personagem vampiresca, muito do próprio castelo de Drácula deve ao próprio expressionismo alemão, movimento célebre por seus filmes (também pioneiros do horror) como Nosferatu (de F. Murnau) e O Gabinete do Dr. Caligári (de Wiene). As escadarias retângulares, cobertas de teias de aranha, as cadeiras vitorianas ao estilo Luis XVI, a armação gótica das janelas... Drácula é um filme de tons e ambientes.

A própria atuação de Frye como o insano Renfield caracterizou o estereotipo de louco no cinema. Ao mesmo tempo, temos as florestas e montanhas assombradoras da Trânsilvania, tudo com fotografia impecável, de Karl Freund. Este é o clássico filme de horror gótico.

Contribuindo para a atmosfera inquietante do filme, temos a ausência de uma trilha sonora. Ocasionalmente o “Lago dos cisnes”de Tchaikovsky corta o ar como uma navalha fria, mas predomina o silêncio sepulcral. O que mais ouvimos, no castelo de Drácula, é o arrastar de correntes, portas se fechando, rangendo, uivos de lobos na noite. É a cacofonia sonora do horror.

O autor do livro, Abraham Stoker, foi um professor inglês que se intressou pela região da Transilvânia. Em seus estudos notou que havia muitos mitos e lendas sobre Vlad, o Impalador, ou Vlad Tepes, um príncipe balcânico responsável por algumas milhares de mortes e o desenvolvimento de cruéis métodos de tortura.

A mesma historia já havia rendido duas versões não-oficiais na Alemanha: Vampyr, de Carl Dreyer (mas também muito inspirado na novella “Carmilla”de Sheridan Le Fanu) e Nosferatu, já citado, de Murnau. O filme de Browning, entretanto, foi o marco definitivo para o reconhecimento da história do conde das trevas no cinema. Deu-se inicio a uma série literalmente incontável de filmes sobre vampiros, que seguiu ao longo do século. Desde filmes de vampiros mexicanos (filmados no mesmo set do Drácula de Browning) até verdadeiras evoluções no gênero.

Temos toda uma fase do estudio inglês Hammer,que entre a metade dos anos sessenta e o começo dos anos setenta produziu dezenas de filmes de horror inspirados em Drácula, sua grande maioria com o marcante Christopher Lee (numa interpretação mais agressiva do vampiro, que tem um certa presença nobre atribuida a ele por Lugosi). Os estudios Hammer foram extremamente prolíficos, nos dando pérolas como “Horror of Dracula”, “Brides of Dracula”, “Dracula – Prince of Darkness” e etc. Infelizmente o estúdio entrou em decadência, e passou a fazer filmes de horror de qualidade inferior, com fortes doses de nudez e sexo para tentar recuperar seu público (dessa fase saem obras como “Twins of evil” e “Countess Dracula” além do hilário “Dracula A.D. 1972” onde temos uma patética tentativa de “modernização”do vampiro (para os anos setenta, evidentemente) o que torna tudo, hoje em dia, mais falido e cômico.

Nos anos sessenta ainda tivemos a genial paródia da história de Drácula no filme de Roman Polanski “A dança dos vampiros”.

Entretanto, recentemente, o gênero teve um “revival” desde os anos oitenta, com obras como “A Hora do Espanto” e “Quando chega a escuridão”. A onda de “slasher flicks”, ou filmes sobre serial killers (como a célebre série “Sexta Feira Treze” ou “O massacre da serra elétrica”, a “A familia de Sádicos", "The Last House on the Left", etc) despertaram novo interesse da industria cinematográfica no gênero horror, agora um horror jovem e barulhento. Assim, diretores como Wes Craven e Sean Cunnigham passaram a fazer muito sucesso, e vampiros não foram esquecidos como um importante atrativo ao horror. Além dos filmes citados tivemos os sucessos de “vampiros jovens” em filmes como “Os garotos perdidos”, “Fome de viver”, “Innocent Blood” ou até mesmo a recente adaptação de Francis Ford Coppola da mesma história de Stoker, ou “Entrevista com vampiro”de Jordan, e até mesmo John Carpenter, outro cultuado diretor de filmes de horror e suspense fez, em 1998, seu filme sobre o tema: “Vampires”.

O diretor

Todd Browning nasceu em Kentucky, em 12 de Julho de 1880. Aos dezesseis anos fugiu de casa para tornar-se um artista de circo, aonde trabalhou como contorcisonista, acrobata e palhaço. Logo ele começou a atuar nos nickelodeons da Biograph, produtora onde trabalhava David Griffith. Browning continuou a trabalhar com Griffith como ator mesmo depois do fim da Biograph, chegando a ser extra em “Intolerância”. Após muito atuar, decidiu tornar-se diretor, e fez seus primeiros curtas com aval e patrocinio de David Griffith na produtora Triangle Studios. Browning logo consolidou seu nome com vários curtas e filmes de longa-metragem. Após fazer Drácula fez o impressionante “Freaks”, um filme sobre (e com) aberrações de circo. Retratando a vida dessas pessoas deformadas que compoe uma classe separada na própria hiererquia do comunidade circense. Browning tornou-se um célebre diretor de horror, chamado por muitos o Edgar Allan Poe do cinema. “Feaks” causou contrvérsia por onde passou, e é proibido até hoje em alguns paises, como a Inglaterra..

Surgiu então a oportunidade de fazer Drácula de Bram Stoker. A primeira opção de Browning para o papel do Conde foi o ator Lon Chaney, ou o “Homem de mil faces”, o tradicional ator de filmes de horror antigo com seu rosto gótico e perturbador. Chaney fez clássicos como “London after midnight” do próprio Todd Browning e “O Corcunda de Notre-Dame”. Entretanto, ele morreu logo após o convite, fazendo com que tivessem que procurar um novo ator. Sua primeira escolha foi Conrad Veidt, que havia feito o papel do sonâmbulo Cesáre no clássico expressionista “O Gabinete do Dr. Caligári”, mas logo um ator novo lhe chamou atenção, e ele mudou de idéia.

O bonito galã Lon Chaney.

O Ator

Bela Lugosi nasceu na Hungria em 1882. A tentativa de revolução comunista em 1919 acabou com seus planos de continuar no país, ele havia ativamente apoiado o movimento com a idéia de conseguir melhores condições para os atores e artistas em geral. Muda-se então para a Alemanha, onde começa a atuar em vários filmes, inclusive alguns de horror (ele fez uma versão não-autorizada de “O Médico e o Monstro” de Robert Louis Stevenson). Mas as condições da Alemanha pós-primeira guerra também não eram boas para sua arte. Ele decide mudar-se para os Estados Unidos. Sem saber inglês, logo se ligou a colonia Hungara em Nova Iorque, e começou a atuar no teatro. Entretanto esse era um campo muito limitado. Ele finalmente fez uma peça em inglês, "The Red Poppy”, mas, como não sabia inglês, teve de decorar a peça fonéticamente.

Durante os anos vinte, Bela flutuou entre o cinema e o teatro. Seu forte sotaque contiunuava limitando seus papéis. Ele fez uma peça baseada em Drácula em 1927, com muito sucesso. Logo chamou a atenção de Todd Browning, que procurava o ator ideal para fazer o principe das trevas. A atuação de Lugosi em Drácula criou o tipo de vampiro que vemos no cinema hoje, seu sotaque húngaro acabou por tornar-se mais uma característica da personagem, e Lugosi tornou-se Drácula para sempre, sua imagem nunca mais se dissociou dos filmes de terror.

Lugosi teve muito sucesso nos anos trinta e quarenta, mas, entrou em franca decadência nos anos cinquenta, viciando-se em herôina, cocaína e morfina. Sem dinheiro ou respeito, e sem trabalho, tornou-se um homem recluso. Seus últimos trabalhos foram com o diretor Ed Wood, considerado o “pior cineasta do mundo”, que tentou livrar Bela das drogas e deu-lhe papeis em seus filmes de produção lamentável. Ele morreu em 16 de agosto de 1956, e seu pedido de ser enterrado com a capa de Drácula foi atendido.

Wintersoldier e o Senhor da Guerra

2007-06-23T02:45:00.000-03:00

Mutarelli, o expressionismo e o horror

2007-05-10T23:34:00.008-03:00

A estética de Lourenço Mutarelli é a estética do grotesco.

Suas formas são disformes, seus personagens, perturbados, doentes, sofridos. Predominam as sombras, o escatológico, a morte, os inimagináveis processos pelo qual o corpo passa após o fim de suas funções vitais. A perda, a deformação, o desespero, o limite, o fim, a angústia, o pesadelo infernal de se viver em dor. Estes são temas abordados constantemente através da obra de Mutarelli.

Suas histórias, desenhadas predominantemente em preto e branco, nos remetem a um universo onírico, de escuridão, deformação, mutação e morte. Um universo enevoado, uma espécie de pesadelo perene, eterno e real, que é a realidade.

No universo dos quadrinhos, esta é uma abordagem relativamente recente, entretando, outras mídias gráficas já haviam explorado o disforme e o soturno. Em especial, o cinema. No final do século XIX, com a invenção do cinematógrafo pelos irmão Lumiére, tudo passa a ser asssunto para a câmera que registra imagens em movimento. Paralelamente, ao mesmo tempo pensadores como Freud trazem o desenvolvimento da psicanálise, que faz vir a tona todo um novo universo, o inconsciênte, que demanda ser explorado.

Nietzsche mata deus, há uma guerra mundial. Vivemos em tempos de mudança e caos. Se o Cinema precisa de uma tela branca que receba a projeção das imagens registradas em película, Freud propôs que o psicanalista funcionasse como uma "tela branca" onde o analisando "projetasse" suas fantasias.

Para Lourenço Mutarelli, sua “tela branca” é o papel, aonde ele imprime suas sensações e impressões mais negras. O cinema expressionista surge retratando a loucura, a doença, a morte. Os filmes expressionistas são sombrios e pessimistas, com cenários fantasmagóricos, exagero na interpretação dos atores e nos contrastes de luz e sombra. A realidade é distorcida para expressar conflitos interiores dos personagens.

A obra fundadora do movimento em sua vertente cinematográfica, “O Gabinete do Doutor Caligári”, dirigido por Robert Weine em 1919, passa-se justamente em um sanatório. Dois loucos conversam, e um deles conta uma bizarra e sombria história: em Holstenwall, uma pequena cidade no interior da Alemanha, um homem chamado Caligári controlava o sonâmbulo Cesáre.

Sob seu comando, Cesáre pratica pequenos assassinatos nas sombras. Denso e perturbador, todo o cenário de Caligári, com ângulos distorcidos, sombras fortes, cenários improváveis, perspectivas fora de eixo e proporções descabidas, remete a um pesadelo inconsciênte. E é esse uns dos efeitos que Mutarelli atinge em sua obra. Descascar a realidade e expor as desagradáveis entranhas do subjetivo, trazendo choque e confronto, são objetivos claros das obras do expressionismo e de Mutarelli.

O imaginário de Lourenço Mutarelli é povoado pela morte, pelo monstruoso e pelo deformado. Temos estes mesmos temas abordados em outra clássica obra Expressionista, “Nosferatu” de Friedrich Murnau. Livremente inspirado em Drácula de Bram Stoker, “Nosferatu” retrata a existência de uma criatura disforme, solitária, a procura de amor perdido. Um vampiro. Uma criatura noturna, que precisa matar outros seres humanos para sobreviver, se apaixona por uma mortal e deve mata-la para que possam ficar juntos.

Após a ascenção do nazismo o cinema expressionista Alemão é sufocado. A última grande obra é Metrópolis, uma fantasia futurista dirigida por Fritz Lang.

As produções experimentais vão para o surreal.

Como particularmente interessantes podemos destacar o trabalho de dois cineastas. “O cão andaluz”, filme de Luis Buñuel e do papa do surrealismo Salvador Dalí, e Freaks de Todd Browning, ainda que não exatamente um filme surrealista, ele tem diversos elementos surreal.

Em “O cão andaluz” temos a exploração do absurdo, do surreal, do imaginário e do violento. Uma amálgama de temas concentrados em 17 minutos de película sombria e perturbadora. Conforme uma nuvem passa pela lua, o olho de uma mulher é dilacerado por uma navalha. Um homem tropeça em uma mão decepada na rua. De outa mão, com um buraco no meio, saem formigas. A justaposição de imagens surreais e violentas nos leva a associar o que vemos com o inconsciênte. Da mesma forma, a obra de Mutarelli, em muito, explora os lados obscuros, negros e dormentes da alma humana. Não são raros seus painéis que abordam a religião, o sexo, a decomposição, tudo concentrado em uma única imagem.

Em "Freaks", de Browning, temos uma narrativa contada de forma tradicional. Em um circo, um grupo de aberrações humanas forma uma pequena família. Temos a mulher barbada, o homem sem pernas, a anão, a mulher com a cabeça encolhida, entre outros. Durante as filmagens foram usados atores realmente deformados, fato que causou censura e protestos a época de sua exibição.

Mais recentemente, temos os filmes do cineasta e roteirista de histórias em quadrinhos Alejandro Jodorowsky (que trabalhou com o francês Moebius em obras como “O Incal”) como “El Topo” e Holy Moutain. Nelas o absurdo também é explorado. Suas histórias, violentas, são povoadas pelo grotesco e ele também usou pessoas com defeitos congênitos em cenas de El Topo.

Outros cineastas contemporâneos como David Cronemberg e David Lynch também exploram o inconsciente humano e a fragilidade do corpo e da carne. Um sinal de nossos tempos, o pessimismo expressionista continua tão atual, aparecendo em diversas formas de expressão artística.

Como se vê muitos de seus elementos influenciaram o teor das histórias em quadrinhos atuais e a obra de Lourenço Mutarelli é um exemplo disso.

Visite o website oficial do artista aqui.

Cidade de Deus

2007-05-10T18:26:00.000-03:00

“Cidade de Deus” surpreende não pelo tópico que aborda, mas pela maneira como o faz. A História é bem amarrada e bem contada, através de flashbacks e quebras na narrativa que se justificam e se encaixam muito bem no final.

O filme é construído de forma cuidadosamente encaixada através de várias digressões, elípses e pequenos flashbacks internos. A narrativa faz com que o espectador acredite poder prever o que irá acontecer, em vários momentos, mas essa previsão não se cumpre.

A história começa nos anos 60, passa pelos 70 e vai até os 80, com reconstituição de época muito bem feita. Figurinos, cenários, objetos de cena, cortes de cabelo, música, carros; tudo bem cuidado. A fotografia é contemporânea, fazendo uso de recursos modernos de edição e efeitos. com movimentos de câmera ousados, câmera lenta, acelerada, e planos irregulares. A edição é composta por cortes rápidos e entrecortados.

Uma seqüencia de estupro é particularmente interessante. A violência em si quase não é mostrada. Nesta cena o filme trabalha apenas com som, imagens fragmentadas e fora de foco, e total escuridão e silêncio. Som e imagem vão e vem em quebras, entre incomodos e duradouros segundos de tela preta. As tomadas de escuridão e surdez indicam os desmaios e a desorientação da personagem. Uma seqüência absolutamente impressionante e criativa, o filme faz uso dos sentidos para incorporar o público a ação.

Em suma, “Cidade de Deus” é um excelente filme. Conta uma história muito bem amarrada, com dramaturgia em destaque, um roteiro sólido e é, técnicamente, impecável. Muitos tem atacado o filme justamente por essa razão, o que soa incongruente e paradoxal.

Deveria o filme ter fotografia e recursos de edição mal acabadados para que fosse bom? Acredito que não. De qualquer maneira ele cumpre seu objetivo, de passar sua história de uma determinada maneira. Ele é convincente e extremamente impactante. Não acredito que exista uma maneira de sair do cinema ileso após assistir a esse filme. Bem ou mal, ele exige uma reação.

Os quatro do apocalipse

2007-04-24T19:12:00.001-03:00

Foi lançado em DVD de banca, e agora se encontra por dez reais em lojas do centro de São Paulo, o western spaghetti "Os quatro do apocalipse" (I Quattro dell'apocalisse, 1975) Trata-se de um western interessante e atípico, em vários sentidos, feito pelo cineasta de filmes de horror gore splatter pegajosos Lucio Fulci.

No oeste, na segunda metade do século XIX, o jogador malandro Stubby, interpretado por Mario Testi, que antes já havia feito o excelente "Era uma vez no oeste" chega em uma pequena cidadezinha com seu deck de cartas marcadas. Imediatamente é preso e colocado na cadeia com uma prostituta (Lynne Frederick) um bêbado alcoolatra compulsivo (Michael J Pollard) e um negro mentalmente perturbado (mas de bom coração) que fala com os mortos (Harry Baird).

Do lado de fora da cadeia acontece um massacre, comandado por grupos de bandidos locais e ignorado/opoiado, indiretamente, pelo xerife, que janta calmamente enquanto pessoas são assassinadas em cenas de sangueira típica do Bava. Os quatro são libertos depois do massacre, pegam uma carroça e fogem pelo deserto, procurando uma cidade próxima. E aí surgem problemas.

O filme tem cenas totalmente gore e splatter, marca registrada do Fulci, e uma trama muito bem amarrada, coesa e acima de tudo, interessante, com os quatro, que inicialmente se odeiam, gradualmente se aproximando uns dos outros. O personagem do negro, Bud, feito por Baird, tem uma voz bonita e sensível, e sua loucura é mostrada de forma crua mas ao mesmo tempo cheia de magia e mistério, e a prostituta interpretada pela Lynne Frederick é linda!

Frederick tem uma história triste: era uma atriz inglesa que fez muitos filmes de horror nos anos setenta como "Shock", "Vampire Circus" e "Phase IV", além de filmes interessantes como "No blade of grass", sobre um vírus mutante que destrói a terra, no qual ela faz parte de uma família que se refugia na Escócia, "Nicolas e Alexandra", sobre a vida do último czar da Rússia (Lynne faz o papel de uma das filhas do czar, e é assassinada com a família, como ocorreu na vida real) e "The Amazing Mr. Blunden", um filme que entra no filão "Incrível fábrica de chocolate" feito na Inglaterra em 1972.

Aos vinte e dois anos, dois anos depois de fazer "Os quatro do apocalipse" ela conheceu o Peter Sellers, que já tinha mais de cinqüenta anos. Casou-se com ele, mas três anos depois Sellers morria de um ataque do coração. Frederick herdou a maioria do dinheiro do ator inglês, deu apenas pouco mais de dois mil dólares para cada um dos filhos dele (!!!), e ainda processou a Universal Pictures devido a coletânea de cenas não utilizadas dos filmes da Pantera cor de rosa "A trilha da pantera cor de rosa (1982)", disponível no Brasil em DVD, que considerou mal uso da imagem de seu ex marido, ganhando mais um milhão de dólares.

Morreu em 1994, aos 39 anos, devido a problemas com alcoolismo.

Dinheiro não é tudo.

Após essa breve digressão, de volta ao filme:

A Lynne está lindíssima, e o filme foi fotografado com algum filtro difusor muito utilizado nos anos 70, que deixa os reflexos e luzes naturais mais brilhantes e esfumaçados, fazendo as imagens remeterem aos trabalhos do fotógrafo inglês David Hamilton. Isso ajuda a criar o clima onírico e poético que permeia várias cenas. Há uma seqüência numa cidade semi-abandonada, com ex mineradores imundos, que vivem na neve, que é muito
bonita, na qual homens durões e brutais, bêbados, violentos e sujos, deixam seus corações gradualmente amolecerem e mostram o lado hospitaleiro e altruísta, do ser humano, recuperando a humanidade, que haviam perdido com o fim do minério em sua cidade.

Paralelamente o filme tem cenas de brutalidade e violência poucas vezes vistas no gênero. Claro, se trata de um spaghetti western dos anos setenta, gênero que flerta muito com a violência, mas este tem cenas de tortura e canibalismo que vão mais longe do que o padrão.

O final é amargo e pesado, com uma excelente colocação (indireta, vocês que concluam) sobre a inutilidade da violência e da dor da perda. Bonito mesmo. A última tomada, com por do sol e todo o cenário típico de Western é muito bonita, e cheia de uma melancolia silenciosa.

Vejam que é bom. O melhor filme do Fulci que assisti, mostra um lado sensível deste macabro cineasta que eu desconhecia.

A edição brasileira é tirada do recente relançamento deste filme pela distribuidora americana Anchor Bay, e incluí cenas excluídas pela censura norte americana anteriormente.

The four of the apocalypse.

2007-04-24T13:56:00.000-03:00

“The four of the apocalypse” (I Quattro dell'apocalisse, 1975) is not your typical western, not even for an spaghetti, a genre that is different for itself. Made by gore specialist Lucio Fulci, its also an unusual film for this director of horror, zombie and often surreal films.

The plot: gambler Stubby Preston (played by Mario Testi, a veteran of the classic “Once upon a time in the west”) arrives in a small western town, with his deck of marked cards ready to play. He is immediately arrested and put in jail with a prostitute (the delicately beautiful Lynne Frederick) an alcoholic drunk (Michael J. Pollard) and the weirdest of the three outcasts, a young black man with a kind heart but a tenuous grip on reality and the “ability” to speak with the dead (Harry Baird).

Soon enough, Fulci goes to his gore, and the whole city is annihilated in a bloody massacre, fully explored in human red with all its gut wrenching violence, a sequence made, no doubt, in order not to disappoint the die hard fans of Fulci violence. The four outcasts are then released in the western desert by the corrupt sheriff, and, with a station wagon, wander through the desolated planes, looking for shelter.

Initially they hate each other. What could a dodgy (albeit charming) gambler, a young pregnant prostitute, a drunken slob and a crazy man have got not only in common, but to hold them together as a team? The plot is very tight and well developed (loosely based in novels by western writer Bret Harte, it was written by the prolific Italian screenwriter Ennio de Concini, who went to work with Tinto Brass of “Caligula” fame, as also for several made for TV works). The most developed character might be Bud, the crazy black man, a figure that evokes madness through his strange and often incoherent dialog and actions, but proves to be captivating with his delicate voice full of mystery, sensibility and magic.

Problems arise when the group crosses paths with the sadistic murderer “Chaco”, a strange, mystical half Indian, hunter, shamanic character, brilliantly played by Tomas Milan. Chaco submits the protagonists to consumption of psychedelic drugs (a seventies reference and trademark, no doubt), rape and violence, and leaves them to die in the desert.

But they don’t.

They survive, gather strength in a ghost town and look for shelter, finding it in a small city.

Immediately before going to the town, they meet a preacher which decides to follow them, and who advises: “God knows what we will find, they are strange people”, which sets the tone for what the writer had in mind when he decided to put that scene in. The fact is he knew his main female character was pregnant and she would, eventually, have the baby. It’s not clear if he designed the lost city to have such a strong meaning in the story, or if he just came up with it so he would have a background for the childbirth scene. In any case, this became the strongest emotional sequence in the entire film.

They arrive in a snow-ridden village, populated solely by men. The sequence starts dark and without hope: after the protagonists were subjected to days of relentless persecution and violence, Bunny, the prostitute, goes through the ordeal of having a child. Almost a ghost town, the city is a decaying corpse of the mining days, where lonely, bitter, men dive into anger, despair and alcohol. The beautiful young girl enters labor and there is not a woman in sight. She needs the help of men who lost hope and joy in life. In fact, their lives are so empty that the arrival of a new case of whiskey is a welcomed change in their cold routine.

The infant is brought into a metaphorical, and literal, desert of ice and hopelessness: the son of a prostitute, probably being the fruit of violence and neglect himself. Unwanted, born in a city of men that don’t care for life anymore. The expectation created by the scene, and the whole film, is that we are going to be presented to even more brutality and harshness.

But then comes the only glimpse of light in the whole film: as the baby is being born, the men in the city become involved. They cheer and care about it. They want this new life to triumph. The child is adopted by the men. He brings them a sense of new life, hope and most of all: re-beginning.

When Bunny finally gives birth, she is completely drenched. Dying, she asks Stubby “I’m I a mother Stubby?” with the innocence of a teenager. Knowing that Bunny will die, Stubby assures her that it’s a boy. As Bunny dies, the music mellows, and we are supposed to do too. The film then borderlines on over sentimentalism, but it manages to save itself from a cliché in the nick of time: as Bunny dies and reveals her love for Stubby, she tries to touch his face. Hardened by the desert and being a gambler, used to hide his feelings, Stubby is unable to reply, and only cries after she’s dead. This beautiful scene explores very well the character’s psyche and feelings, fully exploiting its potential, background and characteristics.

The photographer, Sergio Salvati, who worked with Fulci in his most well known classics “Zombie” and “The Beyond” makes effective use of typical diffusive lenses, making all lights very soft and ethereal. This sort of illumination was very common in 70’s films, and British photographer David Hamilton is famous for making photographs and films with this kind of illumination. The atmosphere created by them certainly helps the dreamlike and poetic tone of the film, and, of course, of the childbirth sequence.

The end, as it couldn’t be different, is bitter and heavy, with an excellent depiction of the uselessness of violence and the anxiety and misery provoked by loss. Beautifully and eerily painful. The last shot, with a typical western blood red sunset is as beautiful as it is silently melancholic.

A strange, small European film, about a dark, gritty American west. It’s certainly amongst Fulci’s best, and it’s definitely worth checking.

Out on crisp new edition by Anchor Bay video, restored with before censured scenes and a good documentary, “Fulci of the apocalypse”, featuring interesting interviews with the surviving main members of the cast, Milan and Testi (the beautiful Frederick, formerly wed to Peter Sellers, died at 39 of alcohol abuse and Baird passed away in 2005 due to cancer).

O Expresso do Horror

2007-04-16T02:36:00.001-03:00

Agora imaginem um filme feito em 1973 que misture ALIEN com O ENIGMA DO OUTRO MUNDO e EXPRESSO PARA O INFERNO.

Parece bom demais?

Nada! Foi feito por Eugenio Martin em 1973 e se chama EXPRESSO DO HORROR.

Novamente temos Peter Cushing e o conde do horror Christopher Lee reunidos em uma película com monstros.

Somos apresentados a narração de Lee:

"O que segue é a declaração a associação geológica real feita por este que vos escreve, Alexander, Saxton. A descrição é verdadeira e fiel aos fatos que cairam sobre nossa expedição na Manchuria. Como líder da expedição, eu devo aceitar a responsabilidade por seu fim desastroso. Entretanto, deixarei para o julgamento dos honoráveis membros da sociedade a decisão de a quem culpar por essa catástrofe"

Vejam só, tudo começa em 1906, quando um antropologista interpretado por Lee encontra, nas geleiras inóspitas da Manchuria, o fóssil congelado de uma criatura que pode ser o elo perdido entre o cro-magnon-homo-antecessor-homem-de-rhodesia com os humanos contemporêneos. Quase a chibatadas, ele põe orientais para carregar uma caixa enorme com seu espécime dentro do trem trans-siberiano, em direção a Rússia. E aí irão iniciar-se problemas, é claro!

A população do trem já é interessante por si só: além do antropólogo Lee temos Cushing como um médico (Dr. Wells), um estranho místico inspirado em Rasputin, interpretado por Alberto de Mendoza e belas atrizes coadjuvantes que serão devidamente devoradas.

Apesar das advertências de Lee, é claro que alguém decide abrir a caixa com o fóssil.

Acontece que o fóssil na verdade é de uma criatura alienígena que chegou na terra milhares de anos atrás. E ela tem o poder de, com seus olhos vermelhos, sugar o cérebro de quem encontra, absorvendo toda a informação existente dentro dele. Segue uma cena de Cushing serrando uma cabeça para descobrir o cérebro de um guarda do trem russo não tem mais as enrugações que são provocadas pela nossa memória, ele está absolutamente liso!

O monstro está a solta no trem fazendo vítimas, seus olhos ficam vermelhos no escuro e ele causa sangramentos na boca, olhos e nariz de quem estiver a sua frente.

E então...

O filme vira um precursor dos filmes de zumbi atuais! Na verdade, a criatura espacial pode transferir-se de um corpo para outro, assim temos a suspeita eterna do "doppleganger", a cópia, como John Carpenter explorou profusamente em "O enigma do outro mundo".

Enquanto isso o trem não pode parar! Afinal, o monstro não pode ser solto nas estepes russas.

O clima de paranóia se instala. Enquanto Cushing e Lee formam a linha de frente, todos querem descobrir QUEM entre eles é o monstro, e o trem viaja a toda velocidade pelo gelo da sibéria.

Finalmente eles conseguem mandar uma mensagem cifrada para a próxima estação de trem, pedindo ajuda ao exército local, que é comandado por quem? Por quem?

TELLY "Kojack" SAVALAS! No papel de um cossaco chamado CAPITÃO KAZAN!

Quando, em um determinado momento, o exército do Cap. Kazan consegue encurralar o monstro em um corredor, Savalas dispara:

"Atirem em qualquer coisa que sair daquela porta!"

Dr. Wells: "Mas e se o monge for inocente?"

Kazan: "Ahh, nós temos MUITOS monges aqui na russia!"

Inicia-se um massacre com direito a cenas gore e o exército russo caçando o monstro no escuro, em meio aos passageiros inocentes que agonizam entre tiros e espadadas.

A última meia hora tem mais gente morta através de espadadas, tiros dos cossacos e garradas do monstro do que MEU ÓDIO SERA TUA HERÂNÇA inteiro.

Diálogos geniais: o Rasputin satãnico perseguindo o monstro clamando "Tome o meu corpo, lorde satã!" a o que esse replica "Não há nada na sua cabeça, saia daqui!" numa óbvia crítica a religião, e o momento em que, quando todos estão reunidos sem saber quem é quem, um dos passageiros, um policial, pergunta a Cushing e Lee: "Mas e se um de VOCÊS for o monstro?" a o que Cushing replica "Nós? Nós somos INGLESES!"

Vamos aos fatos.

Trata se de um filme com:

- Christopher Lee e Peter Cushing
- Monstro bizarro com olhos vermelhos e garras ridículas que decepam pessoas
- Olhos e bocas sangrando a granel
- Monge louco russo satânista
- Cushing serrando uma cabeça para fazer uma autópsia
- Uma condessa polonesa
- Olhos colocados em uma placa de petri e observados em um microscópio
- Monstro fazendo observações filosóficas sobre sua chegada na terra há milhões de anos
- Exército de soldados zumbis
- Clima claustrofóbico dentro de um trem cercado por neve e gelo
- Telly Savalas no papel de um cossaco chamado CAPITÃO KAZAN distribuindo pontapés e sopapos a torto e a direito, fazendo Al Pacino como Tony Montana do Scarface parecer uma menininha.

Mistério! Intriga! Suspeitas! Horror! Risadas! Está tudo aqui. Robert Rodriguez e Quentin Tarantino gostariam de ser o Capitão KAZAN quando crescessem.

Enfim, foi lançado em VHS no Brasil, e está disponível no eMule aqui:

ed2k://fileHorror.Express.(1972).avi726112882ECFB2F20F798631B4A32D32BA3773EE5/

E para Torrents aqui:

http://www.torrentspy.com/search.asp?mode=torrentdetails&amp;amp;id=341097&query=Horror+Express+

Assistam e deixem seus comentários!

Theatre of Blood

2007-04-06T04:04:00.000-03:00

Um dos filmes recentes que assisti e que, por diversas razões me deu mais prazer foi "Theatre of Blood" lançado em 1973. Película absolutamente genial do diretor inglês Douglas Hickox, que não chegou a fazer nada de muito interessante depois desse filme.

(Nem antes, na verdade)

Por sinal ele é pai do Anthony Hickox, diretor horrendo que anda fazendo filmes com Steven Segall por aí.

De qualquer forma, não sei se Hickox estava inspirado, se o roteiro (com ajuda, e muita, do Shakespeare, o que por si só já da um grande impulso a trama, é claro) se a época era propícia, ou se a equipe de produção inteira combinada fez a coisa virar. O fato é que "Theatre of Blood" é um dos melhores filmes do Vincent Price, ele mesmo reconhecia isso. É divertido, tem um humor negro genial, da vontade de esperar ver cada nova cena de vingança que vem pela frente, prende a atenção e tem zero de chatice.

Resumo resumido rápido, curto, breve, da trama: O célebre ator inglês Edward Lionheart (excelente nome, não?) é especialista em interpretar as peças de Shakespeare em teatros ingleses. Apesar de ser um ator bem razoável, na opinião deste que vos escreve, ele sempre é escorraçado e humilhado pela crítica malvada e impiedosa do circulo de críticos de Londres. Um bando de burgueses pomposos, grosseiros, grotescos, gritantes, graves, galantes, gorfantes e muitas outras coisas negativas, com G.

Acredita-se que Edward morreu. Após a cerimônia de entrega do prêmio de melhor ator na última reunião do grupo, Edward, que perdeu para um ator iniciante, tem um colapso. Não acredita que perdeu. Desgostoso, faz uma cena escabrosa, barraco mesmo, na frente do clube, rouba o troféu que perdeu, como um menino mimado, e depois se joga num rio. Acho que no Tâmisa. (que na época, nem era assim tão limpo).

Acontece que Eddie Lionheart não morreu PORRA NENHUMA MOÇADA! E ele se voltou para vingar-se, e vingar-se com MUITO SANGUE! E aí que rola o tesão do filme. Apoiado por um grupo de mendigos londrinos (que me lembraram muito aqueles mendigos do Laranja Mecânica que espancam o Alex) ele, dramaticamente, traumaticamente e efusivamente reencena seqüências de assassinato e mortes dantescas e sádicas das peças de Shakespeare das quais participou! E quem conhece Shakespeare sabe que o homem sabia matar com gusto! Cada um de seus impiedosos críticos deverá, portanto, sofrer uma morte horrível e criativa, enquanto Lionheart (o mesmo Edward a que venho me referindo, apenas mudei para o segundo nome) profere as falas criadas pelo, para usar um clichê, imortal bardo inglês!

E aí temos seqüências ge-ni-ais de violência e humor negro! As primeiras mortes não fazem muito sentido. “Oh deus, o que está acontecendo? Por que ele foi mutilado por uma turba assim (Julius César)” mas logo percebe-se que não são meros assassinatos, há um modus operandi todo especial por trás do morticínio! O filme retrata como Lionheart e sua trupe de doentes conseguem levar, das maneiras mais criativas, os críticos a seu teatro abandonado (ou outras locações) e recriando as cenas violentas das peças de Shakespeare, culminando com a morte do malvado critico em questão.

Temos aí então uma superposição de filmes! A cada quinze minutos (ou por ai) Vincent Price entra em cena e reproduz toda a cena da peça a qual se refere, REALMENTE interpretando Shakespeare ao pé da letra.

Dá gosto de ver ele citando “Now is the winter of my discontent” e eu devo dizer que concordo que os críticos foram exageradamente severos com ele, o cara mandava bem! Depois de criar a cena dentro da cena, o pobre crítico percebe que vai virar presunto, e o filme assume seu verdadeiro ar de horror com humor. GENIAL!

Em uma das seqüências, e contarei apenas essa com (algum) detalhe para não estragar o filme para vocês amiguinhos cinéfilos, Lionheart chama um fulano para seu teatro abandonado com uma desculpa evasiva, superficial. O homem vai, desavisado, e quando chega lá, está preparada a cena do “Mercador de Veneza” na qual Shylock, o judeu malvado, irá cobrar uma libra de carne do peito de Antônio. Após proferir todo o texto da seqüência na qual Shylock se prepara para esbifar Antonio, Lionheart muda a peça, e comete a ousadia (como diz um dos críticos) de “reescrever Shakespeare”. Na peça original Antonio é salvo no ultimo minuto. Mas em um filme inglês tosco dos anos 70 feito depois de Laranja Mecânica é evidente que isso não poderia acontecer! Em uma cena totalmente gore os dementes assistentes bêbados de Edward Lionheart imobilizam o malvado critico, e nosso querido Vincent remove o coração do fulano a sangue frio, em uma cena totalmente gore.

As seqüências irão se repetir, e não é necessário conhecer as peças do Shakespeare para divertir-se com os assassinatos, mas ajuda a dar mais risada. O fato é que você quer cada vez mais adivinhar QUAL vai ser a próxima peça utilizada e QUAL cena de assassinato/morte dela.

O filme tem aquele típico visual do cinema inglês setentista. Uma imagem meio suja, granulada, muitas tomadas feitas com câmera na mão, uso extensivo de locações e quase nada de estúdio, e muitos, muitos movimentos de câmera sem steadicam (que ainda não existia como hoje) que me lembraram Laranja Mecânica o tempo todo.

Claro que a trama toda remete ao Dr. Phibes, outro filme inglês com Vincent Price, no qual ele se vinga dos médicos que não conseguiram salvar/mataram a sua esposa. Mas é tão, tão MELHOR, MAIS ENGRAÇADO E DIFERENTE QUE VALE A PENA! A equipe estava absolutamente inspirada, Vincent Price está muito bem, e as cenas dele lidando com sua trupe de mendigos terroristas são geniais. Anárquicas, cômicas, screwball pastelônicas. E cada morte é mais divertida do que a outra. A polícia tentando impedir o grupo de matar os críticos então, é genial. O mais bacana de tudo é que você torce PELO Lionheart, para que ele complete sua obra, para que ele encene todas as obras de Shakespeare apagando e apresuntando um por um seus desafetos. E a cada nova apresentação Price nos brinda com interpretações de Shakespeare de fazer Laurence Olivier aplaudir.

O filme também conta com a presença agradável da Diana Riggs, atriz que fez o papel que Uma Thurman reprisou no filme baseado na série THE AVENGERS. Ou seja, ela era a atriz original da série, no papel de Emma sei lá o que. Como o filme foi feito em 73, ela ainda estava muito bonita, e vale a pena vê-la. Riggs faz o papel da filha de Edward.

Outro momento cativante é quando Lionheart se fantasia como o “cabelereiro Butch”, com uma peruca afro, o cabelo dos deuses, de fazer inveja a cotonete, o presidente de um dos fã clubes do Corinthians. Mais uma vez Price demonstra como é um ator versátil e bem humorado (sabiam que ele era cozinheiro e tem livros de receita publicados? Acabei de lembrar disso) fazendo papel de um cabeleireiro bicha louca, uma coisa Clodovil/Clovis Bornay/Leão Lobesca mesmo.

O filme então é uma espécie de thriller policial separado em quadros nos quais críticos são assassinados em reencenações de Shakespeare. É ou não uma grande idéia? Se alguém te falasse isso, você não falaria “Vai dar um puta roteiro bacana?” E se você filmar com mendigos hippies nos anos 70, usando câmera na mão, vai ficar melhor ainda amiguinho! Ah bons tempos! As mortes são deliberadamente engraçadas e contrastam com a interpretação sóbria, séria e profunda de Vincent Price proferindo suas (muito bem decoradas) linhas de Shakespeare enquanto corta, mutila, afoga e sufoca críticos cretinos.

Aliás, esse é o filme perfeito para cineastas, que devem ter se sentido vindicados ao fazer uma película sobre a possibilidade de se mutilar e matar críticos pretensiosos e idiotas, dentro de um contexto artístico.

Um pouco de informação para deixar vocês felizes:

Cerca de seis galões de sangue falso foram usados para a encenação dos assassinatos.

Diálogo genial entre um crítico pedindo clemência e Lionheart

“Críticos fazem erros, Lionheart, nos somos apenas... humanos!”

Lionheart: “Uma opinião da qual eu não consigo partilhar”

E quando Lionheart faz uma diatribe pró atores, em nome do trabalho dessa nobre classe:

“Quantos você já destruiu como destruiu a mim? Quantas vidas talentosas foram arruinadas por seus ataques? O que você sabe da dedicação e do trabalho duro dos homens e mulheres que fazem a arte mais nobre da terra? NADA! Você não tem a inteligência ou a habilidade para julgar, você apenas destrói os esforços dos outros por que lhe falta a habilidade de criar. Não Devlin, não, eu não matei Larding (um dos críticos) e os outros. PUNI-OS meu rapaz, eu os puni. Assim como você deverá ser punido!”

Apenas um roteirista que sabe o que é ser julgado por um idiota sem consideração seria capaz de escrever um parágrafo tão grandioso sobre a maldade intrínseca a profissão de “critico”, profissão de validade dúbia, já que quem é quem para me indicar o que eu devo gostar hein rapazes?

Curiosamente, o roteirista do filme, Anthony Greville-Bell escreveu apenas mais dois filmes, sumindo do cenário cinematográfico. Posso apenas imaginar o que ele teria feito de divertido caso tivesse dedicado-se seriamente a fazer uma carreira como escritor de histórias de humor negro.

Enfim, “Theatre of Blood” é um filme excelente, deve ser assistido por todos aqueles de bom gosto, que queiram ver um pout pourri dos momentos mais gores de Shakespeare, tudo em um cenário setentista inglês de certa forma psicodélico, e com um puta humor negro de primeira linha. Aguardar cada novo assassinato é deliciosamente cruel e mantém o interesse do espectador todo o tempo. O que mais podemos querer de um filme de terror? Vocês acham que eu vou perder meu tempo indo ver uma merda de um filme esloveno sobre uma menina tosca que perdeu uma sandália na porra da mostra de cinema se eu tenho “Theatre of Blood” em DVD a venda pela WORKS por dez reais?

São Paulo

2007-04-03T01:31:00.000-03:00

Ok, vamos lá moçada. Primeira postagem!

De volta a SP depois de mais de um ano.

Impressões sobre esse mimo de cidade.

Seguem clichês.

Todo mundo que já foi pra SP notou isso. Mas não custa repetir esse óbvio e anunciar o caos e a barbárie, um dos meus esportes preferidos.

Coloquem um disco do Doom ou do Extreme Noise Terror. Ou VICTIMS OF A BOMB RAID em repeat.

Colocaram? Ok.

Essa cidade é deprimente. Funciona aos pedaços, montada de remendos. TUDO aqui, do sistema de saúde as ruas, da porra da cara das pessoas o que elas estão sentindo, ao semáforo, funciona de maneira arremendada, colada de improviso, provisória, temporária. É um horror. Nada funciona direito, nada é real. Nada é durável, é tudo feito no desespero e na pressa, na urgência, na falta famélica de opção, na falta de preparo. MILHÕES de pessoas deprimidas, desesperadas, andando no asfalto de um lado pro outro, cada um querendo algo, e principalmente querendo GRANA, vagando pelas ruas entupidas que nem veias com colesterol sujo dessa puta dessa cidade faminta.

Bactérias fluindo pelos braços de um paciente contaminado por alguma infecção terminal. Vocês devem entender exatamente o que eu tô falando.

“Escutem o que eu lhes digo”, disse o profeta do apocalipse, a figura da Cassandra mal vista e maldita, o velho ranzinza horroroso da colina, o xamã apedrejado pra fora da vila: Isso aqui vai implodir. Esse lance do PCC fazendo 3 dias de ataques terroristas é um dos primeiros sintomas. Outros vem há tempos, como o aumentos de assaltos, desorganização geral, trânsito caótico e completa falência do estado. Pra falar de maneira genérica, que eu não estou afim de enumerar casos. Isso aqui VAI implodir. Pode demorar 5 meses, 5 anos, talvez 10, 15 anos. Mas vai vir.

Algo grande vai vir.

E enquanto a onda grande não vem, a cidade vai continuar funcionando nesse improviso, com o governo e a população "estancando" os sangramentos e vazamentos com esparadrapos e bandeides velhos. Mas essa merda vai estourar. Quando cair o último barraco na periferia desse pesadelo que acha que tem dignidade o suficiente pra ser chamado de cidade, quando morrer mais um último alí naquela vala lotada de gente morta no Capão Redondo, quando estourar a vigésima quinta rebelião em um presídio X, a quadragésima terceira fuga da Febem, mais um incêndio em algum lugar...

Não sei qual vai ser o evento que vai determinar o estopim, mas o dominó vai cair.... e estourar. E a merda vai estar tão grande que todo mundo que, nos anos 50 vivia numa metrópole relativamente pacata, com galeria metrópole, com bonde, com gente comprando tecido italiano na ‘Modas Diamante’ achando que estava na Europa, e se enganando bem, e hoje em dia tá acostumado com esse pânico, por que foi se acostumando devagarinho, devagarinho, com cinco anos piores, e mais cinco anos piores e foi indo até estar o que é hoje.... eles vão estar acostumados também, com vida de merda, e quando estourar nem vai ser tanta surpresa.

Todas as cidades grandes, metrópoles gordas e fedidas como Londres, NY, etc, tem isso, essa tensão, essa desorganização. Mas SP está na frente em relação a epidemia do caos. Talvez a cidade do México seja uma merda igual. Ou Bogotá. Eu não sei, não conheço. Eu duvido que não esteja certo sobre isso. Enquanto a elite de merda daqui puder pagar seguranças e manter esse país como o número um em carros blindados no mundo, a coisa vai indo. Provisóriamente, com gente fingindo que não é assaltada, com gente fingindo que o trânsito não consome a vida de todo mundo (em todos os sentidos), com gente fingindo que não tem miseráveis morrendo de fome no meio do largo do Arouche, com sol a pino fritando o mendigo moribundo.

Foda-se: eles tem helicóptero, vivem em vilas fechadas/presídios/condomínios de luxo e fingem que estão em Paris, comendo no restaurante do Alex Atala e pagando 50 reais no tal café com dadinho que ele serve, respirando ar condicionado e fazendo teatro da vida real, interpretando, tentando esquecer que estão no Brasil.

Mas o povo fodido vai estourar, os 99% desse país, essa gente miserável e fodida no cu, que nasce que nem um aborto ainda vivo gritando rasgando a placenta de fome que jamais vai ser saciada, fome de um tipo de vida que não seja rastejar nos ladrilhos da São João pedindo dinheiro, vai, nem que eles mesmos não queiram fazer isso, estourar em cima deles.

E não vai ser uma revolução social bonita de filme comunista de merda não, não vai ser uma revolução filmada pelo Eisenstein, poetisada em filme por Debord ou planejada pelo Lenin. Não vai ser revolução nenhuma, vai ser uma erupção de violência desorganizada e predatória. Vai ser o caos dos remendos do dique rompendo e da água espalhando por todos os lados e afogando todo mundo, de maneira irrestrita. Não vai ter nada de poético, nada de revolucionário, nada de dadaísmo artístico pra ser interpretado por que não tem nada para se interpretar em um monte de gafanhotos devorando um campo . Nada do povo sofrido tomando lugar da elite maldosa, essa coisa infantil e maniqueista de achar que "existe um grupo de gente ruim" e "existe um grupo de gente bondosa" divididas por contas bancárias, como se as complexidades da existência e da maneira como os seres humanos se organizam fossem o equivalente de o esqueleto tomando o castelo de Greyskull e subvertendo a ordem em Eternia.

Vai ser a natureza humana se expressando na sua forma mais vil, selvagem e egoísta, numa corrida predatória pela sobrevivência onde ninguém vai respeitar ninguém, e a mais desgraçada faceta da natureza humana, egoísta, destrutiva e competitiva, vai aflorar. O sistema não vai se aguentar nem físicamente o concreto vai rachar! Em todos os sentidos dessa frase.

“Ui ui, tá nervosinho você hein? Quer provocar medinho nos outros? Fazer com que eles pensem em como você está certo? Em como ser negativo e destrutivo sempre faz você parecer correto? Profético? É fácil escrever assim, não é? Diz que vai ficar tudo ruim e fica olhando enquanto todo mundo assente com a cabeça”.

Acabou de dizer uma vozinha, dentro da minha cabeça. No lado esquerdo.

“Ui! Sou malvado! Fiz previsões apocalípticas! Quer aplausos? Quer prê....”

Com um soco, fiz ela calar a boca. O canto da boca sangra, lentamente, e ela respira pesado, com medo. Seu olho esquerdo fechado, inchando com o impacto do soco... lentamente.

Acabou esse lado do disco do Doom.